Cuando hablan del nacimiento del heavy metal
generalmente nombran a grandes bandas británicas
como Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple.
Pero EE.UU. también jugó un papel importante
en los orígenes de esta música
y no podemos hablar de metal estadounidense
sin mencionar a Kiss.
La pregunta de este episodio es:
¿cuáles son los orígenes del metal en EE.UU.
y cómo llegamos a Kiss?
La evolución de la música pesada en EE.UU.
se remonta mucho más atrás que la explosión de Kiss en los '70.
Y si hay un estilo en la música estadounidense
que fuese pesada para su época, es la música surf.
Especialmente, el sonido de las guitarras.
Recuerdo el primer riff de guitarra que mi papá me tocó
y era una canción de surf para guitarra
del legendario Dick Dale.
Y realmente me gustaba
porque tenía una vibración muy intensa.
Entonces me pregunto, ¿qué lugar tiene la música surf
en la historia del metal?
Leí algo sobre Dick Dale en el museo.
Una de las primeras cosas que dice es "Padre del heavy metal".
Así me llamaban los críticos
quienes decían "Su música suena como el galope metálico
de dos trenes chocando. "
No me consideraba un guitarrista.
No sabía muchas cosas y no me importaba.
Solo golpeaba esa cosa y la hacía gritar con dolor o placer
y conseguía sonidos modernos.
Escuché de un hombre llamado Leo Fender
me dijo "¿Cómo tocas tan alto?, vas a volar mi amplificador. "
Y le dije "Porque toco en un lugar llamado Rendezvous Ballroom
y quiero que mi guitarra y altavoz suene como Gene Krupa. "
Entonces se construyó la Stratocaster con un cuerpo grueso
que le daba un sonido gordo
y le puse cuerdas sextas
dándole un sonido más gordo
y Leo creó el primer ampli de 100 Watts
yo le puse transformadores, llevándolo a 180 Watts
hasta el día de hoy no ha sido igualado.
La gente escuchaba y decía: "¡Wow, qué es esto!"
Él tomó la guitarra y la transformó en un instrumento
no solo una pequeña parte de la música
podía hacer cosas con la guitarra nunca antes vistas.
Tocaba con una pared de amplificadores
como lo hacía Van Halen.
Era heavy metal, 20 años antes.
Además de la música surf,
otro género que fue una contribución
innegablemente estadounidense al incipiente heavy metal
fue el rock de garage
y no hay nada más estadounidense que Ted Nugent.
Mucho antes de convertirse en un motociclista alocado
era el guitarrista de los rockeros de garage de los '60, The Amboy Dukes.
Hice todo el viaje hasta su rancho espiritual salvaje
en el corazón de Texas
y creo que el verdadero desafío
es evitar que Ted hable de cacería y política
y hacerlo que hable de música.
Barack... Barack Obama.
- ¿Lo tienes? - Sí.
Abre el show con ese desgraciado.
Encontré un uso decente para los pedos: liberación de gas.
The Amboy Dukes. Ustedes...
nombraron el garage rock. - Seguro.
The Amboy Dukes fueron la quinatesencia de la banda de garage
teníamos toda la furia desatada
la inhibición
la ferocidad de mis sueños de Chuck Berry y Bob Didley
fue usada y redefinida lo más posible.
Todas las bandas de garage, todos los chicos
pensábamos "Ok, ya no podemos tocar como maricas. "
Era la actitud de chicos malos.
La prepotencia y la arrogancia, eso era lo que hacíamos.
El volumen seguía subiendo, eso era otra cosa.
Apenas nos conocías y ya comenzabas a sentir lo mismo.
Cuando llegaron las bandas inglesas
todos guitarristas brillantes de una u otra forma
sentimos que debíamos que volver a donde habíamos comenzado
y ahí es cuando aparecen todas las bandas de garage
en EE.UU., apareciendo de repente
en cada pueblo a lo largo de todo EE.UU.
Fue una preparación del terreno,
para el siguiente nivel
al que llegaría la música.
El movimiento de las bandas americanas de garage
crearon un terreno fértil para experimentar
con sonidos pesados a mediados de los '60.
Y fue "Born to be wild" de Steppenwolf
la que no solo empujó a la música
hacia una dirección más pesada
sino que también adoptó el nombre "heavy metal".
¿Steppenwolf fue la primera banda en usar el término "heavy metal"?
Para ser honesto contigo, eso no importa demasiado.
Lo que sí sé es que, a partir de entonces,
hubo gente que pensaba en Steppenwolf
como el prototipo de otras bandas que vinieron
que eventualmente se convirtieron en heavy metal.
La batería te pateaba el culo
sentías escalofríos al escuchar el órgano
la guitarra rodaba
John Kay tenía la voz líder de su generación
él no solo te lo decía, te lo demostraba.
No era solo una elección.
Azotaba a la gente diciéndoles cómo vivir sus vidas
y cómo cambiarían las cosas.
Cuando comenzamos a tocar
algunas canciones pegaron.
Nos dimos cuenta de que nuestro sonido
era no solo más agresivo y pesado
sino que tampoco nos plegamos
a ese sonido etéreo, de canciones de 8 minutos,
solos excéntricos y demás.
Decíamos lo nuestro en forma compacta
golpeábamos fuerte y seguíamos adelante.
El rock de finales de los '60 en EE.UU.
se iba haciendo cada vez más pesada
y agresiva y fuerte.
Y una de las bandas que generalmente se menciona
como la más fuerte de todos los tiempos
es Blue Cheer de California.
Me encontraré con el guitarrista Randy Holden
para preguntarle qué era lo atractivo de tocar
a un volumen tan castigador.
Cuéntame del San Francisco de esa época
y hasta qué punto ustedes se alejaban
de la escena típica de San Francisco.
El sonido psicodélico, combinado con folk y rock,
tenía cierto gusto para mí
siempre me atrajeron las claves menores
y las notas poderosas,
siempre afiné mi guitarra en RE,
un tono más bajo, cuando tocaba música surf.
Y lo hacía porque amaba cómo sonaba ese trueno.
Cuando surgió Blue Cheer
en San Francisco en esa época
la escena musical era muy abierta.
No había reglas
y la única manera de que una banda como Blue Cheer prosperase
era en ese ambiente
porque estábamos en contra de todo:
tocábamos muy alto, nuestra música era muy simple
éramos lo suficientemente sofisticados, y a la vez
éramos unos patanes desagradables.
En muchos aspectos fueron la primera banda de metal
pero ellos no pensaban en términos de metal.
Se centraban en el volumen y en asustar.
¿Cuál es el atractivo de tocar tan fuerte?
No lo sé, nací con eso.
Es algo que me enajena completamente.
Hay belleza en eso.
Me preguntaba cómo sonaría una explosión nuclear
y pensé "Con suficientes amplificadores, tal vez lo logre. "
Tal vez la ciudad más importante
en el desarrollo del metal primitivo en EE.UU., es Detroit.
Así que me llegué hasta la Motor City
para encontrarme con Wayne Kramer
guitarrista de los legendarios MC5
y averiguar por qué esta ciudad se convirtió
en el epicentro de la música pesada a fines de los '60.
¿Puede describir cómo eran las cosas entonces?
Había urgencia por encontrar una postura militante
opuesta al desastre que estaba ocurriendo.
Todos los días, la política en el plano nacional e internacional
le echaba más leña al fuego.
El flower power estaba bien
pero no tenía suficiente poder.
Mi generación no estaba de acuerdo
con cómo hacían las cosas nuestros padres
era un completo desastre.
La única opción era decir algo al respecto
y gritarlo tan fuerte como pudiésemos.
Y descubrimos que las guitarras eléctricas
eran una buena forma de hacerlo.
Se desarrolló una estética en Detroit, única en el mundo.
Me hizo pensar que no debía vivir en New York,
ni en Londres ni en San Francisco
algo estaba sucediendo aquí
y estábamos muy influenciados por la industria de Detroit
la idea del metal, el ruido, se coló en la música.
Creo que la música, más que otra cosa, fue una reacción
a la naturaleza industrial de Detroit.
O trabajabas en autos, o los vendías, o pensabas en ellos.
¡O robabas autos!
Cada viernes, los clubes se llenaban de obreros
que trabajaban de día o por la tarde
y se quedaban en los bares hasta las 2 de la mañana
para ver tocar las bandas.
Había mucho qué hacer para un músico.
Estaban todas estas bandas de California, como los Grateful Dead
Janis Joplin y the Big Brother
pero varias de ellas no tuvieron éxito en Detroit.
Nos gustaban las cosas que realmente nos sacudieran
música simple, directa, excesiva, que te motivase.
Los MC5, especialmente Wayne Kramer, decía
"¡Pónganle ganas, malditos, o bájense del escenario!"
queriendo decir que si era una actuación débil, debían largarse.
Y esa se convirtió en su frase representativa.
¿Por qué MC5
se incluye cuando se habla de heavy metal?
Bueno, MC5 recibe el crédito o la culpa
y acepto ambas,
de lo que luego se conoció como "metal" y "punk rock".
No estaba en mis planes.
Tipos como Townsend, Jeff Beck, Jimmy Page,
yo estaba muy influido por ellos
y al combinarlos con el movimiento free jazz
me pareció que era el paso siguiente.
Puedo hacer cosas con la guitarra
que no suenan como una guitarra.
Pensaba que éramos unos desgraciados con guitarras
creía que The Amboy Dukes éramos unos hijos de perra
mezcla de James Brown con Sammy Davis,
y luego vi a MC5.
Quedé estupefacto.
Mi vida cambió con los MC5.
Una banda de grandes shows
más allá de lo político y de todo lo demás
tenían un gran atractivo de mucha energía
complementado por otro lado
con la simpleza y frontalidad de los Stooges.
Mientras MC5 creó un sonido nuevo en EE.UU.
otra banda de Detroit que llevó la música
a nuevos niveles de crudeza e intensidad a fines de los '60
fue Iggy & The Stooges.
Cuando formamos The Stooges, antes de pisar un escenario
a todos nos gustaba el heavy rock
me hacía sentir que tenía un mensaje interior sin decir
que me servía de un modo primitivo.
Tener sexo cuando lo quisiese,
tomar el dinero cuando lo quisiese,
ser alguien
no tener un trabajo para ser alguien.
Cuando tocamos por primera vez esas canciones
la gente hizo esto... literalmente.
Si había más espacio para retroceder
la gente lo hacía y no volvía adelante.
Y algunos, que después se conocieron como "stoners"
o rameras.
Esas eran las dos bases de fans
y unos pocos "intelectuales".
Ellos venían adelante
y los otros espiaban con horror desde el fondo.
Y era bien pesado.
Eso era lo importante para mí.
Lo que le permite a la gente encontrar de todo en nuestra música
es que nunca le dijimos demasiadas cosas a la cara.
De cierta forma era en tu cara
pero por otro lado tenía cierta cualidad intimista
que también encuentras en el gótico, el grunge, el metal...
Las bandas de Detroit marcaron un nuevo rumbo
en la música pesada durante fines de los '60.
Pero la vida de Detroit como epicentro del hard rock era breve.
A principios de los '70, el legendario Grande Ballroom había cerrado
y MC5 y los Stooges se habían separado por problemas de drogas.
Pero había un rockero de Detroit
que sacaría al hard rock del underground
y lo llevaría a las masas.
La historia del heavy metal estadounidense no estaría completa
sin la Alice Cooper Band.
Uno de los shows en vivo más extremo de todos los tiempos
y autores también de algunos himnos memorables del heavy metal.
¿Cómo comenzó esta banda furiosa del underground de Detroit?
Todas las semanas en el Grande o en el East Town
o algunas de esas grandes fortalezas del rock
estaban MC5, Iggy y Alice.
Iggy era el rey de los punks.
Y yo era otra cosa.
Un personaje a lo Fantasma de la ópera.
Lo amábamos. Podíamos llegar tan lejos como quisiésemos en vivo.
Y se debatía quién era más loco: Iggy o Alice.
¿Qué crees que les permitió a ustedes
fusionar esa estética del horror y la accesibilidad a las radios?
Era el momento, y tuvimos un productor llamdo Bob Ezrin
que lo entendió.
Nos escuchó en Kansas, oyó "Eighteen"
y dijo "¿Qué es esa canción, 'I'm edgy'?"
Le dije "¿Quieres decir 'eighteen'?" y dijo "¡Sí!"
Dijo "Esa canción es tan tonta; es un hit. "
La tocamos y dijo "No, más tonta. "
La canción es sobre un muchacho que dice
"Tengo dieciocho
soy un niño, soy un hombre, y lo entiendo. "
Mike Bruce escribía grandiosas canciones pop
que la banda tomaba y las hacía hard rock.
Alice tenía ideas extrañas y sensibilidades
que agregaba a las letras
mi trabajo era tomar todos esos elementos
y organizarlos de una manera
que aunara esas canciones.
Bob sabía tomar nuestra locura y convertirla en algo accesible.
Canciones como "Eighteen" y "School's Out",
podías odiar a Alice Cooper pero amabas esos discos
porque eran divertidos de escuchar.
¿La radio tuvo un papel significativo en catapultar a Alice?
El grupo de Alice Cooper le debe se carrera a la radio.
De hecho fue Rosalie Trombley de CKLW, la gran A,
en Ontario, al otro lado de Detroit,
quien escuchó nuestra
audición de "I'm eighteen".
Ella escuchó nuestro disco y a su hijo le gustó
su hijo adolescente dijo "¡Es un disco genial!"
entonces ella lo agregó
y enseguida fue muy pedido hasta que llegó a ser un gran hit.
Si te escuchan en la CKLW, significa que tú...
era la mayor estación del medio oeste.
Si tenías un éxito en CKLW
tenías un hit nacional.
En la radio éramos una especie de rareza.
Lo más duro en la radio de esa época eran probablemente Guess Who.
Para entrar entre los 40 principales
debías superar al Motown
Burt Bacharach; y para entrar entre los 40
debías tener un disco que realmente dejara una marca
que sorprendiese a la gente.
Y "Eighteen" logró eso.
Después de eso, nos vieron como una banda de radio
y era de esperarse; ya no debíamos conquistar la radio
la radio estaba esperando a nuestro siguiente paso.
Con "I'm eighteen" en las listas
y "School's Out" en el primer lugar en Inglaterra
Alice Cooper era un nombre conocido.
Pero el éxito radial era una anomalía
para las bandas de hard rock en los '70.
Para la mayoría de las bandas,
las giras eran la única manera de llegar al público.
Y no hay mejor ejemplo de giras exitosas que Kiss.
Quiero saber tu opinión acerca de cuán importantes
fueron las giras en los '70.
En los primeros días recuerdo tocar en ciertos lugares
donde la gente no era gran fan de nosotros.
Durante las primeras canciones, estaban sentadas
como si dijesen "Está bien, demuéstrenlo. "
A la mitad del show la gente se levantaba
y cuando la batería levitaba y todo explotaba
se iban del club. Ya sabes... fans.
Dábamos shows, agotábamos.
Muchos saludos y sonrisas.
Teníamos muchas chicas por las noches, grandes fiestas.
Volvían pensando "¿Por qué no están en la radio?"
Al día siguiente en los diarios decía que éramos malos
muy ruidosos, fuera de control,
no nos entendían, querían matarnos. ¿Qué pasaba?
Si no te pasan en la radio debes tocar directamente a la gente.
Esto fue antes de MTV, antes de U2.
Las giras eran la única forma de hacer conocer su música
por eso estos tipos giraban incesantemente.
Había un lazo entre el éxito de una banda
y 600 personas diciendo "Quiero ver a esta banda. "
Pero incluso Kiss no tuvo demasiado éxito con su primer disco.
Tuvieron que trabajar mucho
abrirse ante la gente y dejar el alma en las giras.
Es una banda que solamente sonaba en las FM
tenía muy pocos hits en el Top 40, al igual que la mayoría, para explotar.
Habíamos abandonado Warner Bros., nuestra distribuidora
y no teníamos nada de dinero.
Entonces no nos alcanzaba para volver al estudio
así que decidimos sacar un disco en vivo.
Porque realmente no teníamos otra alternativa.
¿Por qué lanzar un disco en vivo?
Por desesperación.
Sí, estábamos en las últimas, muy frustrados,
no podíamos expresar nuestro sonido en un vinilo.
Muchas bandas inglesas, Zeppelin, los Who y otras
habían hecho discos en vivo y eran fenomenales.
¿Por qué no podíamos hacerlo nosotros?
Finalmente llegó Eddie Kramer
y salimos de gira junto a él con unos camiones.
Grabamos todas las noches, en vivo.
Cuando a la noche volvíamos al trailer a escuchar
era muy excitante, porque lo que nos había estado faltando
era el público, los gritos, los chicos y la energía de la música
y pensamos "Esto es los que los chicos llevarán a sus casas
y harán fiestas, enloquecerán, se drogarán
lo pondrán y estarán de fiesta toda la noche. "
Nunca pensamos que explotaríamos así.
El disco "Alive" mostró la energía
que ningún disco de estudio podía capturar con esta banda.
Y fue tanto por los fans que los habían visto en vivo
como por los que no los conocían
y todos se divirtieron con la energía.
Fue el disco justo en el momento correcto
y le dio un empujón a la banda, porque antes de él
los primeros tres discos habían funcionado bien
pero no vendimos un millón de álbumes.
Si "Alive" hubiese fallado, no sé qué habría sucedido.
Pero la Kisstoria es Kisstoria.
"Alive" fue el primer disco de Kiss en llegar al Top 10
y sigue siendo el álbum mejor posicionado en la historia de la banda.
Ahora que Kiss y Alice Cooper vendían millones de discos
¿qué se necesitaba para llevar al resto del hard rock americano
al primer plano?
A principios de los '70
Kiss no era la única banda de hard rock en EE.UU.
ganando adeptos mediante sus presentaciones en vivo.
La mayor competencia de Kiss era Aerosmith, de Boston.
Aerosmith ha vendido 150 millones de discos
y tiene el récord de más discos de oro y platino para un grupo de EE.UU.
Pero la contribución de Aerosmith a la evolución del heavy metal
permanece muy relegada.
Por eso me encontraré con el bajista y miembro fundador, Tom Hamilton,
para saber cómo nació el sonido de Aerosmith
y por qué tuvo tanto impacto a principios de los '70.
Joe y yo habíamos tocado juntos en bandas
antes de Aerosmith, cuando éramos adolescentes.
Amábamos Fleetwood Mac, Led Zeppelin...
Técnicamente no éramos grandes músicos
solo teníamos los amplificadores más ruidosos
los encendíamos y tocábamos lo más rápido posible.
Steve estaba en una banda paralela
eran muy profesionales y pulidos,
más cercanos al pop.
Joey estaba en una banda funk, tipo Kool and the Gang y James Brown.
Cuando nos reunimos, esos elementos
se desarrollaron en el sonido de la banda.
Aerosmith, para mí, es una banda de swing.
Todos sus riffs son básicamente líneas de trompeta
llevadas a la guitarra.
Tomaron a los Rolling Stones y los combinaron con Led Zeppelin.
Para decirlo de otra forma, era la fórmula del éxito.
Tenían cierta fanfarronería
que fue desarrollándose de disco en disco.
Amo esa especie de locura casi desesperanzada
y arruinada que se sentía en los discos
pero con un gran ritmo y entusiasmo.
Cuando salimos, la Rolling Stone dijo
que éramos básicamente un clon de segunda mano de los Stones.
Lo entiendo. Jagger, Richards...
La prensa de rock quería escuchar algo más
intelectual en las bandas de rock.
Y nosotros solo queríamos rockear.
Aerosmith estaba fuera de lugar
porque en ese momento
Columbia veía a la banda como algo sin "clase"
como diciendo "Somos de Harvard, y ustedes de una escuela local. "
Teníamos que salir de gira, ahora lo llaman "marketing viral".
Dábamos lo mejor, abriendo para cualquier banda.
Teloneamos a gente muy rara, en esa época.
Pero había público, así que no nos importaba.
Eventualmente llegamos a las masas.
La banda comenzó a pegar fuerte con "Toys in the attic".
"Toys in the attic" tenía "Sweet emotion" y "Walk this way".
"Dream on" como sencillo salió
del primer disco, y creo que llegó
en el pico de los '70 y no alcanzó los charts.
Cuando llegó el éxito convencí a Columbia
de que relanzase "Dream on", y llegó al N° 6.
La primera vez que escuché una canción nuestra en la radio
cuando "Dream on" fue un éxito
me di cuenta, "Dios mío, si yo estoy escuchando
quiere decir que cientos de personas lo hacen
en este momento, escuchándolo por primera vez. "
Fue un golpe de adrenalina.
De repente todo despegó
y éramos una banda grande
tocábamos frente a 50 o 60 mil personas
habíamos alcanzado la cima creativa
y empezábamos a ser exitosos
haciendo algo que nos gustaba.
Nos divertimos mucho.
El éxito radial de Aerosmith con "Toys in the attic"
abrió las puertas para otras bandas
americanas de hard rock, que pegaron fuerte en la radio.
Pero no hay canción de hard rock de los '70
más exitosa en la radio, que la poderosa balada "Beth" de Kiss.
Dime cómo llegaron a "Destroyer" y, específicamente, a "Beth".
Lo primero fue que los vi tocar en vivo
creo que en Saginaw, Michigan, frente a 9000 personas.
Lo curioso fue que, desde el momento en que empezaron a tocar
la gente se paró y no volvió a sentarse.
Siguieron de pie todo el concierto,
gritando, con los puños en alto,
se reían y estaban todos contentos.
Pero todo el público eran chicos de 15 años.
Entonces les dije que debían expandir sus fans.
"Tenemos que hacerlos más atractivos y románticos. "
Mirando el material de Peter, encontré algo llamado "Beck".
Dije "Tengo una gran canción.
Sé que no hacemos baladas, pero... "
Porque habíamos jurado nunca hacer baladas.
Entonces la definí, levanté el ritmo,
la canté en Sol y dijeron "No está tan mal. "
Lo gracioso es que cuando la ensayamos
y la canté, Bob dijo "Es demasiado amor. "
"Deberíamos llamarla 'Beth'. "
Era casi una canción country
tenía un ritmo saltarín
le dije a Peter "¿Te molesta si tomo la canción
y juego un poco con ella?"
Él dijo "No, adelante. "
Cuando toqué el riff en el piano
de repente detecté una sensación orquestal
escuché una balada exuberante.
Luego, mi trabajo era vender a Kiss
ya sabes, los amos del universo,
una canción con piano y orquesta.
Gene y Paul la odiaron.
No querían cantarla.
Los dos se sentaban en la consola, fuera de vista,
y me hacían gestos.
Entonces Ezrin los echó. Y luego de eso,
tal vez en la quinta toma, salió. Y salió hermosa.
Salió el álbum, y la pusieron
en el lado B de "Detroit City".
Muy pronto, un DJ de Georgia lo dio vuelta
y la puso; los teléfonos comenzaron a sonar: "Ponla de nuevo. "
Cuando se conoció "Beth", todo comenzó a funcionar.
Todos iban a vernos, pasaban nuestra música...
Fue un gran espaldarazo para nosotros.
Nos expuso a gente que no conocía a Kiss.
Ese disco vendió el doble de copias gracias a esa canción.
Compramos casas y autos gracias a ella.
Les hablo a ustedes,
agradecería que se paren y retrocedan, por favor.
Damas y caballeros,
el señor Ted Nugent.
En 1978, el hard rock americano estaba creciendo
y no hubo mayor celebración de esta música
que Cal Jam II
un festival masivo de dos días
en el corazón de California del sur.
Cuatro años antes, Cal Jam I presentó
a bandas británicas de metal: Black Sabbath y Deep Purple.
Pero en el '78 el foco había cambiado
hacia las bandas de EE.UU.
¿Qué sucedió entre el '74 y el '78?
Comenzó a verse una transición.
De repente, las bandas americanas comenzaron
a ser más atractivas para una audiencia amplia.
Estaban Nugent, Heart, Foreigner.
Aerosmith, por supuesto.
Y llevamos 100.000 personas más que en el '74.
Fue un día muy grandioso.
El público era asombroso, perfecto.
Era un mar de celebración unificada.
¿Qué recuerdas de Cal Jam II?
Estábamos en el Beverly Hills Hotel
y cada media hora alguien llegaba y decía
"¡Dios mío, hay 170.000 personas!"
"¡No, son 200.000.!" "¡No, son 300.000!"
Llegaron a 350.000 personas
y en la oscuridad, la gente se perdía
en el horizonte invisible. Fue genial.
Coincide con el momento en que comencé a ver
fisuras en Aerosmith, desde mi punto de vista,
cuando trataban de hacer estos eventos gigantes
para construir una especie de
paraguas mientras estaban cubiertos.
Porque...
ya no era divertido.
Comenzamos a ganar dinero y a comprar
en vez de pequeñas cantidades de sustancia, grandes paquetes.
Fue muy decadente.
Lo triste de nuestra historia
es que momentos como esos son inspiradores
pero también trajeron mucha intensidad
que de alguna manera se llevó lo mejor de esto.
Hablo de monos con navajas,
los chicos llegan a esta situación
y lo que hacen es agotarse y arruinarlo.
Durante Cal Jam II, Aerosmith comenzó su caída
y las ventas de discos decaían.
Con la banda de hard rock más grande de EE.UU. en crisis
¿cuál era el estado del resto del género?
La industria discográfica se ve dañada.
Las ventas decaen, y muchos de los grandes grupos
que hicieron los '70 comenzaron a separarse
agotarse o venderse.
El hard rock perdió importancia frente a una nueva camada de basura
que entraba en la música.
La música comenzaba a verse diversificada,
al mismo tiempo que aparecía la música disco.
¡El disco!
El disco destruyó mucho cuando salió.
"I was made for lovin' you baby"
Lo sé.
Pero sabes... No hay excusas para eso.
¡Una canción disco!
Se quejaban de una balada, y ahora hacíamos disco.
Para mí era como Black Sabbath haciendo disco
no me imaginaba a Ozzy haciendo una canción disco.
Muchas bandas que no eran disco, hacían canciones disco.
Kiss vio lo que pasaba con Donna Summer,
los Village People y Cher,
vieron las ventas y cómo crecía todo.
Conociendo a Gene, Ace y los demás
probablemente hayan dicho "Bueno,
si podemos vender más discos y ganar más dinero, lo probemos. "
"I was made for lovin' you" fue un gran cambio
y yo no estaba contento con eso
era como entrar en la movida disco
pero de alguna manera pasó, y fue un gran éxito.
¿Quiero ser recordado por eso? Esa es una gran pregunta.
Kiss haciendo disco fue un clavo en el ataúd
para el heavy metal estadounidense.
Y a fines de los '70, la revista Cream
lo declaró oficialmente muerto.
Pero los californianos Van Halen, recién llegados,
revigorizaron el metal en EE.UU.
¿Qué era lo nuevo en el sonido de Van Halen?
Cuando escuché por primera vez Van Halen fue ¡wow!
Los cinco eran muy energéticos y muy frescos.
Y tenían una actitud muy frontal.
Era tiempo de abandonar a Styx y Foghat.
Aunque tenían 20 o 25 años, parecían de 40 con esos bigotes.
Cuando salió el primer disco de Van Halen
me voló la cabeza.
Nunca habíamos escuchado algo así
combinando el gancho con la dureza.
Cuando surgimos no queríamos estar encasillados en un género.
Siempre decíamos que hacíamos Big Rock, porque sonaba diferente.
Van Halen hace Big Rock.
Tenemos de todo, alcohol para 700 personas.
Originalmente, lo que queríamos hacer
era aparecer de espaldas y mostrar el trasero al público
para que todos fueran del backstage.
Van Halen recuperó lo que el hard rock había perdido.
Esa especie de celebración de la nada.
Particularmente, con el surgimiento
de un heavy metal más distintivo
habían perdido el sentimiento de celebración
y Van Halen se dedicaba a ello.
Llegaron bebiendo como locos de la botella y tomando drogas,
con chicas. Prepararon el terreno para Poison y Mötley Crüe.
Van Halen fue, en mi opinión, la nueva generación
en reinventar el metal.