LA EDAD DE ORO PRIMERA PARTE
"Vamos al cine".
Por más de medio siglo,
estas palabras han sido una invitación a la magia.
La magia de las películas,
la invención de sueños en un teatro oscuro.
Durante tres décadas, los sueños fueron silenciosos,
solo la magia del movimiento.
De repente, en una noche de octubre de 1927,
se oyó una voz en la pantalla
que proclamaba una era fabulosa en Hollywood:
cuando se convirtieron en películas habladas,
con el estreno de "The Jazz Singer"
y la voz de Al Jolson.
Es interesante que la primera película sonora
haya sido un musical en el que Al Jolson solo cantó.
Y es porque decían: "¿Quién quiere oír diálogos?"
En su mayoría, es una película muda
que usa títulos y una orquesta.
Pero, a veces, la orquesta se detiene,
y Jolson aparece y empieza a cantar.
Jolson hablaba con su público.
Era algo por lo que se le conocía.
Específicamente, su lema,
que había estado diciendo desde 1906.
Aún no han oído nada. Esperen. No han oído nada.
Decía eso cuando grababan el audio,
así que las primeras palabras que oíamos habladas eran:
"No han oído nada".
PRIMERA PELÍCULA HABLADA
El primer largometraje hablado, "Lights of New York"...
Siéntese.
Es una película pseudogánster muy aburrida
con gente desconocida sentada alrededor de una mesa
y un teléfono en el medio, donde estaba el micrófono.
Y todos se inclinaban hacia él.
Llévalo a dar una vuelta.
La película se estrenó y fue todo un éxito.
Nadie entendía por qué. Todos sabían que era terrible.
Lo único que podría explicar esa respuesta del público
es que era hablada.
Esa es la película que cambió la ecuación.
¡Velocidad! ¡Acción!
Las actrices y actores del período mudo
debían mirar hacia un lado por el sonido.
Muchos se quedaban sin trabajo por no sonar bien.
Podrías cerrar esa puerta.
Abiertas son más fáciles de atravesar.
John Gilbert no se oía bien y sus películas no triunfaban.
Vilma Banky de Hungría era una gran estrella.
Estaba caminando de arriba a abajo.
Hizo una o dos películas y dejó la industria.
En la última película muda de MGM, llamada "The Kiss",
estuvo Greta Garbo.
Temían que su mayor estrella perdiera su audiencia
cuando la gente escuchara su acento sueco.
Su primera película sonora fue "Anna Christie"
y el lema era "Garbo Habla".
Todos estaban emocionados de escucharla hablar,
y no decepcionó a nadie.
En esa famosa escena en el bar, hay 20 segundos de silencio.
Sin música, sin diálogo, sin nada.
Y de verdad crea el suspenso.
Dame un whisky y un ginger ale aparte.
Y no seas tacaño, cariño.
"Dame un whisky, cariño".
Greta Garbo estaba llena de misterio, belleza y talento.
Quiero estar sola.
Ni siquiera lo intentaba mucho. Es decir, era genial.
MGM era como el Harvard de Hollywood,
el lugar del que cada estrella quería graduarse.
Tenía a Garbo, a Gable, a Spencer Tracy.
Ofrecía al público una sensación de escape
a un mundo de clase y refinamiento.
Por otro lado, Universal Pictures
tuvo crisis financieras durante la década de 1930.
No podían tener estrellas.
Y la estrategia que decidieron fue hacer películas de terror.
Soy Drácula.
Sus películas de terror eran primitivas,
llenas de atmósfera.
El aspecto de "Drácula" es parte de su energía,
es parte del personaje, de la vibra.
La araña tejiendo su tela para la mosca incauta.
La sangre es la vida, Sr. Renfield.
Adoro "Drácula".
Se hace mejor cada vez que la veo.
La actuación de Lugosi es de otro nivel.
El ritmo de la escena gira en torno a él.
Absorbe el aire del lugar.
Cuando "Drácula" fue un éxito de taquilla,
Universal Studios dijo: "Eso funcionó. ¿Qué más hay?"
¡Está vivo!
¡En el nombre de Dios!
¡Ahora sé lo que se siente ser Dios!
"Frankenstein" de James Whale me inspiró a hacer películas.
Recuerdo a Boris Karloff
en la secuencia del molino en llamas.
Tenía seis años, pero, a partir de ese momento,
quise ser cineasta.
La novia de Frankenstein.
Todos hacían terror,
pero lo que era único de Universal
era el cuidado con que lo hacían,
además de que hacían muchas y tenían un gran éxito.
RKO era un estudio un poco menospreciado,
pero llegó David Selznick.
Entendía bien lo que el público quería,
y les dio "King Kong".
King Kong fue
una de mis primeras experiencias traumáticas.
Recuerdo que cerré todas las persianas en casa
por la escena en que King Kong mira por la ventana,
encuentra a Fay Wray, mete la mano y la rapta.
Ver "King Kong" de niño fue una experiencia increíble.
Si han visto una marioneta de stop-motion
movida un fotograma a la vez, hay algo muy mágico en eso.
Por eso, esa forma de animación
siempre me ha parecido muy inspiradora.
¿Sabes quién se coló en mi camarote?
¿Quién?
Nadie. Esa es mi queja.
Soy joven, quiero alegría, risas, "hot-cha-cha".
Los Hermanos Marx cambiaron el humor estadounidense.
Los chistes tenían éxito, y aún lo tienen.
Los han visto generaciones. Siguen siendo muy graciosos.
- ¿Conoces al Sr. Silva? - Sí, el que hace...
Groucho es la comedia inteligente,
Chico es la comedia tonta, y Harpo es la comedia muda.
Es un equipo muy variado.
Esto era un escape
para el público de la Gran Depresión.
Casi todas sus películas tratan
sobre un grupo de comediantes de la clase obrera
que se enfrenta a una institución
de gran dignidad y respeto.
El mundo artístico en "Animal Crackers",
la universidad en "Horse Feathers",
un teatro en "A Night at the Opera".
Pero más importante,
el sistema de gobierno en "Duck Soup".
NÚMEROS MUSICALES BUSBY BERKELEY
Soy fan de Busby Berkeley.
Sus musicales de Warner Brothers eran los mejores.
Eran reales.
Se trataban de mujeres en el mundo del espectáculo
tratando de conseguir trabajo durante la Depresión.
¿Recuerdas a mi hombre olvidado?
Uno de los números más increíbles
es "Remember My Forgotten Man" con Joan Blondell.
Es desgarrador,
con todos los soldados en el gran arco. Es brillante.
Busby Berkeley impactaba a todos.
Pasó de hacer bailes planos en musicales
a convertirlos en caleidoscopios.
Hacia agujeros especiales en el escenario
para poder filmar hacia abajo.
Busby Berkeley sabía que el cine era nuevo,
y la forma en que los decorados se movían con la coreografía
era increíble.
Mi papá trabajaba para la RKO,
y le pidieron que hiciera un musical.
Creo que lo que él le aportó a Astaire y Rogers
fue una especie de credibilidad.
Ver esa película durante la Gran Depresión,
con la gente rodeada de desesperanza,
y ver ese número alegre, brillante y cómico,
debe haber sido una experiencia muy satisfactoria.
Levanta el ánimo.
- Red, esto no puede continuar. - ¿Por qué?
Amo a mi esposa. Nunca he amado a nadie más.
Hemos sido novios desde niños.
Pero no debe saber de nosotros.
Entre 1930 y 1934,
los cineastas eran muy libres de explorar
temas como el sexo y la violencia.
Y veías personajes femeninos fascinantes
que eran sexualmente libres.
Es bastante impactante ver lo que les permitían hacer.
Me gustan los hombres en uniforme.
Y ese te queda genial.
Ven a verme alguna vez.
A Mae West no le daba miedo adueñarse de su estatus
como símbolo sexual.
Era increíblemente inteligente y escribía todas sus películas.
Actuó con Cary Grant; lo eligió porque le encantaba su voz.
Eso lo ayudó a convertirse en un protagonista.
Hoy estuviste muy bien.
Bueno, cuando soy buena, soy muy buena.
Pero cuando soy mala, soy mejor.
Sus películas fueron increíblemente exitosas,
pero la Legión Católica de la Decencia,
los grupos morales, no estaban contentos.
Le pidieron al gobierno que interviniera
e impusiera la censura si los estudios no lo hacían.
Hollywood intentaba resolver
cómo lidiar con la presión que recibían por Mae West
y por las películas de gánsteres,
como "Little Caesar", "Public Enemy"
y "Scarface".
El resultado fue que Hollywood creó
el Código de Producción de Películas en 1934
para controlar.
Lo que este país necesita
más que un buen cigarro de cinco centavos
es una comedia limpia y divertida.
La próxima vez, trae a tus padres.
En 1934, surgen los inicios de la comedia alocada.
"It Happened One Night"
enfrenta a Clark Gable contra Claudette Colbert,
una heredera mimada que huyó de su papá.
Con el código, era imposible mostrar a la gente en la cama.
Había que inventar.
No podías renunciar al sexo. Debías darle la vuelta.
Eso creaba intriga, creaba charlas.
Supongo que eso arregla todo.
¿Esto?
Me gusta la privacidad, soy delicado en ese aspecto.
Me molestan los mirones.
"It Happened One Night" es genial.
"Los muros de Jericó" es una escena clásica
para los que quieran dirigir comedias románticas.
Los muros de Jericó te protegerán del lobo feroz.
El código Hays llevó a Capra a crear una escena aun mejor
e incluso más sexy.
Y esa película fue muy exitosa.
Ganó cinco premios de la Academia,
y dio inicio a la idea
de que todos debían hacer comedia alocada.
No hables con este hombre. ¿Qué pensará la gente?
No me importa. Godfrey será el mayordomo.
Las comedias alocadas fueron populares en los años 30
debido a la Depresión.
Veías a gente rica o gente pudiente
haciendo el ridículo.
Déjaselo todo a Godfrey.
La palabra "alocada" se le dio por una reseña en Variety
sobre la actuación alocada de Carole Lombard
en "My Man Godfrey".
Olvida que tienes problemas.
Eso pensé. Que te sirva de lección.
¡Godfrey! ¡Godfrey, no te vayas!
Godfrey, ahora sé que me amas.
No te amo y me estás mojando.
Si no, no te habrías enojado.
¿Qué está pasando aquí?
¡Madre! ¡Godfrey me ama! ¡Me metió en la ducha!
Carole Lombard era extraordinaria.
Hacía mucho de chiflada, pero tenía lógica en su humor.
No puedes tener un ritmo así si no eres muy inteligente.
¡Vete, fenómeno!
El truco era que los protagonistas
hicieran payasadas.
Una de mis favoritas es "The Awful Truth".
Fue la primera actuación real de Cary Grant.
¿Qué te pasa?
Al año, hizo "Bringing Up Baby",
el epítome de la comedia alocada.
Deja de hacer eso con tu sombrero.
Descubrir las comedias románticas
de los años 30 y 40
fue algo que se apoderó de mi vida durante mucho tiempo.
Adoro "The Philadelphia Story".
Hola, qué casualidad verte.
Eran tres actores impecables juntos en una película.
¡Cenicienta delgada! Se llama champán.
El champán es un gran "nilevador", nivelador.
La escena de ebrio de Jimmy Stewart
es una de las mejores actuaciones de ebrio...
Es muy convincente.
Es divertida y bella,
apoyas a un hombre y luego a otro.
Te da todo lo que podrías querer de una película.
Te reconocería en cualquier momento y...
En cualquier lugar. Te estás repitiendo, Walter.
Así me pediste matrimonio.
Aún lo recuerdas.
Claro. Si no, no me habría divorciado de ti.
Probablemente hay más palabras en "His Girl Friday"
que en cualquier otra película.
Imagino que el guion es probablemente así de grueso,
y Rosalind Russell fue la mejor para el papel.
Escucha, Walter.
Te hice una gran reportera,
pero no lo serás en otro periódico.
Somos un equipo, me necesitas y yo te necesito, y...
¡Vendido al estadounidense!
Muchas películas de Hollywood de los años 30
muestran a algunos de los mejores artistas negros
de esa época.
Por ejemplo, los Hermanos Nicholas
o Bill "Bojangles" Robinson.
A muchos les parecían entretenidos,
pero estos personajes negros eran a menudo estereotipados
y problemáticos.
Aleluya, alabado sea.
El Sr. Jackson regresa a casa.
Hattie McDaniel era conocida
por interpretar papeles de empleada doméstica.
Srta. Tira, creo que usted es una mujer de un solo hombre.
Lo soy. Un hombre a la vez.
Los personajes de criada eran muy raciales.
Son fantasías de cómo habría sido una criada
en la plantación. No intervienen mucho.
Existen como telón de fondo para el mundo narrativo
de los personajes blancos.
Averigua qué quiere.
Sí, lo haré enseguida.
Esas imágenes eran dañinas, pero ella no las creó.
Fueron creadas por los blancos que controlaban Hollywood.
Eres el hombre más perezoso que ha vivido en este río.
¿En este río, Queenie? Eso es decir mucho.
Paul Robeson siempre fue más grande
que el material que le daban.
En "Show Boat", fue capaz de convertir "Old Man River"
en algo mucho más complejo y mucho más crítico
con el racismo que experimenta el personaje.
Paul Robeson comenzó en el cine
cuando Oscar Micheaux hizo películas
como "Body and Soul".
Oscar Micheaux fue pionero en el cine afroamericano.
Fue parte de un género conocido como "películas de raza".
Estas estuvieron desde el nacimiento del cine,
principalmente hechas por cineastas negros
para el público negro.
En los primeros días del cine,
era más fácil, no solo para los afroamericanos,
sino también para las mujeres, entrar en la industria.
Se consideraba norma tener mujeres
en cada nivel de Hollywood.
Eran directoras.
La mitad de las películas escritas entre 1912 y 1929
fueron hechas por mujeres.
No se lo diremos a nadie
hasta estar listos para escapar, además de ti.
No para mí, Butch. Yo seguiré.
"The Big House" fue una de las dos películas
por las que Frances Marion ganó sus Oscar.
Y aún es la única mujer que ha ganado dos Oscar
por historia original.
La otra es "The Champ".
Es suficiente por hoy, ¿no creen?
Estuviste estupendo, campeón, ¿no es así?
Fue increíblemente prolífica, tiene una gran filmografía.
Pero hacía películas en géneros
típicamente considerados masculinos.
A medida que la industria se consolidaba en estudios,
tanto las mujeres como los afroamericanos
eran excluidos como creadores y cineastas.
El sistema de estudios dependía de las estrellas,
y las mujeres fueron el objeto
de esa comercialización.
Cuando viene de Alemania alguien como Marlene Dietrich,
debe representar lo exótico, al otro, lo desconocido.
Su gran atractivo era su fabulosa androginia.
A todos parece gustarles eso sobre ella.
En "Morocco", es una cantante con sombrero de copa y traje,
un traje icónico de su trabajo durante el resto de su vida.
- ¿Puedo quedarme con esto? - Claro.
Toma la rosa de una mujer
y luego le da un beso en los labios.
En sus películas con Von Sternberg,
"Morocco", "Blonde Venus", "The Devil is a Woman",
casi nada pasaba en ellas.
Eran vacías de narrativa.
Se trataban de escenificar un espectáculo
de deseo y belleza.
En la década de 1930,
se estimaba que el 70% de la audiencia que iba al cine
era femenina.
Cuantas más mujeres había en el público,
más ansiaban personajes femeninos fuertes.
Las estrellas de cine femeninas dominaban la taquilla,
y a menudo recibían más dinero que sus homólogos masculinos.
¿Crees que soy atractiva?
Hay mejores palabras para lo que eres.
Aunque ahora parezca absurdo en su época,
Bette Davis no era considerada bonita.
Tenía una cara inusual con ojos ligeramente saltones.
Pero tenía poca vanidad como actriz
y una total voluntad para interpretar
personajes desagradables.
Esta joven actriz, intentando convertirse en estrella,
insistió en estar en "Of Human Bondage",
donde interpretó
a la peor persona que haya existido.
Nunca me importaste.
Siempre te dejaba en ridículo. Me aburrías. Te odiaba.
Me sentía patética cuando te besaba.
Lo hacía porque me obligabas. ¡Me acosaste! ¡Me volviste loca!
¡Y después de que me besabas, siempre me limpiaba la boca!
¡Me limpiaba la boca!
Bette Davis hace una increíble actuación
en "Of Human Bondage", pero no es nominada.
Al año siguiente, gana por "Dangerous",
considerado como el primer Oscar de consolación.
Vieron que se lo merecía el año anterior.
Fue la primera actriz en tener
cinco nominaciones consecutivas a mejor actriz.
Es la Meryl Streep antes de la Segunda Guerra Mundial.
El cine femenino fue un género muy grande
que duró desde 1930 hasta la década de 1950.
Abarcaba muchos géneros diferentes,
pero siempre tenía a una mujer en el centro.
No te vistas así para complacer a Steven.
No le gusta tal obviedad.
Gracias por el consejo.
Pero si a Steven no le gusta algo que llevo, me lo quito.
Las mujeres eran una apoteosis del género,
porque no había hombres en esta película,
ni un solo hombre, y crearon un éxito.
Hay un nombre para ustedes.
Pero no se usa en la alta sociedad,
sino fuera de una perrera.
Los hábitos de ir al cine en los años 30 eran diferentes.
No solo iban por una película.
A veces había una segunda película,
había un noticiario, un corto y un dibujo animado.
Walt Disney, creador de Mickey Mouse,
era un visionario.
Y se le ocurrió la idea de hacer un largometraje animado.
Nadie había pensado en eso. Creían que estaba loco.
Nadie había intentado eso antes.
Y el intento era difícil de entender.
No se trataba solo de hacer una animación,
sino de ver si a la audiencia le interesaban los dibujos.
"Blanca Nieves" se basa en un cuento de hadas europeo,
pero no era una película infantil.
Estaba destinada
a un público mixto de adultos y niños.
¡Adiós! ¡Adiós!
A Walt no le daba miedo tener poder dramático.
No puedo hacerlo.
No le daba miedo atreverse,
ni tener escenas que fueran aterradoras,
incluso traumáticas.
La gente se sorprendió al descubrir
que se asustaron mucho en las partes aterradoras,
y muy conmovidos
cuando Blanca Nieves estaba en la maldición de sueño
debido a la ternura de la animación.
Los adultos lloraron en el estreno.
Disney hizo todo lo que decían que no se podía hacer.
Fue un gran éxito.
Superó las expectativas,
y le permitió a Walt crear el estudio.
Las películas animadas actuales provienen de "Blanca Nieves".
Sin "Blanca Nieves", no existirían.
"Stagecoach" fue una película definitoria
del género wéstern.
John Ford comienza a convertir la idea del wéstern
de los buenos y los malos en algo más interesante,
con un conjunto de personajes realmente únicos y afectados.
Sus pasajeros viajan bajo su propio riesgo.
¿Bajo su propio riesgo? ¿Qué pasa, teniente?
Gerónimo.
- ¿Gerónimo? Necesito... - Siéntate.
En "Stagecoach", cada persona es un arquetipo.
Hay una prostituta que una vez fue buena,
pero se pasó de la raya.
Un banquero corrupto, un apostador,
un doctor borracho.
Están juntos y tienen que sobrevivir,
aprendiendo a apreciar lo mejor de cada uno.
¡Alto!
La cámara enfoca la cara de John Wayne.
La toma es tan cerca,
que se puede ver el sudor corriendo por su mejilla.
Hola, Curly.
No haces esa toma si el actor no es una estrella de cine.
Y lo era.
Decían que Ford lo convirtió en estrella impidiéndole hablar.
Solo mostrando sus reacciones, lo que es un poco cierto.
Wayne me dijo una vez: "No soy un actor de acción.
Soy un actor de reacción".
John Wayne no es muy alabado por ser el gran actor que fue.
Gracias, eso quería saber.
Tenía un estilo diferente a cualquier otro actor
antes o después de él.
"Stagecoach" se estrenó en 1939,
que aún es considerado
el mejor año que haya existido para el cine.
¡Miren, miren! ¡Ahí está!
¿Quién? ¿Qué?
La cúpula del capitolio.
Sí, señor, es enorme. Lleva ahí mucho tiempo.
Sí, señor. Por aquí, senador.
"Mr. Smith goes to Washington" es una parábola política.
Se trata de un joven idealista interpretado por Jimmy Stewart.
Llega a Washington
y encuentra un sistema corrupto que tememos que acabe con él.
Este es un mundo de hombres, es brutal, Jeff,
y no perteneces. Saldrás lastimado.
"Mr. Smith goes to Washington" es mi filme favorito de Capra.
Él era inmigrante
y odiaba la idea de que el gran gobierno
dominara al ciudadano común.
Me quedaré aquí y lucharé por esta causa perdida,
aunque esta sala se llene de mentiras como estas.
Esta película es el ejemplo perfecto
de cómo en Estados Unidos
cualquier individuo puede hacer la diferencia.
¿Debes coquetear?
No, pero es natural para mí.
- Suprímelo. - Lo intentaré.
El año 1939 se destaca
porque tiene muchas películas trascendentales e increíbles
que han resistido con el tiempo
y que se estudian y se mencionan una y otra vez.
Tal vez sea una culminación o una casualidad,
pero la cantidad de películas conocidas y amadas
de ese año es extraordinaria.
Uno de los preceptos para un musical
es que la canción tiene que avanzar la historia.
Una canción como "Over the Rainbow",
todo ese anhelo...
Sabes que tiene que hacer un viaje
después de cantarla.
De repente, se va a otro sitio.
Queda atrapada en un tornado y aterriza en un mundo mágico.
No sabe que está en otro mundo hasta que abre la puerta
y ve los bellos colores.
No existe "The Wizard of Oz" sin el camino amarillo.
Era tecnicolor de tres tiras,
con colores increíblemente vívidos.
Como era una fantasía,
los colores no debían ser realistas.
Son muy vivos y emocionantes.
Era un entretenimiento nunca antes visto.
Es asombroso lo que lograron hacer,
y lo conmovedoras que son todas esas actuaciones.
¿Crees que el mago lo ayudará a él también?
No veo por qué no.
Jack Haley, Ray Bolger y Bert Lahr
les dieron una humanidad increíble
a estos personajes locos.
Sí, ya estoy lista.
Cierra los ojos y golpea los talones tres veces.
Fue la mejor película infantil de todos los tiempos.
La gente se relaciona con la idea de irse de casa
y volver a encontrarla.
Tía Em, no hay nada como el hogar.
Ahora dicen que todo es épico,
pero "Lo que el viento se llevó" lo fue,
porque muestra la posibilidad del cine.
Es un espectáculo.
Es la Guerra Civil en todo su horror e inmensidad.
Hay una gran escena de veteranos del sur heridos
que es muy emblemática.
A nivel técnico, es muy impresionante,
pero las anécdotas de la película
para mí son más interesantes que la película en sí.
David Selznick, uno de los mejores productores,
era un tipo independiente.
Dejó el sistema de estudios en la cima de su carrera
para crear Selznick International Pictures.
Al año, su objetivo era hacer "Lo que el viento se llevó",
y le llevaría tres años lograrlo.
Clark Gable fue elegido como Rhett Butler
casi unánimemente.
Era un macho.
Y tenía un gran sentido de la valentía,
pero que era merecido.
AUDICIONES DE LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ
Estoy enamorada de ti, Ashley.
Te amo.
La búsqueda de Scarlett fue un truco publicitario,
pero, a la vez, serio.
Selznick quería a la Scarlett O'Hara correcta.
Selznick ya estaba filmando antes de tener una Scarlett.
Aún no tenía protagonista.
David Selznick estaba mirando la quema de Atlanta,
y su hermano, Myron, llega con Vivien Leigh y dice:
"Conoce a Scarlett O'Hara".
Ashley, te amo.
- Scarlett... - Te amo, de verdad.
Es difícil separar a Vivien Leigh
de Scarlett O'Hara.
Es capaz de generar empatía
con un personaje muy exigente y despreciable
durante la película.
Y lo hace suyo.
¿Empezó la guerra?
Para contar esa historia,
necesitaban negros como esclavos.
Srta. Scarlett,
¿cómo alimentaremos a los enfermos y al niño?
No lo sé, Mammy.
No lo sé.
Las negras interpretadas por Hattie McDaniel
y Butterfly McQueen,
son los mejores personajes de la película.
Son los únicos personajes morales.
Rhett viola a su esposa, Scarlett es un desastre,
Ashley Wilkes es un debilucho, Melanie se deja pisotear.
Pero tienes a Mammy en el centro de todo eso.
Me preocupa el Sr. Rhett.
Entiende su lugar en el mundo y lo aprovecha al máximo.
Se volvió loco en estos últimos días.
¡No, Mammy, no!
Nunca he visto a ningún hombre, blanco o negro,
confiar tanto en un niño.
Hacia el final de la película,
Mammy le cuenta a Melanie sobre Rhett y su dolor.
Y lo sientes. Es una escena muy poderosa.
¡Por favor, Srta. Melanie!
Haré lo que pueda, Mammy.
Presento el premio de la Academia
a la mejor interpretación de una actriz
en un papel secundario durante 1939
a Hattie McDaniel.
Hattie McDaniel fue la primera afroamericana en ganar un Oscar.
Pero, incluso con eso,
no pudo sentarse con el resto del elenco.
Estaba sentada cerca de la cocina.
Es uno de los momentos más felices de mi vida.
Pero no iba a tener protagonismos.
Siguió haciendo de criada.
Ella hizo un comentario interesante:
"Prefiero ganar $10.000 haciendo de criada
que ganar $10 siendo una criada".
Espero sinceramente
ser siempre un crédito para mi raza
y para la industria cinematográfica.
Mi corazón está muy lleno para decirles cómo me siento.
Les doy las gracias y que Dios los bendiga.
Cinema, rollo cinco, Alfred Hitchcock.
La gran idea de David Selznick
después de "Lo que el viento se llevó"
fue contratar a Alfred Hitchcock.
Hitchcock hizo thrillers británicos
por los que se hizo famoso.
El mejor fue "The 39 Steps".
A finales de los años 30,
era el artista más importante del cine británico.
Pero entendía que trabajaba
en un sistema muy limitado financieramente.
También veía venir la guerra,
y le hacía feliz ir a EE. UU. y trabajar para Selznick
con contrato de seis películas, comenzando con "Rebecca".
Ahí está. Eso es Manderley.
"Rebecca" se basó en una novela de Daphne du Maurier
sobre una mujer inocente
que se muda a una vieja casa gótica.
Ella es la Sra. Danver.
Y su vida se ve envuelta en un misterio.
¿Cómo está?
Siente que no puede competir con Rebecca,
la esposa muerta de su esposo Max.
¿Crees que los muertos regresan?
No voy a creerlo.
A veces...
me pregunto si vuelve a Manderley
para verlos a ti y al Sr. de Winter.
Hitchcock era brillante
poniendo al público en el lugar del personaje
con el uso subjetivo de la cámara.
Lo que él llamaba "cine puro".
Este montaje de piezas de película
para crear miedo
es la parte esencial de mi trabajo.
Creo en poner el horror en la mente del público,
y no necesariamente en la pantalla.
Sus películas tomaron un género,
e hicieron de ese género algo propio del director.
Hitchcock era realmente el maestro del suspenso,
y se merece ese título.
Preston Sturges fue uno de los mejores cineastas de comedia
que quizás no conocen.
Que sea una película de dignidad,
un lienzo del sufrimiento humano.
- Con un poco de sexo. - Un poco de sexo.
En sus inicios, Hollywood era muy jerárquico.
Los guionistas no eran directores.
Nadie hacía ambas cosas. Sturges quería dirigir.
Escribió un guion que le gustó al estudio
para la película "The Great McGinty",
y accedió a venderlo al estudio por un dólar
si lo dejaban dirigir.
El estudio estuvo de acuerdo y el resto es historia.
Le pregunté a Billy Wilder
quién era el mejor escritor y director,
y dijo que Preston Sturges. "¡Preston Sturges es el primero!
Es el hombre que reunió a estos personajes,
contó estas historias e hizo el camino".
"The Lady Eve", un éxito suyo,
tuvo un montaje brillante. Henry Fonda está en el comedor,
y todas las mujeres quieren llamar su atención
porque es un tipo rico.
Cada Jane en la sala lo busca, y él cree que no valen la pena.
Barbara Stanwyck hace
una de las mejores actuaciones cómicas de todos los tiempos.
Cuando vigila por el espejo es muy graciosa.
¡Remójate y ve si me importa!
No es solo el diálogo brillante,
sino también la increíble comedia física.
Es un gran equilibrio de baja comedia y alta comedia.
Y la vida es ambas cosas, ¿no?
Sturges tuvo una racha durante la década de 1940
en el que estrenó éxito tras éxito.
Es una racha sin precedentes de buenas películas.
Por increíble que parezca,
los seres raros que aterrizaron en las granjas de Jersey
son un ejército del planeta Marte.
Orson Welles llegó al negocio del cine
luego de tener gran éxito en la radio.
Asustó al país
con "War of the Worlds" en 1938.
Salió en la portada de Time por sus actuaciones teatrales
en el Mercury Theater.
Era aclamado como actor y director,
y llegó a Hollywood con un contrato sin precedentes.
Cuando no quieres ir a Hollywood,
las ofertas solo mejoran.
Yo no quería dinero, sino autoridad.
Pedí lo imposible, esperando que me dejaran en paz.
Y al final de un año de negociaciones, lo conseguí.
Orson Welles tenía un ego enorme.
Iba a hacerlo a su manera, y no le importaban los demás.
Y admiro eso porque podía respaldarlo.
"Rosebud".
En "Ciudadano Kane", muere Charles Foster Kane
diciendo "Rosebud".
¡Averigua qué es "Rosebud".
El resto es sobre un reportero que busca el significado de eso.
Lo mejor que hizo Welles
fue reconocer lo que no sabía hacer con 25 años,
así que contrató a mi abuelo, Herman Mankiewicz,
como guionista.
Contrató a Robert Wise para editar la película.
La brillante música de Bernard Herrmann.
Y la cinematografía de Gregg Toland fue un avance.
Cambió la forma de hacer cine.
Feliz Navidad.
Y Feliz Año Nuevo.
Parecía algo nuevo.
Las transiciones, la construcción de flashbacks,
la repetición de escenas desde varios puntos de vista.
Y no hay que ignorar
que Orson da una actuación extraordinariamente brillante.
No hice promesas de campaña,
porque, hasta hace unas semanas,
no tenía ninguna esperanza de ser elegido.
La técnica que siempre me llama la atención
es la profundidad de enfoque.
Estás despedido.
Los primeros planos son tan nítidos como el fondo.
No solo ves la historia que él está contando,
sino que ves más profundamente en ella.
Creó un manual sobre cine con "Citizen Kane".
No hay duda de que Charles Foster Kane
se basa en la vida de William Randolph Hearst.
Era dueño de periódicos, un servicio de noticias,
estaciones de radio y revistas.
Era un jugador poderoso en la política de EE. UU.
Y, aun más importante, en la política de Hollywood.
Hearst vetó la película.
Ninguno de sus periódicos publicitaban la película
y muchos cines no querían reproducirla.
No ganas dinero si no consigues un cine.
Fue alabada en los periódicos que no eran de Hearst.
Fue nominada a nueve premios Oscar,
pero solo ganó uno por el guion, que fue para mi abuelo y Welles.
Nada más. Welles debía ganar mejor película y mejor director,
e incluso mejor actor.
Demuestra que esta película estuvo bajo mucha presión.
No hay mejor primera película en la historia del cine
que "Citizen Kane".
No sé de otra de un director debutante
que haya causado tal interés y lo mantuviera.
Rosebud.
LA PRÓXIMA VEZ EN
THE MOVIES: LA EDAD DE ORO SEGUNDA PARTE
Abróchense los cinturones. Será una noche agitada.
Bette Davis te lleva desde la cumbre de la vanidad
hasta la desesperación.
¡Stella!
No se trataba de técnica, se trataba de sentir.
Es poderoso, porque ha sido un viaje.
Hay que ser valiente para contar una historia con tal compromiso.
¡Soy un hombre!
Bueno, nadie es perfecto.
Los creadores de películas tenían que dejar la pereza
y hacer que ir al cine
fuera una experiencia aun más extraordinaria.
Este es el corazón del cine de EE. UU.
Todos los que trabajan hoy en día han visto
y han sido influenciados por esa era clásica.
Me alegró verte, bella.