LOS AÑOS SESENTA SEGUNDA PARTE
Admiro su valor, señorita...
Trench.
Sylvia Trench. Yo admiro su suerte, señor...
Bond.
James Bond.
Si creció en los 60, cuesta no identificarse con Bond.
Él decía: "Derroto y mato al enemigo,
soy sarcástico, seduje a tu novia".
¿Cuándo dijiste que debías irte?
Inmediatamente.
Cuando se hizo su primera película,
tomaron muchos riesgos y uno de ellos fue Sean Connery.
James, ¿dónde has estado? Te busqué por todo Londres.
Ian Fleming y otros no creían mucho en Connery para el papel,
pero la receptividad del público
demostró que Connery podía hacer el papel de Bond.
Leí que no estaba a la altura de su imagen.
Les multan si estoy a la altura de la imagen.
Sean Connery era muy guapo.
Hay cierta travesura solo en su sonrisa.
Y sientes que no necesitas conocerlo.
No le pedirías una actuación interna.
Era alguien en quien proyectarías una fantasía.
Mis amigos me llaman Tania.
Los míos me llaman James Bond.
Ian Fleming creó a James Bond durante la guerra fría.
Y en términos de la guerra fría,
James Bond es todo lo que los rusos no son,
y eso es un atractivo subliminal.
Tranquilo, 007.
Mi ruta de escape es para uno solo.
En "From Russia With Love", hay una pelea en un tren
entre Connery y Robert Shaw,
en un pequeño espacio confinado que es brutal.
Y Connery siempre tuvo esa mirada de:
"No saldré vivo de este cuarto".
Y eso es algo esencial en una estrella de acción.
"Goldfinger" se convierte en una película de súper espías.
Tiene los elementos fantásticos
en los que Bond empieza a apoyarse.
Estamos en Fort Knox, hay mujeres piloto muy sexy,
y hay un secuaz con un sombrero que te decapitaría
si lo lanza como un frisbee.
Todo lo de "Goldfinger"
marca la pauta para los filmes del agente 007.
- ¿Espera que hable? - No, Sr. Bond. Espero que muera.
Bond nunca muere.
Pase lo que pase década tras década,
Bond se reinventa a sí mismo
para lograr nuevas formas de relevancia.
¡OJ, abre!
Butch, sabes que si fuera mi dinero,
no querría que nadie lo robara sino tú.
"Butch Cassidy and The Sundance Kid"
es un western contracultural.
En todo momento apoyas a los malos del filme.
Eso toca la sensibilidad, inesperadamente la toca,
en relación a los forajidos y su sensibilidad.
¿Usaste suficiente dinamita, Butch?
Cuesta encontrar una película tan entretenida y graciosa,
divertida, irónica e inteligente.
Newman y Redford eran la pareja perfecta.
Creo que los perdimos. ¿Crees que los perdimos?
No.
Ni yo.
Paul y yo nos conectamos como personajes.
Pasamos mucho tiempo juntos
y mientras más tiempo pasamos juntos, más nos unimos.
Nos hicimos buenos amigos.
Terminamos. Él está muerto. Pueden quedarse.
No quiero ser mal perdedor,
pero cuando termines, si muero, mátalo.
Me encantará.
Redford parece ser el pistolero más veloz del oeste,
y Newman es un gracioso y sarcástico líder de la banda,
Butch Cassidy.
No, aún no, hasta que Harvey y yo sepamos las reglas.
¿Reglas? En una pelea a cuchillos no hay reglas.
Si no las hay, empecemos la pelea.
Digan uno, dos, tres, ya.
Uno, dos tres, ya.
Es una película de relaciones y se define mejor en la escena
en la que los persiguen, sin tener adónde ir.
Están al borde de un acantilado con un río bravo abajo.
Y está claro que la posibilidad de sobrevivir es casi nula.
- Yo salto primero. - No.
- Tú primero. - Dije que no.
- ¿Qué te pasa? - No sé nadar.
Es una gran dinámica.
¿Estás loco? A lo mejor te mata la caída.
La película funciona.
¡Diablos!
Y los westerns se quedarán pese a los malos tiempos,
porque son importantes para lo que es nuestro país.
En un western tras otro, estas figuras humanas
son plasmadas en ese lienzo enorme.
Y en ese género, puedes contar la historia que quieras.
Es una embarcación en la que puedes poner lo que sea.
Los noticiarios de Hollywood
salieron para el estreno de "My Fair Lady",
una gran noche de estreno de estos años,
con una lista impresionante de estrellas.
La estrella de la película, Rex Harrison.
En "My Fair Lady" hay un concurso
para ver si Henry Higgins transformaría a la florista
con un acento cockney.
Cómprame unas flores.
En alguien que se hace pasar por un miembro de la realeza
y de la alta sociedad.
¿Ve a esta criatura cuya boca sucia
la dejará en la miseria hasta que muera?
Pues, señor,
en seis meses la haré pasar por una duquesa en un gran baile.
Rex Harrison se volvió ese tipo raro
que recrearía su papel en una película.
Pero para el papel de Eliza Doolitle,
Julie Andrews, que era un éxito en Broadway,
fue rechazada por Jack Warner, el productor de la película,
a favor de Audrey Hepburn.
¡Por Dios, lo logró!
Me encanta "My Fair Lady". La música es increíble.
"My Fair Lady" ganó Mejor Película en 1964.
Es considerada un éxito en todos sus aspectos.
Y aunque Julie Andrews fue rechazada para el papel,
obtuvo "Mary Poppins" y se rió de última.
¡Damas y caballeros, Julie Andrews, Mary Poppins!
"Mary Poppins" fue un gran filme para toda la familia,
y tiene a Julie Andrews en un personaje fuerte,
tan fuerte que es sobrehumana.
¡Mira!
Vuela desde una nube y cambia la estructura de poder
en un hogar dominado por el hombre.
Es ella, es la persona.
George Banks cree que entrevistará a una niñera.
Supongo que trajo referencias. ¿Puedo verlas?
Yo nunca doy referencias.
Más bien ella lo entrevista a él.
Y sobre mi salario...
Ella es la jefa desde el inicio.
Julie Andrews es súper talentosa,
bella, con una voz increíble.
Con un ingenio seco y gracioso. No era muy simpática.
De hecho, tenía un poco de mala actitud.
Como esperaba, Mary Poppins, perfecta en todo.
Era un mundo mágico de música y color.
Y era acerca de algo...
¡Lo arregló!
que no vi hasta que se la mostré a mis hijos.
Es sobre la importancia de pasar tiempo con los hijos.
La ganadora es...
Julie Andrews por "Mary Poppins".
Al ganar el Golden Globe,
lanza una indirecta al estudio, por rechazarla.
Gracias al hombre que hizo una gran película,
y que hizo esto posible, el Sr. Jack Warner.
También ganó un Oscar y siguió con el musical,
quizás el más grande y el más exitoso de los años 60,
el clásico de Rodgers y Hammerstein,
"The Sound of Music".
El primer musical que vi fue "The Sound of Music",
y cambió mi vida.
Hay algo en él que es maravilloso y alegre.
Cuando eres niño y ves "The Sound of Music",
te emociona.
Hay un niño de cada edad en los Von Trapp,
y no importa la edad,
hay con quién relacionarse o conectarse.
Es caprichosa y fantástica en un escenario que es real,
en la perspectiva histórica donde huyen de los nazis,
pero lo hacen cantando.
¿Se especializará en televisión y cine?
En televisión, solo haría uno al año,
y no por muchos, muchos años más.
Pero en el cine me concentraría si trabajo,
cuando trabajo.
"Funny Girl" es el musical
que significa la llegada de Barbra Streisand,
quien hizo el papel en Broadway,
y la vimos por primera vez en la película,
cuando mira al espejo y dice:
Hola, preciosa.
E inmediatamente nos enamoramos de ella.
Fanny, eres una chica encantadora.
Quiero conocerte mejor.
Dame seis razones para no hacerlo.
Normalmente nos relacionamos con una estrella indirectamente:
"Quisiera ser así".
Barbra Streisand cambia la dinámica.
Ella dice: "Tú eres así, yo soy tú".
¿Que si puedo patinar?
Barbra Streisand puede expresar un momento
con un simple gesto y de repente canta con esa voz:
"Me pegué a la pared. ¿Qué pasa?" Ella es increíble.
"Funny Girl" fue el nacimiento de una gran actriz.
Y por supuesto, gana el Oscar por su primer papel en el cine.
Hola, precioso.
El libro de Harper Lee, "Matar a un ruiseñor"
llegó cuando el estadounidense necesitaba leer ese libro.
Atticus, ¿sabes quién es Tom Robinson?
Sí, señor.
El gran jurado lo va a acusar mañana.
"To Kill a Mockingbird" es una historia fascinante.
Ven a Estados Unidos luchando consigo mismo
sobre cómo abordar la lucha por los derechos civiles.
Apártese de esa puerta, Sr. Finch.
Atticus Finch es un abogado
que va contra la corriente de su comunidad,
por decir que un hombre negro es culpado erróneamente
por algo que no hizo.
Tom.
¿Violaste a Mayella Ewell?
No lo hice, señor.
La película convierte en héroe a Atticus Finch.
Se cuenta a través de los ojos de su hija.
Nunca entiendes a una persona
hasta que lo ves todo desde su punto de vista.
"To Kill a Mockingbird" es una historia conmovedora
de padre e hija y no tenemos muchas así.
Se... habla mucho en la ciudad
que no debo esforzarme por defender a ese hombre.
Su padre muestra a Scout cómo es un hombre bueno.
Si no deberías defenderlo, ¿por qué lo haces?
Atticus Finch, por Gregory Peck, realmente ayuda al país
a entrar en la lucha por los derechos civiles.
En nuestros tribunales,
todos los seres humanos son creados iguales.
La realidad es que Atticus Finch fue una fantasía,
particularmente en esa época en que la historia nos ofrece
muchos ejemplos consistentemente opuestos.
- Yo no hice las reglas. - Pero las obedeces.
Todos viven por ellas, atrapados en lo que son,
hasta los animales del pantano.
- Hasta esa comadreja. - ¿Me llamas comadreja?
No, te llamo hombre blanco.
Sidney Poitier solía aparecer
en películas de mensaje de esa época,
con excepciones como "A Raisin in the Sun",
de la obra de Lorraine Hansberry.
Me miré esta mañana y pienso que tengo 35 años,
11 años de casado y un hijo que tiene que dormir en la sala
porque no tengo nada.
"A Raisin in the Sun" era sobre integración.
Ellos compran una casa en una buena zona blanca,
pero la gente del vecindario no los quiere allí.
Nuestra asociación puede comprarle su casa
con una ganancia para su familia.
Señor, ten piedad. ¡El descaro viviente!
Poitier muestra más amplitud en "A Raisin in the Sun".
- Usted no sentirá... - Eso no le importa. Váyase.
Está enojado con el sistema, la supremacía blanca,
por la falta de oportunidades económicas para los negros.
Quiero un futuro para esta familia.
Quiero pararme frente a mi hijo
como mi padre nunca hizo conmigo,
y decirle que será alguien en el mundo,
además de sirviente y chofer.
Estos no eran personajes negros típicos estereotipados,
negros mágicos o negros buenos que estaban ahí
para demostrar el bien supremo de la sociedad blanca dominante.
Él interpreta un personaje capaz, con muchas cualidades,
y lo construye desde ahí.
Soy bautista. No voy a misa.
Nosotras vamos.
¿Cómo llegó antes que yo?
Caminamos los domingos. Ahora con usted.
¡Diablos!
Con "Lilies of the Field",
fue el segundo afroamericano en ganar un Oscar,
el primero en ganar la categoría de Mejor Actor.
El ganador es Sidney Poitier.
El Sr. Poitier es el primer negro que gana ese premio,
y el anuncio fue bien acogido por la audiencia.
Ha sido un largo camino hasta este momento.
Sidney Poitier tuvo ese repunte a finales de los 60,
y no solo es un actor negro, sino el más grande de Hollywood.
Mamá. Él es John.
"Guess Who's Coming to Dinner" fue un gran éxito en 1967,
con Spencer Tracy y Katharine Hepburn,
en su última película juntos, sobre una relación interracial.
Sobre ustedes y los problemas que tendrán,
parecen casi inimaginables.
Pero conmigo no hay.
Sidney Poitier fue número uno en taquilla
en Estados Unidos en 1967.
Vi las tres: "Guess Who's Coming to Dinner",
"To Sir With Love" y "In the Heat of the Night".
Supe que contratarán mil hombres, la mitad de color.
¿Sabe qué significa?
Quizás los maten.
Eso cree la Sra. Colbert. Quiere que atrapemos al asesino.
En "In The Heat of the Night" fue un detective
que venía del norte al sur y tiene que resolver un crimen
junto a un alguacil racista que era Rod Steiger.
No es para ti, ¿no, Virgil?
Y lo que se dramatiza en la película, pasa en el país.
Virgil, qué nombre para un negro de Filadelfia.
¿Cómo te llaman allá?
¡Me llaman Sr. Tibbs!
Hay un momento en la película
donde confronta a un importante terrateniente blanco.
¿Ustedes dos vinieron aquí a cuestionarme?
Y al terrateniente, que era Larry Gates,
no le gusta cómo le habla el personaje de Poitier.
¿El Sr. Colbert estuvo en este invernadero
anoche, a medianoche?
Él abofetea a Poitier,
y Poitier se la devuelve tan rápidamente.
La otra bofetada no estaba en el guion,
y Poitier dijo que si no podía devolverle la bofetada,
no haría la película.
Eso fue legendario.
Un hombre negro golpeando a un hombre blanco,
y no lo matan, no va preso, no hay repercusiones.
Esa escena, para mí,
fue una de las más poderosas de la historia de Hollywood.
Cuídate, ¿oíste?
Sí.
Que Alfred Hitchcock hiciera "Psycho"
era como si hoy Steven Spielberg anunciara
que su próxima película sería "The Bride of Chuckie",
así de impactante y Paramount no la haría.
Terminó pagándola él, básicamente,
cuando se creía que tiraba su carrera por la borda.
Sam, esta es la última vez.
¿Para qué?
Para esto.
"Psycho" empieza como cine negro desde un principio.
Una mujer en una relación ilícita
roba dinero de su oficina para verse con el tipo y huir.
Es cine negro.
Marion, ¿cómo es que...? ¿Qué haces aquí?
Claro que me alegra verte, como siempre.
Y luego, de pronto, se encuentra con este tipo
en un motel solitario y se convierte en algo más.
- Mala noche. - ¿Tiene una habitación?
Tenemos 12 habitaciones, 12 cabinas, 12 habitaciones.
La primera vez que vi "Psycho" me espanté.
Es una de las películas más aterradoras que había.
No nos digas que no alimentarás su horrible apetito
con mi comida o con mi hijo.
Hitchcock era buen camarógrafo.
Ayudaba a la narrativa.
Si alguien me hubiera hablado como oí que ella te habló...
Él supo cómo desequilibrarnos, desequilibrando su cámara.
Cuando "Psycho" se estrenó en Nueva York,
la prensa se sentó arriba, en el balcón, 500 personas,
y los clientes que pagaban, abajo, unas 1.000 personas.
En la escena de la ducha,
nunca vi una reacción así.
El público de abajo gritaba de tal manera,
que no se oía el sonido de la película.
ESTRENO DE PSYCHO, NUEVA YORK, 8 DE SEPTIEMBRE, 1960
Y no fue así, fue...
¡No podían creerlo! ¡Yo no podía creerlo!
¡Mataban a Janet Leigh! ¡La estrella de la película!
Nos quedamos sin una protagonista a quien apegarnos.
En ninguna película se había hecho eso,
y fue aterrador estar sola ahí con un asesino.
¿Y quién era este asesino?
Ese invento es algo extraordinario,
y anunciaba un tipo distinto de cine.
Era más personal y más raro.
Era un verdadero maestro del terror.
Vienen por ti, Barbara.
George Romero no es muy reconocido
por "Night of the Living Dead",
porque cambió no solo el rostro del cine de zombis,
sino el del cine independiente.
Lo que George Romero hacía con esa película
era enfrentar las tensiones culturales de la época,
la histeria que se vivía.
Histeria masiva. ¿Creen que imaginamos esto?
¡Cállese!
"Night of the Living Dead" no parecía una película.
No hay actores conocidos. Parece un documental.
Una filmación de un noticiario de Vietnam.
Fue aterradora.
Los médicos en Cumberland concluyen que en todos los casos
los asesinos comen la carne de las personas que asesinan.
La gente siempre quiere asustarse.
Antes lo hacían con monstruos.
Y lo ves cuando los monstruos se convierten en nosotros.
Es gente normal y eso es mucho más aterrador.
¡Hola! Justo a tiempo. Pasen adelante.
En "Rosemary's Baby", no es una situación imposible.
Soy Minnie, él es Roman, ¿sí?
Es un hogar, es tu marido. Es una vida.
Ahora, por un bebé saludable.
Con vecinos que al principio parecen ser amistosos,
todo parece estar bien, pero realmente no lo está.
Esa premisa sencilla de si la gente
a la que confiaste tu vida, te está mintiendo.
Esa es una premisa realmente aterradora.
Soñé que alguien me violaba. Creo que era alguien inhumano.
"Rosemary's Baby" es un filme sobre la paranoia,
donde todo es verdad.
Fue aterrador y yo me quedé helada
porque todo es muy minimizado.
Ven con nosotros tranquila, Rosemary.
No discutas ni hagas escenas.
Hasta bien entrada la película, no te das cuenta
de que su marido no solo vendió su alma al diablo,
sino también la de ella.
Imagina que tienes el bebé y lo pierdes.
¿No sería igual?
Recibiremos mucho a cambio, Ro.
En un momento sabio, la película no muestra al bebé.
Lo que ves es la reacción de Mia Farrow al ver al bebé.
Y eso es aun peor,
porque ustedes se imaginan cómo sería ese niño,
ese niño engendrado por el mismísimo Satanás.
¿Qué le hicieron?
¿Qué le hicieron a sus ojos?
Tiene los ojos de su padre.
Es eso, el poder de la sugestión,
lo que hace que la película sea tan incómoda.
Estás a 300 años luz de tu precioso planeta.
Tus seres queridos están muertos y olvidados
desde hace 20 siglos, 20 siglos.
"Planet of the Apes" es ciencia ficción a lo máximo.
Es emocionante, hay acción, hay drama,
pero contiene algo más serio por debajo.
Es una alegoría sobre el racismo, la intolerancia,
y la gente que impone su voluntad sobre otros,
de formas innecesarias y crueles.
¡Dios mío, estoy de vuelta!
Estoy en casa.
La gente no sabía el final al entrar al teatro.
Fue una verdadera sorpresa.
¡Dementes!
¡Lo volaron!
¡Malditos sean!
¡Diablos! Fue un gran impacto.
Eso me quedó para siempre.
"2001" fue una obra maestra. Y no lo digo muy a menudo.
Pero es magnífica en todos sus aspectos.
La vi 19 veces. Es larga, pero majestuosa.
"2001" tuvo el mayor corte de tiempo en su historia,
donde la historia de la humanidad se comunica,
y la primera arma que se lanza a un cielo azul,
se convierte en una nave espacial orbitando la tierra.
No hay accidentes en una película de Kubrick,
como maestro de ajedrez, todo lo resuelve,
como si una sola imagen
tuviera detrás una biblioteca de investigación.
La serie 9000 es la computadora más segura que se ha hecho.
"2001" fue una conversación seria que ocurrió por primera vez,
de que la computadora es más lista que nosotros.
Eso la hace tan brillante.
Abre la puerta de la cápsula, HAL.
Lo siento, Dave. Me temo que no puedo hacerlo.
Es evasiva, más magia que película.
Es más una poción que una película.
Recuerdo ese momento "Stargate".
Podría llamarse efecto especial psicodélico
para la generación psicodélica.
Kubrick sabía para quién era la historia.
Lo que más me impresiona de eso es que finalmente,
no puedes explicarlo.
Lo que mostró, supera, adrede, una explicación racional.
El punto de la película
es que pasen cosas que superan nuestra capacidad de explicar.
Y es un logro notable.
Había más estrellas que en Hollywood.
Era la noche de brillo y glamur de la tierra del cine.
"Virginia Woolf", como saben, no es un cuento infantil,
sino una obra de teatro polémica de Edward Albee,
transformada en película,
con Elizabeth Taylor y Richard Burton.
Hacer cine en la segunda mitad de los años 60
fue muy, muy importante para lo que vimos en los 70.
¡Vaya basurero!
Había un nuevo Hollywood, nuevos cineastas,
y pusieron cosas más adultas en la pantalla,
todo eso comenzó con "Who's Afraid of Virginia Woolf?"
Mi vida, puedo beber contigo hasta que te desmayes.
No te preocupes por mí.
Te di el premio hace años, Martha.
No hay premio de abominación que no hayas ganado.
Si existieras, te juro que me divorcio.
Para Mike Nichols en su primera película,
tomar las dos mejores estrellas de cine,
y filmarlas en blanco y negro, de forma cruda y salvaje.
¡Maldición!
Creo que fue un golpe de genio.
¡Enloquecí!
¡Y voy a gritarlo y no me importa lo que hago,
y haré la mayor explosión que jamás hayan oído!
"Who's Afraid of Virginia Woolf" usó un lenguaje no oído en cine.
Fueron siete palabras nuevas y Life publicó un artículo
sobre lo atrevida que fue Virginia Woolf y fue en 1996.
En esa época empezaron a hacer más películas de ese tipo,
y luego empezó a romperse el dique.
¡Paren el auto!
- ¡Aquí a la izquierda! - ¡No, no puede detenerse!
"Bonnie and Clyde" fue producida por Warren Beatty,
basada en aventuras de los mafiosos de los años 30.
Te dije que haría alguien de ti como hiciste por mí.
Me convertiste en alguien memorable.
Beatty era muy ambicioso y muy inteligente.
Quería trabajar con los mejores directores,
y ya estaba influenciado por la nueva ola de cine europeo.
Creo que una de sus influencias fue el largometraje
en el que Godard avanzó mucho con "Breathless",
que es sobre un criminal, un forajido en fuga,
pero con quien sentimos empatía como espectadores.
En Duncanville hace un año, los pobres granjeros
los alejaron a ustedes con escopetas.
Deberían protegerlos de nosotros,
y ellos nos protegen de ustedes, ¿no es ilógico?
Los que llegaron quizás sabían que habría un tiroteo,
pero no esperaban que terminara con la violencia estrepitosa
y dura de ametralladoras.
La película hace que amen a Bonnie y Clyde,
y que los vean destruidos.
Los franceses tienen ideas oscuras
sobre el significado sociológico y psicológico
de la película y su éxito.
En general, no les interesa lo que cuenta de los años 30,
sino lo que llaman "Un reflejo del horror,
la violencia, el vacío del alma estadounidense de hoy".
De todas estas películas
que empezaban a penetrar el sistema,
"The Graduate" fue la película para una generación.
Sra. Robinson, está intentando seducirme.
¿O no?
Bueno, no lo había pensado.
Se trata de un joven que siente una gran confusión moral.
¡Dios mío!
Y en total descuerdo con lo que esperan que haga.
Solo quiero decirte una palabra, una palabra.
Sí, señor.
- ¿Me escuchas? - Sí, señor.
Plásticos.
"The Graduate" fue el comienzo de mi educación.
Empecé a tomar notas,
cortar estilos, patrones, composición.
Entendía la mano del director.
Mike Nichols tenía el dominio de diferentes tonos y géneros.
Nichols dijo: "Escojo la música de Simon and Garfunkel,
escojo un artista y serán el alma de la película".
Y "Mrs. Robinson" se inventó en el acto.
Yo cantaba: Dios la bendiga, Sra. Roosevelt.
El cielo tiene un lugar para los que rezan.
Era Sra. Roosevelt y él dijo: "Bueno..."
- Cambiaría mucho la trama. - Sí.
Oirán a Simon and Garfunkel toda la vida,
y se transportarán a las escenas de "The Graduate".
El final de "The Graduate" no es feliz.
¡Elaine!
Sí, Ben se lleva a la chica.
Suben juntos al autobús,
pero eso es todo.
No saben qué hacer el uno con el otro.
Es uno de los momentos más profundos
en la historia del cine.
Ven desvanecerse lentamente la sonrisa,
y el momento existencial de: "¿Y ahora qué?"
No hay respuestas fáciles.
Te identificas con la película, la frustración y la duda
que esos dos personajes sufren al final.
Y en el país a mediados de los 60,
estábamos todos con un futuro incierto.
La industria cinematográfica estadounidense
está en una revolución sin sangre.
Muchos sets están oscuros y se habla mucho de recortes.
A fines de los 60,
los estudios tenían problemas financieros.
Perdieron las bases y hubo muchas adquisiciones.
Gulf Western compró a la Paramount,
Transamerica compró a United Artists.
Las firmas más grandes no sabían dirigir a las de cine.
Así que buscaron a los directores y guionistas
que trabajaban en el estudio para usar su experiencia.
Fue como entregar el manicomio a los locos.
¿Por qué pudiste producir una película, Peter?
El dinero cambió. No es solo para los chicos.
Y eso permitió el cambio, es un cambio básico.
Yo, Peter Fonda, voy a la oficina de alguien,
me siento y digo, "Tengo un guion, bla, bla, bla".
Y me preguntan cuánto quiero.
En nuestra generación teníamos nuestra propia ropa,
nuestra propia música, nuestros propios libros,
pero no teníamos nuestro propio cine.
Y ese es el espacio que quería llenar.
"Easy Rider" salió en el verano de 1969,
y no pudo haber sido más oportuno para esa época.
La inquietud, el deseo de otro tipo de vida.
Esa ciudad importa. ¿Qué puedo...?
Y de expresarse al máximo.
¿Y qué mejor forma de hacerlo que un viaje por carretera,
con todo el dinero que ganaste del narcotráfico?
Era como cabalgar por el oeste de John Ford.
Solo que vamos al este,
y vamos al este porque vamos a Florida a retirarnos.
¿Tienes casco?
Sí. Tengo un casco.
Es una belleza.
El modelo era filmes de motos de Roger Corman de los 60,
que eran de bajo presupuesto
y encajaban culturalmente con el tenor de la época.
¿Exactamente qué quieren hacer?
Montar nuestras motos sin que la policía nos moleste.
¡Sí!
- Y emborracharnos. - ¡Sí!
"Wild Angels" fue la película de bajo costo más taquillera
jamás realizada.
Y ese record pronto lo batió "Easy Rider".
Usamos grandes canciones, "Born to be Wild", "The Wait",
unas de las mejores canciones del mundo.
Uno de los atractivos de "Easy Rider"
era que jóvenes hippies, universitarios, antireclutas,
se reflejaban en la pantalla.
Para ellos representamos al que necesita un corte de pelo.
No. Lo que representan para ellos es libertad.
En "Easy Rider" estos tipos trataban de salir del sistema,
pero no eran capaces de hacerlo.
Pero no le digan a nadie que no es libre,
porque se matarán y mutilarán para probarles que lo son.
Y se convirtió en una afirmación oscura sobre Estados Unidos.
¿Por qué no te cortas el pelo?
Dennis Hopper y Peter Fonda prepararon el camino
para que Hollywood aceptara personas como nosotros.
Éramos el enemigo, los de pelo largo.
Las nuevas películas de Hollywood
no eran solo graciosas o sexy, emocionantes o peligrosas.
¿Quién te crees? ¿Lawrence de Nigeria?
Claramente era una transformación del cine.
Te veo abajo.
Hollywood alcanzó el realismo europeo de la posguerra
y se dio cuenta de que el público estaba listo
para una narrativa más madura y sofisticada.
El clima en Estados Unidos es propicio para más sinceridad.
Ya dijeron suficientes mentiras.
- Soy Joe Buck de Texas. - Enrico Rizo del Bronx.
Te invito a un trago. ¿Qué opinas de eso?
Te lo agradezco.
"Midnight Cowboy" es una historia de amor
entre dos hombres, un romance platónico entre ellos,
bastante desiguales en altura, en origen, en actitud.
¡Oiga, estoy caminando, estoy caminando!
Nadie esperaba que ganara nada.
Pero por atraer a una audiencia especialmente de gente joven,
fue un gran éxito.
Esto pasará a la historia como el cine que demostró
que el crimen no paga, pero hay fortunas para adulterio,
incesto y homosexualidad.
Esto no es un Oscar, es una locura, señores.
El nuevo Hollywood y el viejo Hollywood chocaron
en los Oscar de 1970.
John, no pensé que vendrías.
Nadie define a las estrellas del estudio como John Wayne,
que no había ganado un Oscar y fue nominado por "True Grit"
contra dos tipos muy representativos
del nuevo Hollywood.
Hay una historia en la portada de la revista Life
con Wayne y Dustin Hoffman,
diferentes mundos, diferentes héroes,
uno hablando a los mayores
y el otro hablándoles a los nuevos cinéfilos.
El ganador es John Wayne por "True Grit".
Por fin Wayne ganó.
De haberlo sabido, habría puesto el parche 35 años antes.
Y no imaginarían un mejor momento de conflicto
que "Midnight Cowboy" ganando Mejor Película,
y Elizabeth Taylor anunciándolo.
El ganador es "Midnight Cowboy".
Jerry Hellman, el productor, me dijo:
"Dudo que Elizabeth Taylor supiera de Midnight Cowboy.
Estaba tan impactada como cualquiera".
De nuevo, el viejo Hollywood, el nuevo Hollywood,
en un momento que solo Hollywood nos traería.