LOS AÑOS SETENTA PRIMERA PARTE
Ven con nosotros, Sam. Vamos al valle.
¿Adónde van?
- A México. Oí que es salvaje. - Vamos muy al sur.
¿Van a México de noche en esta chatarra? ¡Dios santo!
¿Sobrevivirá el pueblo sin nosotros hasta el lunes?
Creo que sí.
Si fuera más joven, iría con ustedes.
No recuerdo a qué edad vi "The Last Picture Show",
pero recuerdo que me identifiqué mucho.
Sentí que nos representaba,
que representaba a los Estados Unidos
y cómo era a mediados de los años setenta,
no como era el país a comienzo de los años 50.
¿"The Last Picture Show" es del estilo de John Ford?
No, creo que es del estilo de Peter Bogdanovich.
A Peter le gustaban mucho las películas conocía su proceso,
pero tenía una profunda sensibilidad.
Él se dirigía a una nueva generación,
tanto visual como emocionalmente.
Cuando Orson Welles leyó el guion,
le dije que quería lograr la profundidad y la agudeza
que él logró en "Citizen Kane" y "Touch Of Evil".
Me dijo que no lo lograría a color.
Le pregunté: "¿Qué hago?" Me dijo que la hiciera en blanco y negro.
"The Last Picture Show" hizo que me enamorara del cine.
Me impactó.
Es sobre todo lo que te retiene y sobre ser joven.
Hay desamor, la sabiduría que viene con la edad
y jóvenes que descubren lo rápido que pasa el tiempo.
"The Last Picture Show" es muy realista.
No sentías que estabas viendo una interpretación,
sino viviendo las experiencias de otra persona.
En realidad, es la historia de EE. UU.,
sobre la muerte de un estilo de vida.
¿Cancelaste el show?
Ya nadie va al teatro.
Juegan béisbol en el verano y ven televisión todo el día.
Creo que el viejo Hollywood debía morir
para dar paso a nuevos directores,
a nuevas historias.
Al final de los años 60,
Hollywood inflaba presupuestos a más no poder.
- Te pagaré en efectivo. - Está bien.
Esto da paso a filmes más sencillos.
Y si el presupuesto es más bajo, la libertad artística es mayor.
- Pon "Misty" para mí. - "¿Misty?"
De pronto, un grupo de jóvenes directores
cambió por completo la manera de hacer las cosas,
probando nuevas ideas para ver si funcionaban.
"The French Connection", de William Friedkin
es sobre dos agentes de Antinarcóticos de Nueva York
que trabajan duro para atrapar
a unos narcotraficantes malnacidos.
¡Ese auto tiene droga!
Billy filmó la película como un documental.
Logró hacerla tan realista,
que tuvo mucha influencia en mí.
Me encanta Gene Hackman como Popeye Doyle.
Gene Hackman estaba lleno de ira
y eso me hizo muy feliz.
Ver cómo se desataba toda esa energía.
La escena de la persecución sin duda se filmó en tiempo real.
Fue la mejor persecución del filme,
y se suponía que no era relevante.
El nuevo Hollywood era joven y estaba furioso.
Esa ira cambió por completo la estética de Hollywood.
Algo en las películas de los años 70
las hacía muy tangibles,
te hacían sentir parte de ellas.
Son películas oscuras sobre vidas tristes.
Ese es el chiste.
Las películas se volvieron feas,
más sucias, mucho más incómodas.
Son más peligrosas,
más como Vietnam.
Comenzamos a tomar en serio la contracultura,
porque como jóvenes, éramos parte de la contracultura.
"Patton" es sobre la Segunda Guerra Mundial
y nos conecta a la generación más grande.
También nos hace reconsiderar la guerra
que nos identifica con la generación de Vietnam.
Solo eres un maldito cobarde.
Narrado con la ironía de un joven guionista
llamado Francis Ford Coppola.
Coppola ya trabajaba en el antiguo Hollywood.
Él hizo un gran musical de Warner Brothers,
"Finian's Rainbow".
No me sentí bien durante la producción,
porque no pude elegir al elenco ni al director artístico
ni participar en la postproducción.
Sin embargo, pasó algo bueno durante el rodaje.
Un joven delgado siempre iba a ver lo que hacía
y nos hicimos amigos.
Tenía más o menos mi edad. Era George Lucas.
Creo que la esperanza recae en los estudiantes de cine.
Se dieron cuenta de que saben lo que hacen.
Ellos vieron la muerte en Hollywood.
La nueva moda sirvió de impulso, al igual que el cine europeo.
Así es como Francis se descubrió.
Quería hacer películas atípicas de Hollywood con Lucas
y otros que se sintieran atraídos.
Decidieron abrir su propio estudio
llamado American Zoetrope.
THX-1138, debe retroceder. Retroceda.
El primer filme es de George Lucas.
Se llama "THX-1138"
y es un fracaso.
Nadie lo entendió y eso fue un gran problema.
Eso casi termina con la carrera de Lucas,
por lo que American Zoetrope estaba en riesgo.
Al mismo tiempo, Paramount tenía problemas financieros.
Así que propuse comprar los derechos
de algunas novelas comerciales muy interesantes
para dárselas a los jóvenes y brillantes cineastas.
Paramount le ofreció a Francis "The Godfather",
pero él no aceptó,
porque todavía se consideraba un "autor", así que la rechazó.
Constantemente le recordaba a Francis
que estaba en quiebra
y que debía aceptar mi oferta para dirigir este filme.
Coppola, por fin, aceptó y dirigió lo que se convirtió
en uno de los filmes más queridos de todos los tiempos.
"The Godfather" es sin duda
uno de los mejores filmes de todos los tiempos.
La narrativa amplia, la belleza de su ejecución,
y la calidad de las actuaciones son innegables.
Padrino.
El filme es sobre el poder, sobre la sucesión del poder,
sobre la moral, la responsabilidad.
Que sea sobre una familia de la mafia es el aderezo.
Michael es el más joven de los hijos del Padrino
y él entiende lo que hace su familia,
así que, sin adornos, se lo explica a Kay.
Mi padre le hizo una oferta que no podía rechazar.
¿Cuál?
Luca Brasi le apuntó con una pistola
y mi padre le aseguró
que el contrato tendría su firma o su sangre.
Él era inocente.
Era callado, tímido, no era parte del círculo íntimo.
Es mi familia, Kay. No soy yo.
Él se engaña a sí mismo creyendo eso.
Pero todo cambia cuando casi asesinan a su padre.
La familia debe vengarse y Michael decide que él lo hará.
Está en el restaurante
y sabes por su mirada que sospecha que le dispararán.
Y no sabe si salir de ahí o quedarse.
Su vida dará un vuelco.
Después de eso, nada volverá a ser igual.
¿Cómo olvidas la forma en la que te criaron?
¿Puedes olvidarlo?
¿O te conviertes en uno más?
Yo nunca... Nunca quise esto para ti.
Sentimos empatía por ellos. Entendemos que el Padrino
no quiere que su hijo se involucre en el crimen.
Entendemos su tristeza cuando comprende que es tarde.
Senador Corleone.
Gobernador Corleone, algo así.
Es una historia muy de Estados Unidos.
Tanto de la promesa,
como de la promesa destruida de Estados Unidos.
Vi el filme cuatro veces en cinco días.
Hasta entonces había pensado que "Lawrence de Arabia"
era la mejor película existente hasta que vi "The Godfather".
En "The Godfather II" vemos cómo Michael Corleone
evoluciona y se vuelve más despiadado y poderoso
de lo que su padre jamás imaginó.
Ya ganaste. ¿Acabarás con todo el mundo?
No con todos, Tom. Solo a mis enemigos.
Su historia se alterna con la de su padre,
Don Vito Corleone, de joven, interpretado por Robert De Niro,
mientras ganaba poder en la mafia de Nueva York.
Recuerda que te hice un favor.
Estudié los gestos y expresiones de Brando e intenté recrear...
Intenté recrear lo que él había hecho.
Le haré una oferta que no rechazará.
No te preocupes.
Es muy útil que gran parte del filme
sea sobre un joven apuesto intentando descubrir,
primero legítimamente y luego de otra manera,
cómo triunfar en EE. UU.
Todo lo que hizo Don Corleone fue por su familia.
Mientras que Michael solo quiere ganar dinero
y acumular poder.
Se justifica diciendo que es por su familia.
Pero, al final, lo que hace es destruirla.
Esta es la obra de Francis Ford Coppola.
Se siente su sensibilidad.
Revoluciona por completo la década de los 70.
Con lo exitoso que fue "The Godfather",
se hizo evidente para los estudios
que esos jóvenes podrían hacer mucho más
si les dieran la oportunidad.
Los cineastas y autores que surgieron en Hollywood en los 70
eran como ahijados de Corman.
Corman comenzó con filmes de bajo presupuesto
para las empresas independientes.
La filmación era rápida porque el presupuesto era bajo.
De repente, tenía un gran grupo de jóvenes cineastas de la UCLA,
de SC y de NYU que aprendieron a dirigir en el set.
Trabajar con Roger era como una universidad.
Si estás cansado o distraído, no importa. Vas a filmar.
Francis Coppola, Marty Scorsese. Jonathan Demme, Jack Nicholson,
Ron Howard, Brian De Palma y yo comenzamos con Roger.
El nuevo Hollywood era impensable sin Roger.
Cuando hacía "Grand Theft Auto",
Roger me dijo que siguiera haciendo un buen trabajo,
porque así no tendría que seguir trabajando para él.
Creo que no volví a trabajar para él,
pero agradezco la oportunidad que me dio.
¡Corre, Bertha!
Martin Scorsese hizo un par de películas en los años 60
y a inicios de 1970.
Pero empieza a llamar la atención al hacer "Mean Streets".
Quería hacer películas sobre el lugar en el que crecí.
Viví en carne propia el crimen organizado.
Marty Scorsese apareció con una explosión de franqueza,
violencia e inquietud por hallar un estilo de calle
que se asemejase a la realidad.
¿Cuánto le quitaste a Michael?
Nada.
La película está basada en situaciones
que enfrenté junto a mis amigos,
al relacionarnos con personas perjudiciales,
sin embargo, el amor no falta.
Cuando ves por primera vez a Robert De Niro bailando,
no tienes idea de lo que sucede.
No me pasa nada, amigo. Estoy bien.
Cierra la boca.
Es sobre amistad y lealtad y me emocioné mucho
porque yo viví esa situación, pero con gente de otro color.
"Taxi Driver" es un reflejo del mundo que conocí.
El vapor en las calles, la vida nocturna de la ciudad.
Siempre es de noche para un taxista nocturno.
¿Qué tal tu historial?
Está limpio. Está muy limpio, como mi consciencia.
¿Intentas ser gracioso?
El conflicto de Travis lo vivimos De Niro y yo.
Sabíamos que era algo real.
¿Por qué no me habla?
¿Por qué?
Marty saca lo mejor de las personas,
porque las deja llegar hasta donde pueden.
Lo amo.
Es sobre un hombre
que tiene un descenso psicológico al infierno
y encuentra la redención en el sacrificio y la violencia.
La idea fue creciendo en mi mente durante algún tiempo.
Él decide matar a un candidato presidencial.
La verdadera fuerza.
Ni todos los hombres del rey podrán recomponerlo.
Luego cambia su objetivo para salvar de la prostitución
a una niña, que es Jodie Foster.
Sácame de aquí. ¿Sí?
Parece un héroe, pero no lo es.
La audacia de esa actuación...
De Niro no intentaba ser sexi ni lindo, sino auténtico.
Travis Bickle es de los mejores personajes del siglo veinte.
¿Me hablas a mí?
Recuerdo que me senté a sus pies y el comenzó a decir la frase:
"¿Me hablas a mí?"
¿Con quién hablas? ¿Conmigo?
Eso es algo en lo que trabajé para mejorar. No sé...
Practicar con el espejo parecía acertado.
Soy el único aquí.
Vi cómo sucedía. Lo vi... Lo vi transformarse.
Bien.
Al recordar los grandes autores estadounidenses,
los que tienen un lenguaje realmente original,
pienso en Bob Fosse.
Afuera está fresco, pero aquí está caliente.
Creo que tuvo menos mérito del que merecía
por querer expresarse a través de los musicales.
Solo encontrarás en los años 70
un musical ambientado en Alemania en 1930,
cuando el nazismo está en auge, y no es nada sutil.
Tiene números musicales, pero no parece un musical,
porque se desarrolla en un club de mala muerte.
Notamos cambios sutiles,
aparecen esvásticas en la audiencia
y el escenario se torna más oscuro y antisemita.
Sabes lo que va a ocurrir, toda la música, la cultura,
la simpatía, toda la sexualidad, todo eso desaparecerá.
Y se escucha la canción "Tomorrow Belongs To Me".
Primero aparece un niño cantando con una voz muy dulce.
Y luego, lentamente pero sin titubear,
vemos que son nazis cantando.
De eso se trata "Cabaret". ¿Cómo puede ocurrir algo así?
¿Sigues pensando que los puedes controlar?
Ese año, Bob Fosse fue nominado contra Coppola
por "The Godfather" y ganó.
¡Bob Fosse, por "Cabaret"!
Soy característicamente pesimista y cínico,
pero esto y las cosas buenas que me han sucedido estos días,
pueden convertirme en un esperanzado optimista
y arruinarme la vida.
"All That Jazz" parte de la premisa
de un hombre que se mata trabajando.
Hora del show, amigos.
Tenemos a este personaje
increíblemente complicado, talentoso y encantador.
La forma en la que se hizo el filme
te permite conectarte con sus sentimientos.
Nada de lo que hago es suficiente.
Es una autobiografía,
pero tiene tracción hacia la perfección inalcanzable.
Intentamos advertirte
De alguna manera
No hiciste caso, papá. No hiciste caso.
Tuviste un infarto, ¿No?
Tuve un infarto y una cirugía.
Me interesé mucho en la muerte, el comportamiento hospitalario,
el significado de la vida, la muerte y demás.
¡Oye, llegó la muerte! Llegó la muerte.
La historia de amor del filme es con la muerte.
"The Rocky Horror Picture Show" fue al inicio un fracaso.
Hola.
Fox la lanzó y nadie la entendió, no sabían qué pensar.
Hagamos el Time Warp de nuevo
Una pareja se pierde en una carretera
y luego todo lo que pasa es muy extraño.
- ¿Por qué no pasan la noche? - Noche.
- O por un bocado. - Bocado.
Les puedo mostrar mi obsesión favorita.
"The Rocky Horror Picture Show" es una tradición de medianoche.
Se asemeja a un cabaré, una experiencia vodevil.
¿Cuántas veces la viste?
Cincuenta y seis.
Cien veces.
La he visto 301 veces.
Eso era lo bueno de ser adulto,
tus padres te dejaban ir a una función de medianoche
y no había problema si era ese filme.
"Saturday Night Fever"
capturó el fenómeno disco de una manera estimulante.
En el filme, la música es parte de la trama,
pero no de la interpretación de los personajes.
Eso fue un cambio en la adaptación musical.
John Travolta no canta y baila, solo baila.
La música es parte de la narrativa.
No te tenía que gustar esa música
para que te atrapara ese momento de los Bee Gees.
Tony, el protagonista, ya terminó la secundaria
y trabaja en una tienda de pinturas.
Tiene que decidir qué hacer con su vida.
¡Cuidado con mi pelo!
Tardo mucho peinándome y me golpeas en la cabeza.
Su liberación, su popularidad y su personalidad
dependían de ser el mejor bailarín de disco de la ciudad.
"Saturday Night Fever" es un excelente film,
y tiene mucho drama psicológico.
¡Lo hice! ¡Lo hice!
Vamos, regresa. Ven aquí.
El personaje de John Travolta
nos cuenta una historia oscura y descarnada.
En "Grease" no es así.
Me encanta "Grease".
Veo una secundaria a la que yo no fui,
pero las canciones son eternas.
Olivia Newton John se lució con su papel.
Realmente puedes sentir
lo mucho que ella desea romper el cascarón.
Para conseguir al chico, debe volverse una zorra.
Se ve muy bien.
Cuéntamelo todo, guapo.
Pero hay un problema con el mensaje que transmite.
Sé quién él quiere que seas y serás feliz
y cantarás en un parque de atracciones.
¡No hay problema!
"Siempre estaremos juntos," y se van volando.
¿Qué? ¿Por qué vuelan?
No tiene sentido, pero no importa.
¡Oigan! ¡Soy yo, Serpico!
¡Soy policía! ¡Policía!
Sidney Lumet es el típico director de Nueva York.
Transmite en la pantalla la energía de la ciudad
como nadie más lo ha hecho.
Oficial Serpico.
Quítate esa cosa del labio y córtate el pelo.
Basada en hechos reales, Serpico es un policía
que no tolera la corrupción en la que vive.
No tomaré el dinero, Mike.
¿Quién confía en un policía que no acepta dinero?
Viola el código del secreto,
pero las consecuencias son catastróficas.
Debería cortarte la lengua.
Al Pacino siempre es increíble.
Frank, estás a salvo.
¡A salvo! ¡Podría correr peligro!
Te tengo noticias. ¡Corres peligro!
Ese es mi problema, ¿sí?
Hay cierto atractivo en la energía que desprende,
en su versatilidad con sus personajes,
desde Michael Corleone en "The Godfather",
un policía y un ladrón en "Dog Day Afternoon".
¡Alto! Nadie se mueva. ¡Ve para allá!
Lumet y Pacino se juntan de nuevo en "Dog Day Afternoon".
Eso es todo.
Él intenta robar un banco de Nueva York en 1972.
Solo hay $1100, se llevaron el resto hace unas horas.
Dice la verdad.
Todo lo que puede salir mal, sale mal.
Te estoy viendo.
- ¿Quién es? - La policía.
No he visto nada igual a "Dog Day Afternoon".
Un momento, por favor. Necesito ir al baño.
Son ladrones novatos, por lo que su amabilidad
y su compasión son entretenidas.
Está bien. ¿Quién más?
Yo también.
Ahora todos quieren ir.
Esto cambió totalmente el concepto de los filmes
sobre los atracos de bancos.
¡Attica! ¡Attica!
Comienzas a ver al criminal como una celebridad.
Hola.
Sí, ya me puedo ver. ¿Qué? ¿Que por qué lo hago?
Sí.
- ¿Hacer qué? - Asaltar un banco.
Es de esos filmes en los que apoyas a los malos,
porque, en realidad, no son tan malos.
- ¿Te parece rudo? - No.
"Sweet Sweetback's Baadasssss Song"
es uno de los filmes más importantes.
El Partido Pantera Negra
dijo que era la voz cultural de la revolución negra.
Sweetback es un estafador y un gigoló,
pero se convierte en una figura pública
cuando ve a la policía agredir a un muchacho.
Para lidiar con esos policías, él recurre a la violencia,
por lo que, después, se da a la fuga.
Como espectadores, sabemos que lo atraparán,
que habrá una pelea, que le dispararán...
Pero nada de eso sucede.
Recuerdo ver la película.
El público lo ovacionaba, porque no había visto algo igual.
En ese momento, los cineastas de color, sienten la libertad
de contar ese tipo de historias.
La mejor banda sonora de todas es la de "Shaft".
Isaac Hayes relata todo lo que sucede en la película,
lo que sucede con el personaje.
Richard Roundtree hace de un investigador privado
que trabaja dentro y fuera del bajo mundo.
El cuero que usa durante todo el filme
es increíble.
Gordon Parks, el director del filme, es un fotógrafo
de buen vivir y un hombre renacentista.
Es una autoproyección de cierta manera,
pero como un superhéroe.
Estas películas son el inicio de la era
llamada "la explotación negra".
La reina de los años 70, para mí, fue Pam Greer,
quién interpretó a una heroína negra.
Nunca hubo mujeres negras que fueran resueltas,
que tomaran un arma y derrotaran al villano.
Siendo una joven negra yo,
ver a esa mujer bella y exuberante
salir victoriosa al final, me hizo sentir muy bien.
Lo que me encantaba de Pam, es que podía ser ruda
y sexy al mismo tiempo.
En la época, ella era una figura única.
Fue un ícono sexual y femenino de las películas para muchos.
Tenía esa presencia en la cultura.
Las tablas no regresan el golpe.
La comunidad negra aceptó a Bruce Lee en gran parte
porque no era otro hombre blanco.
En 1970, si bajabas al sótano de la casa un negro,
podías encontrar afiches, estaban muy de moda.
Afiches de Malcolm X, o de Jim Brown.
Pero Bruce Lee estaba en todos los hogares negros.
Él fue la razón por la cual todos los niños
daban patadas y se golpeaban unos a otros.
Todos querían ser Bruce Lee,
pero nadie quería estudiar karate para ser como él.
Los artistas no se interesan en su propio éxito.
John Cassavetes hacía de todo.
Era actor, director, escritor, productor y disidente.
Te amo. Te amo.
¿Estás bromeando?
Lo que me gusta de Cassavetes es su estudio de las relaciones.
Le gustaba la condición humana y su capacidad de interactuar.
Ven aquí.
Cassavetes construyó una empresa de actores
que siempre trabajaban juntos y que siempre lo apoyaban.
Trabajó con Peter Falk y Ben Gazzara.
Se casó con Gena Rowlands y no se separaron nunca.
Donde sea que estuviera, ella se apoderaba dignamente
del lugar, aunque nunca tenía miedo de divertirse.
Tengo una idea.
Cuando regreses de la escuela,
haremos una fiesta. Haremos...
"A Woman Under The Influence" es sobre una pareja amorosa
en un matrimonio que se ve afectado
por la personalidad de la mujer.
¿Crees que estoy mal? ¿Crees que estoy loca?
Ella tiene cierta energía que se va desenmarañando.
¡Debutante!
Es devastador, pero su actuación es fabulosa.
Fue agradable ver una película protagonizada por una mujer.
Dios te bendiga. Gracias por todo.
Al inicio del movimiento feminista,
encontré el guion de esta película.
El estudio preguntó a quién quería para dirigirla.
Coppola le habló a Ellen del director de "Mean Streets"
y le aconsejó que el estudio lo contratara.
Fui a ver a Marty y le dije que quería contar esta historia
desde un punto de vista femenino,
pero que no tenía idea de si él sabía algo
sobre las mujeres.
Dijo que no, pero que quería aprender.
Quise lidiar con ello como cualquier otro.
Y Ellen me guio en todo momento.
Vaya, necesitas a alguien con quién hablar, ¿verdad?
"Alice Doesn't Live Here Anymore" fue una revelación para mí
porque nunca hubo un filme sobre las madres solteras.
¿Cuánto tiempo debemos quedarnos en este agujero?
Además de tener un gran corazón, también es divertida y fuerte.
¿Podrías voltearte?
¿Voltearme? ¿Por qué?
Quiero mirarte.
Mira mi cara, no canto con el trasero.
Fue de las primeras películas que acabó con los estigmas.
Las personas desastrosas y difíciles merecen ser amadas.
¡Cielos! Una camarera.
El cine de los años 70 tenía apego hacia la realidad
y empezó a haber actrices con genuina habilidad para ello,
como Jill Clayburgh.
"An Unmarried Woman" es una de esas películas
que fue lanzada en el momento ideal.
¿Es buena en la cama?
Su esposo la deja por una jovencita
y la película es sobre lo que sucede después.
Es una mujer fuerte, femenina y vulnerable,
y también demente.
Quiero saber cómo es hacer el amor
con una persona que no amo.
¿Cómo se siente?
No se siente nada.
En la década de los 70 no había muchas directoras,
y menos aún directoras que fueran escritoras y actrices,
por lo que Elaine May
fue una de las grandes triple amenazas del siglo 20.
En los años 50 y a inicios de 1960,
Elaine y Mike Nichols eran un gran equipo de comedia.
Mike Nichols dirigió "The Graduate"
y Elaine era guionista.
Ella estaba cansada de que cambiaran su trabajo,
así que decidió dirigir su propia película.
Es perfecta.
"A New Leaf" es una historia divertida
y no se siente como una película solo para mujeres.
En "The HeartBreak Kid" Elaine marcó el comienzo
de lo que llamo "comedia incómoda",
que es la comedia actual.
¿Quieres vernos en 50 años?
Charles Godrin es un judío que se casa con Jeannie Berlin,
quien resulta ser la hija de Elaine May.
Ese es mi taburete.
Luego conoce a Cybill Shepherd, quien interpreta a Kelly,
con quien quiere tener un amorío durante su luna de miel.
Llevo toda la vida esperando a una chica como tú.
Charles te rompe el corazón, porque quieres golpearlo,
y sacudirlo para hacerlo entrar en razón.
Si me permite, señor.
Lo que quiere decir es que si quiero estar con Kelly,
debo pelear por ella, ¿es eso?
Está loco.
Mi padre me gritaba que no podía hacer películas,
que no había directoras de cine.
Por fin pude decirle que ella sí.
El nivel de dificultad de "Jaws" es de 10
y todos los directores que la ven lo saben.
¿Proporción de errores? Cero.
Steven Spielberg acierta en todos los aspectos, siempre.
Sabemos todo sobre usted, jefe.
No le gusta entrar al agua, ¿cierto?
Qué feo sombrero, Harry.
"Jaws" es una novela popular de Peter Benchley
sobre el ataque de un tiburón en Cabo Cod.
No puedo salir de la casa.
Y ese camión de basura junto a...
Steven Spielberg hizo este filme como lo hubiera hecho Hitchcock.
Spielberg le apuesta al suspenso
y atormenta al público
con el miedo de que algo está por suceder,
pero no sucede nada.
Y luego los sorprende, cuando por fin sucede algo.
La música de John Williams dice:
"Te voy a asustar y luego te voy a atrapar".
John vio un adelanto, se acercó al piano y comenzó a tocar.
Pensé: "¡Dios mío! Va a arruinar mi película.
¡Dios mío, se acabó!"
Pensé que el filme había arruinado mi vida
porque fue muy difícil.
Y ahora la música se hace con tres dedos y notas graves.
Cuando lo musicalizamos,
supe que si el filme iba a ser un éxito
el 50 por ciento del éxito sería gracias a lo que acababa de oír.
Y eso fue lo que pasó.
Cuando ves el tamaño del tiburón,
te preocupas por los tripulantes, crees que van a morir.
Necesitas un barco más grande.
"Tiburón" salió cuando yo tenía quince años.
La energía de la sala fue insuperable.
¡Las palomitas volaban!
¡La gente saltaba de sus asientos y las mujeres gritaban!
Nunca habíamos visto algo igual.
¿Estabas en el Indianápolis?
¿Qué pasó?
Un submarino japonés le disparó a nuestra nave, jefe.
Entonces, él se apartó,
y dejó a tres actores lucirse hablando tranquilamente.
No vi ningún tiburón durante media hora.
La camaradería entre los personajes
mejoraba el nivel del filme.
Mil cien hombres entraron al agua, 316 salieron
y los tiburones comieron el resto,
el 29 de junio de 1945.
"Jaws" es una obra maestra.
"Jaws" fue el primer gran éxito de taquilla,
tuvo mucha publicidad
y se proyectó en miles de pantallas.
De inmediato se convirtió en un hito cultural.
Cambió todo.
Fue más natural para mí hacer este filme que "Jaws".
De niño, me gustaban los OVNI.
Siempre miraba al cielo, esperando que uno aterrizara.
Pienso en esa película por lo menos una vez al día.
Tal vez es considerada un film de ciencia ficción.
Pero reaccioné más ante el drama doméstico.
La forma en la que los niños respondieron
ante el desquicio de su padre.
Supongo que habrán notado
algo extraño en papá.
Debido a su obsesión, él construye un abismo
entre su familia y él.
La película muestra un maravilloso optimismo
sobre lo que hay en el espacio,
pero también una gran oscuridad sofisticada
que conlleva tocar ese mundo,
y que una vez que ves algo que nadie más puede ver,
no hay vuelta atrás.
Es una gran película
llena de efectos especiales y colaboradores.
Solo Spielberg pudo hacer esa película.
Vi la película siendo un niño y dije que quería ir.
¿Quién no querría ir?
EN EL PRÓXIMO THE MOVIES LOS AÑOS SETENTA, PARTE 2
Me encanta el olor del napalm.
Fue una época excepcional, nos enfrentábamos entre nosotros
y sin duda, lo cambiábamos todo.
¡Sáquenlo!
Había gente conspirando para controlarlo todo.
Y había películas que lo demostraban.
- ¿Lo confirmó? - Sí.
Le diré a Bradlee.
Era sobre los dos hombres
que cavaron hasta encontrar la verdad.
"Blazing Saddles" me encanta porque es tan revolucionaria.
Me transportó de una forma que nunca había experimentado.