LA EDAD DE ORO SEGUNDA PARTE
POLONIA INVADIDA
El ataque de Hitler a Polonia,
inicia en Europa la temida guerra.
Gracias a los noticiarios, los norteamericanos veían
el avance de la Alemania Nazi.
El ministro de propaganda de Hitler
se enfocó en manipular las mentes de las personas.
Leni Riefenstahl convirtió este feo movimiento
en algo bello del cine.
¡Cámaras!
Hasta el bebé le sonríe con emoción a su Excelencia.
Charlie Chaplin aprovechó eso y le dio un giro.
Chaplin hizo una gran denuncia con esta genial sátira política,
para mostrar el caos mundial y nuestro posible futuro.
¡Adiós, César, ya no eres el Emperador del mundo!
¿Cómo personificó la megalomanía
sin hacerlo de forma estridente y pedante?
Él tomó un globo terráqueo
e hizo un baile tonto y demagógico con él.
Este payaso... era capaz de destruir el mundo.
Hizo una comedia y un drama por igual,
en una de las escenas políticas más poderosas del cine.
- ¿Quién ganará? - No Tengo idea.
Rick es un hombre muy imparcial. Hasta con sus mujeres.
Humphrey Bogart fue Rick en "Casablanca".
Era la II Guerra Mundial, antes de que EE. UU. entrara.
Nadie sabía el pasado de Rick, pero bebía y jugaba.
A él no le importaba la guerra. Hasta que la guerra llegó a él.
Sam, no toques aquí.
Al café de Rick va una pareja, Ilsa y su esposo,
Victor Laszlo, un héroe de la resistencia.
Se oye mucho de Rick en Casablanca.
Y de Victor Lazlo en todas partes.
Oculto a todos, Ilsa y Rick tienen un pasado.
De todos los bares que existen en el mundo...
ella vino al mío.
Él oculta su dolor bajo el cinismo,
pero descubrimos que fue un idealista
y recupera esa parte de sí.
La mejor escena es cuando los alemanes tocan el piano
y cantan el "La Guardia del Rin".
Pero en el café de Rick, los que no eran alemanes,
se callan, sienten el dolor.
Laszlo le dice a la banda: "Toquen La Marsellesa".
Toquen "La Marsellesa". ¡Ya!
Ellos miran a Bogie y él hace así...
Allí decimos: "¡Bogie peleará!"
Es un cuento sobre refugiados, atrapados en la desesperanza.
Pero es que los actores eran refugiados desesperanzados.
Peter Lorre escapó de la Alemania nazi.
Conrad Veidt, que actuó como el peor nazi,
era un ferviente antinazi casado con una judía.
Marcel Dalio y Madeleine LeBeau, escaparon de Francia
al llegar los alemanes a París.
La familia de Dalio se quedó y murió en los campos.
Era una lucha contra el fascismo con patriotismo y amor al país.
Incluso hoy día lloro cuando veo esa escena.
¡Viva Francia!
"Casablanca" es perfecta para la época.
No hay un mejor final posible que el de esa historia.
Ilsa, no soy noble,
pero hasta yo sé que este problema
es insignificante en este mundo loco.
Nos dice a todos que los problemas particulares,
no son nada ante los retos del futuro.
Me alegró verte y eres bella.
Que debemos enfrentar eso en los peores días de la Guerra Mundial.
¡Abran fuego!
¡A sus puestos!
¡Fuego!
En el filme bélico siempre hay un grupo con un objetivo,
que enfrenta la muerte.
Dicen: "Es nuestro deber, hagámoslo para ganar".
- ¿Qué opinas del bombardero? - No está tan mal.
Su fin es convencer a las personas
para que ellos apoyen la guerra.
Para entender
cómo cambió el cine la Segunda Guerra Mundial,
hay que entender que cinco de los mejores directores
fueron parte de la guerra.
Fueron Capra, Ford, Stevens, Huston y Wyler.
Fueron cinco íconos americanos, cumplieron su deber con el país
y arriesgaron su vida para contarlo.
Hombres patriotas, como mi papá,
sintieron el deber moral de defender su país
del flagelo del nazismo.
Para mantener contacto con el enemigo
los soldados siguen adelante.
Él vivió momentos delicados y graves.
Nos habló de un comandante y su tropa
que fueron diezmados por los alemanes
al cruzar un puente que fue bombardeado.
Ese comandante hizo el gesto del saludo,
pero había perdido la mano.
La guerra nunca dejó de atormentarlo toda su vida.
John Ford rodó "The Battle of Midway",
que ganó el Oscar al mejor documental.
También filmó la batalla de Normandía en 1944.
La guerra lo había marcado
y volvió a Hollywood queriendo hacer una película.
Pero no para decir: "Ganamos", o una historia fantasiosa.
¡Protéjanse!
"They Were Expendable"
se basó en la caída de Filipinas y el triunfo de EE. UU.
Ford narró una acción patriota, dentro de este noble sacrificio.
Si ves al general, dile que el final está cerca.
La mayoría serían prisioneros de guerra y muchos quizá morirían.
Si escuchan su nombre, suban al avión.
El final del filme
es el destino de los marineros que quedaron atrás.
Si no subían al avión, sabían lo que les esperaba.
¿Señor?
¿Cuántos aviones más vendrán?
Ninguno.
Vuelven a suelo estadounidense, bienvenidos por doquier.
Después de la guerra, todos decían:
"¿Cómo retomar el camino, tras todo lo visto y aprendido?"
El costo de la guerra se cuenta en "The Best Years of our Lives",
como en ningún otro filme.
Todos quieren ir a casa.
Esta es mi calle.
No se conocían antes de la guerra pero se hacen buenos amigos.
Sus vidas se interconectan e intentan reparar
ese daño causado por la guerra que guardan dentro de sí.
Se rodó al final de la guerra y en una escena se encuadra
lo que parece un cementerio de aviones de guerra.
Esa escena fantástica, cuando está Andrews en el avión
y allí revive su misión como bombardero,
nos transmite esa experiencia opresora y triste.
La de estar en peligro y de no saber si volverían,
si morirían allí mismo o regresarían sin manos.
Ya sé cómo quitarme esto.
Que contrataran a Harold Russel, quien perdió sus manos,
fue sorprendente.
Este es un momento de orgullo y felicidad.
Se llevó un Oscar honorífico,
pero actuó tan bien que ganó como actor de reparto.
Nadie lo esperaba, y se llevó los dos premios.
- Hola, cariño. - ¡Hola, papá!
¿Te gusta?
"It's a Wonderful Life" no fue muy exitosa,
y me sorprende que un filme que reverenciamos,
pasara trabajo al estrenarse.
Es una bella mezcla de valores morales y narrativos.
Papá, los Brown tienen otro auto. Debes verlo.
¿Y? ¿No te basta el nuestro?
Capra fue un humanista y siempre le importó
mostrar las heridas y visibilizar la debilidad.
¿Qué te pasa?
¿A mí? ¿No lo ves? ¿Para qué tuvimos tantos niños?
Jimmy Stewart estuvo en batalla, voló en misiones y era veterano.
Por eso Capra no podía estar en casa escribiendo comedia.
Frank Capra pensó en un filme de Navidad y suicidio
y Jimmy Stewart dijo: "¡Cuenta conmigo!"
Llegaron de la guerra con un humor negro y pesimista.
En "Mr. Smith Goes to Washington",
George Bailey no es tan idealista
como su personaje, el Sr. Smith.
Este es el filme más fuerte que hice.
Nunca pensé en otra historia así de única.
Un hombre que se cree fracasado,
tiene la oportunidad de ver cómo sería el mundo sin él.
Recibiste un gran regalo, George:
ver cómo sería el mundo sin ti.
Es un lugar muy sombrío para iniciar una película
que terminó siendo un gran filme navideño,
uno de los más afirmadores del cine.
¡Feliz Navidad!
Es poderosa porque es un viaje que parte de la desesperación.
Fue valiente en narrar un cuento tan fuerte y comprometido.
¿Sí, linda?
Lo busca una chica. "Wonderly".
¿Una clienta?
Creo. Le gustará, es espectacular.
Hazla pasar, Effie, hazla pasar.
El cine negro fue popular entre los años 40 y 50.
Eran filmes pesados y pesimistas.
Tal como se sentía la sociedad estadounidense.
Y debido a la Segunda Guerra,
el público mostró un apetito por estas películas.
¿Alguien oyó el disparo?
Alguien debió. Acabamos de llegar.
"The Maltese Falcon" es una historia de detectives,
pero lo interesante está en estos locos personajes
que buscan esa ave negra y cómo Sam Spade juega con ellos.
¡Demonios! Lo hiciste muy bien.
¿Qué dijo?
- ¿Sobre qué? - De mí.
- Nada. - ¿Entonces de qué hablaron?
Me ofreció $5.000 por el ave.
A mi papá no le encantaban los actores.
En sus películas importaban más los personajes.
Por eso, él apreció tanto a Humphrey Bogart siempre.
Gracias, querida.
Él tenía una naturalidad y una honestidad como nadie más.
Si te golpeo, aguantas.
Bogart no es el tipo bueno.
Eso es esencial para entender la tendencia.
La actitud es muy estadounidense,
pero el cine negro surge
cuando esos cineastas que vinieron de Europa
trajeron esa sensibilidad visual.
Así nació el cine negro.
Yo lo maté. Me llamo Walter Neff.
Vendedor de seguros.
Wilder adaptó la historia junto a Raymond Chandler,
que abría con la voz superpuesta de un hombre moribundo.
Eso se volvería un cliché en el cine policial.
- ¿Tardé, querido? - No, Sra. Dietrichson.
Espero estar presentable.
Yo la veo muy bien.
Debían grabar una escena muy intensa de un asesinato,
pero, ¿cómo lo harían con tanta censura?
Esta no es la calle, ¿por qué giramos aquí?
¿Qué haces?
¿Por qué tocas la bocina así?
Wilder graba el rostro de Barbara Stanwyck,
mientras ella vive el dolor de su esposo,
y luego la satisfacción del hecho.
Ella da todo de sí...
No hay nada como eso.
¡Cielo, vámonos!
El crimen sugerido en "Double Indemnity"
es mejor que cualquier escena sangrienta.
Ahora todo está bien, ¿verdad?
Barbara Stanwyck cumple a la perfección
su rol como la peligrosa mujer fatal.
Empaca, nos vamos.
Pero en "Out of the Past", Jane Greer se atreve a más.
¿Tendremos éxito?
Ella es más una fría psicópata.
En una escena ella mira a Robert Mitchum y a su pareja
golpearse sin piedad, con cara de éxtasis.
Nunca olvidaré esa escena, su rostro, cuando le disparó.
La recordaré siempre.
Te secaré el pelo.
Entran al bungaló y se besan.
Enfocan una puerta, que se abre por la lluvia
y la cámara se mueve...
Es poesía visual... y ambiente.
Los estudios hacían entre 6 y 8 filmes anuales.
Sácame esto de la boca, ¿sí?
Los artistas querían estar en películas más adultas.
¡Gary!
Era un tétrico estilo de cine...
muy diferente al final feliz,
donde nada salía bien, ni para el mismo héroe.
Es el legado del cine negro.
Esto es Sunset Boulevard, en Los Ángeles, California.
Casi son las 5:00 a.m.
Ahí va el escuadrón de homicidios.
En los 50 se produjo mucho cine negro.
El primer filme fue "Sunset Boulevard"
que empieza con un cuerpo en una piscina.
Luego todo lo cuentan los recuerdos
del hombre en la piscina.
¡Eres Norma Desmond! Eras actriz de cine mudo, y muy importante.
Soy importante.
El cine me quedó pequeño.
Todos aplaudieron a Swanson como Norma Desmond.
Gloria fue una estrella del cine mudo.
Por eso conocía bien al personaje que representaba.
No necesitábamos hablar, solo expresar.
A los 50 años interpretó a una reina depuesta
que deliró hasta la locura.
No importa nada, solo yo, las cámaras
y el público que me espera en la oscuridad.
Es un filme sobre la tendencia de Hollywood
de echar a la gente.
De ensalzarlos, luego derribarlos y olvidarlos.
Lloyd, no tengo 20 años, ni 30.
Hace tres meses cumplí 40. ¡Cuarenta! ¡Cuatro cero!
"Sunset Boulevard" y "All About Eve" son de 1950.
Bette Davis estaba en declive, sus filmes no recaudaban,
y este fue su gran regreso.
Le da vida a Margo Channing, una actriz prestigiosa,
que le preocupa perder su carrera y a su hombre,
y luego llega Eve Harrington.
¿Cómo me queda este traje?
Muy lindo. Te queda mejor a ti que a mí.
No me lo imagino.
Esta mujer parece admirarla, pero es obvio que trama algo.
Quiere sacar a Margo del medio y robarle sus papeles.
Margo pelea con uñas y dientes, como solo Davis sabía.
Pónganse sus cinturones, esta noche será turbulenta.
Bette Davis te lleva desde la gloria más alta...
hasta una honda desesperación.
Me encantaba su arte. Esa fue su mejor interpretación.
Es extraña la carrera de una actriz.
Nos deshacemos de mucho para ser famosas...
y olvidas que las necesitas otra vez cuando vuelves a ser tú.
"Sunset" e "Eve" buscan expresar la rivalidad entre los actores
y la usurpación de los novatos.
Eso se vio reflejado en los premios Oscar
donde competía Gloria Swanson contra Bette Davis.
Pero ganó la novel Judy Holliday,
por la película "Born Yesterday".
- ¿Te parezco de 30 años? - No.
¿Y entonces?
No sé. ¿Qué edad tienes?
¡Veintinueve!
La diversión llegó a sus casas y en todo el país podrán ver
a todos los públicos cautivados por sus televisores.
La pantalla es pequeña, pero es gratuita.
El cine peligró en los años 50, por la venta de televisores.
Las costosas épicas bíblicas de los 50
fueron un ataque de Hollywood en respuesta a la televisión.
La gente volvió a las salas, así que las hacían más y más
¿Alguien se opone al poder de Dios?
Ver una pantalla chica y gris en la sala de la casa
no era como ir al cine a ver un filme como "Ben-Hur".
Nadie había visto algo como eso en ese momento.
El cine debía ser asombroso y muy bien filmado
para que la experiencia fuese mucho más extraordinaria.
Después de la televisión,
surgieron los mejores musicales como resultado de eso.
"Singin' in the Rain" es el filme perfecto.
Es divertido, alegre y las canciones son bellas.
Stanley dijo: "¿Qué harás ahí?" Yo dije: "Cantaré y lloverá".
¡Y ya! No fue nada difícil componerla.
Lo de salpicar en el agua así...
Sí, eso fue divertido.
Cuando descubres obras de Vincent Minnelli como:
"Meet Me in St. Louis", "An American in Paris"
y "The Band Wagon",
ves tanta originalidad, tanta diversión
y un trabajo que trasciende el tiempo.
En 1954, George Cukor, rehace "A Star is Born"
y la convierte en un musical.
Si no va como lo quiero, muchos se arrepentirán.
Tú lo entiendes, ¿verdad?
Sí, lo entiendo.
Judy Garland había tenido su problema de alcohol y drogas
y fue despedida.
"A Star is Born" fue su gran retorno.
Interpreta a una prometedora cantante
descubierta por un actor alcohólico.
Así que, al final surgen maravillosos números musicales,
como "The Man That Got Away".
Ella te hace emocionar mucho, incluso se acerca a la cámara.
Canta con dolor y angustia,
Hizo una escena increíble
que ella convirtió en un momento irrepetible en el cine.
Cantó ese tema en una sola toma.
Hace la revelación más íntima de su personaje,
que dice todo lo que escondía y no había dicho hasta ahora.
Todos nos identificamos con eso, actores, músicos o cualquiera.
Es una revelación para sí misma.
Nos lo dirá así estemos una semana aquí.
¿Es usted un comunista o ha estado en el partido?
Finalizada la Segunda Guerra,
el Comité de Actividades Antiestadounidenses,
empezó una cacería de supuestos comunistas infiltrados
en la industria de cine.
Varios han denunciado que en el Sindicato de Actores
hay personas que pertenecen al enemigo partido comunista.
Creían que si los soviéticos querían infiltrar EE. UU.,
sería infectando Hollywood.
Ustedes quieren quebrantar la industria cinematográfica,
irrespetando mis derechos y a los productores,
a sus ideas y creencias.
Diez guionistas y productores
que no cooperaron en la investigación,
fueron culpados de desacato
y condenados un año en prisión.
No trabajarán más con nosotros hasta que cumplan su condena.
El Comité identificaba a la gente que sospechaba era comunista
y los estudios los despedían
y ponía en la lista negra a cualquiera que no cooperara.
Ben Miller está con Jim Pierce y Jack Colby.
Preguntó por el tren del mediodía.
¿Del mediodía?
Carl Foreman escribió "High Noon"
en el verano de 1951, cuando recibió una citación
para testificar ante dicho Comité.
Y su guion empezó a ser una parábola o una alegoría
de la lista negra de Hollywood.
Foreman representó al Comité en los pistoleros asesinos
y él se identificó con el alguacil.
Estaré bien, tengo amigos aquí. Tendré agentes asistentes,
y con mi grupo de apoyo, no habrá problemas.
Sabes que sí los habrá.
Entonces, es mejor estar aquí.
La actuación de Cooper es magistral y muy natural.
El dilema que le atormenta es el pulso de la película.
Ustedes eran mis asistentes antes de separarnos.
Los necesito de nuevo. ¡Ahora!
Este guion personifica la situación de 1951,
donde tu vecino te abandona porque quizás eres comunista,
o porque no quiere que sepas de su refugio.
El filme ilumina lo que sucedió.
Carl Foreman era tan honorable que no quiso delatar a nadie.
Pagó un precio grande: fue desarraigado a Inglaterra.
Lo peor de esa lista fue que se destruyeron carreras,
afectó a otros y gente creativa se traicionó entre sí.
Fue una época terrible, y algunos temían otra guerra.
Eres un traidor ¡Un traidor y un espía!
Esas son tonterías.
Yo apoyo al mejor experimento social del mundo.
EE. UU. estaba paranoico con el comunismo.
Los comunistas estaban en escuelas y en el gobierno.
De allí nacieron los filmes de invasiones alienígenas.
Fue una era marcada por el miedo,
no solo por la cacería de comunistas,
sino por la bomba atómica.
La creación de armas nucleares
hizo que el terror y el horror fueran interminables.
El género de insectos gigantes
inició con "Them" en 1954.
Una extraña mutación, causada quizás
por la radiación de la bomba atómica.
Eso motivó una moda de criaturas futuras.
Un monstruo con sed de sangre.
La imaginación se disparó.
¿Qué nos pasaría en una era nuclear?
Pero yo no bebí tanto.
Todos estos filmes me gustan. Los mejores y los peores.
Desde "I Married a Monster from Outer Space",
hasta "The Day the Earth Stood Still".
No podrías encontrar dos filmes tan distintos,
que solo comparten el género, ¡y ya!
Dime, ¿cómo va tu historia de monstruos?
Es grande y muy buena.
"Godzilla" era de origen japonés y estaba en japonés.
Para que Hollywood la hiciera digerible aquí,
incluyeron nuevas escenas de un reportero en Tokio.
¡Esas huellas son enormes!
Prefiero la versión japonesa, porque es muy visual.
Es más original y Godzilla es más terrorífico.
Lo que hace la gente es correr para salvarse
mientras buscan la tecnología para destruir al monstruo.
Es todo lo que debes saber.
Es la reacción de gente a la que le cayó una bomba atómica.
¿Cómo sintieron eso?
Como un monstruo que salió del mar y los pisoteó.
Vinieron de otro planeta, a años luz de aquí,
para robar nuestros cuerpos y nuestras almas.
Una película que muestra la ansiedad de los años 50
fue "Invasion of the Body Snatchers",
donde los enemigos eran como tus vecinos.
¿Qué pasa, Miles? Te estamos esperando.
Te invadirán, y al instante todo lo que amas morirá.
¡Vámonos!
¡Espera! Me falta la prueba.
Esta película representa bien al género de dos formas:
puede ser una metáfora a la amenaza comunista.
Pero también, trata sobre la "cacería macartista".
Aun así funciona muy bien como una película de terror.
¡Nos destruirán a todos, a las mujeres y a los niños!
¡Ya llegaron! ¡Ahora les toca!
"On the Waterfront" es una película fabulosa
ambientada en los muelles de Nueva Jersey
controlados por los sindicatos corruptos.
Y para tener trabajo, tenías que estar bien con los jefes.
El filme trata de cómo acabaron con ese sistema.
¡Blanchard!
¡Traigan un médico!
En esta película vi reflejadas a las personas que conocía:
mi familia y mi localidad en la pantalla.
Eso se reflejó honestamente, y no condescendiente.
La gente y las azoteas eran iguales.
En cualquier plano había una buena imagen.
Cuida que no caiga agua el piso, no quiero que se resfríen.
La actuación de Brando fue la revelación del siglo.
Recuerdo la primera vez que vi a Marlon Brando actuar.
Fue una revelación.
Revolucionó el arte de la actuación...
Yo no sé...
al dar un nivel de realidad que nadie creía aceptable.
Podría haber encajado, podría haber sido alguien...
y no un vagabundo.
Todos admiraban a Brando, era genial.
No era solo una técnica, sino algo más: era el sentir.
Él sabía conmover.
Era tu trabajo.
Marlon Brando es conocido por su método y estilo.
El método, en esencia, es humano, muy humano.
Se basa en el psicoanálisis, en la comprensión del alma.
Él brilla en "On the Waterfront", pero, no es el único,
todos son de The Actors Studio.
Admiro a Brando tanto como a Karl Malden, a TJ Cobb,
a la estupenda Eva Marie Saint que hizo un trabajo increíble,
porque se esmeró.
¿Te unirás, hermana?
Sí, lo haré.
La mayoría veníamos del estudio.
Nos entendíamos muy bien y nos sentíamos bien juntos.
Supongo que ahí no te dejan andar con tipos.
Sabes cómo son las hermanas.
Sí. ¿Quieres ser monja?
Edie, mi personaje, tenía guantes.
Se me cayó uno, sin querer.
Él lo tomó y se lo puso.
Tendremos una fiesta de Acción de Gracias.
Lo hizo de forma sensual, pero ella quería su guante...
pero no sabía acercarse a él, tocarlo.
Estoy bien en mi casa, gracias.
Esa fue una muestra del genio y la sensibilidad de Brando.
"On the Waterfront" ganó 8 Oscar de sus 12 nominaciones,
incluso el de Mejor actriz de reparto de Eva Marie,
que lo recibió embarazada.
Quizás el bebé nazca aquí mismo.
Mi hijo nació al siguiente día y, no, no lo llamamos "Oscar".
Creo que los grandes actores de los años 50
fueron Montgomery Clift, Audrey Hepburn,
Sidney Poitier, Andy Griffith y, sin duda, James Dean,
fueron una generación joven que daba su alma al actuar.
Vi "East of Eden", y pensé, "¡Dios mío, Dios mío!"
Fue un método de actuación impecable.
Sé que él es uno de los mejores actores que jamás existió.
Y eso, solo por el filme "East of Eden".
"Rebel Without a Cause" fue lo que lanzó a Dean al estrellato.
Hizo solo tres filmes, pero son inolvidables.
Qué linda está, Srta. Leslie.
James Dean es el ícono de toda una generación.
Y si sumamos su vida tan incompleta,
por morir tan joven,
tienes la mezcla perfecta para crear una figura mítica,
que no abundan en Hollywood.
Una imagen preciosa del cine
es Marilyn Monroe con su vestido rosa
cantando "Diamonds are a Girl's Best Friend".
Se sabe que ella fue el "sex symbol" de los años 50.
Pero pocos saben que era muy divertida.
¿Has sentido la brisa del tren? ¿No es deliciosa?
Ella se cansó de ser etiquetada como bomba sexy
y quiso explotar sus talentos.
Ella ignoró su famoso contrato con Fox
para estudiar en Nueva York con el famoso maestro del país
Lee Strasberg, del Actors Studio.
Creo que a Marilyn no se le da crédito
como actriz de drama y como comediante.
Podía ser ambas y Billy Wilder lo sabía.
"Some Like it Hot" es su filme más memorable
porque ella dio lo mejor de sí.
Logró que se le viera como una persona más emotiva.
Todas bebemos, pero solo a mí me descubren.
Es la historia de mi vida, siempre me toca lo peor.
Si trabajas con Billy Wilder,
sabes que cada persona... dirá lo que deba a su manera.
Su comedia es un arte, la música va con la frase clave.
Deberíamos hacer una fiesta sorpresa.
- ¿Qué sorpresa es? - Luego.
- ¿Cuándo? - ¡Bebamos primero!
Es una película absurda, por así decirlo.
Tony Curtis y Jack Lemmon
son dos músicos del Chicago de los años 20,
que escapan de la Masacre del día de San Valentín
y se ocultan en una banda disfrazados de mujeres.
Soy Daphne, violinista.
¡Hola!
Lemmon se hace llamar Daphne, pero atrae a un millonario,
que se enamora de él.
Me comprometí.
¡Felicidades! ¿Quién es la afortunada?
Yo.
"Some Like it Hot" es la mejor comedia
con las mejores bromas.
Tú no entiendes, Osgood... ¡Soy un hombre!
Bueno, nadie es perfecto.
Señor Ford, creo que su visión del oeste
es más triste y melancólica. ¿Ha notado ese... cambio?
No.
John Ford fue asombroso. Le dio emoción y sensibilidad
e hizo películas muy notables, una tras otra, tras otra y otra.
Creo que su visión era distinta a la de otros.
Tenía un intuitivo sentido de la composición.
Y sin duda, conocía el poder del encuadre.
Los wésterns le dieron a Ford libertad para explorar temas
como la hombría, la venganza y la justicia.
"The Searchers"
es la culminación del viaje con dos colaboradores iguales:
el director, en las postrimerías de su carrera,
y el actor, también en esa etapa.
¡Oigan!
El personaje de John Wayne
es el papel más malvado y oscuro que ha hecho.
Su sobrina es secuestrada por los indios
y él piensa que la hallará, la salvará
y no dejará que nada lo detenga.
Pero al pasar los años, ve que la realidad es otra.
Esta es mi gente.
¡Vete, Untamaya! ¡Vete! ¡Vete, Martin, por favor!
¡Quítate, Martin!
Es un filme sobre el racismo.
El odio del personaje de John Wayne por los nativos es fuerte,
pero al final de la historia
él termina rescatando a Natalie Wood.
Siempre me hace llorar cuando la abraza y van a casa.
Vamos a casa, Debbie.
Es un mensaje de esperanza, donde el odio, la enemistad
y las diferencias entre todos nosotros
pueden cambiar.
Los estudios colapsaron al final de los años 50.
Los agentes eran libres de buscarse la vida.
Así que los directores pusieron su huella en sus obras,
lo que cambió las reglas de Hollywood.
En los años 50 y 60,
Hitchcock creó sus más grandes obras.
Probó el color, tuvo un elenco estadounidense
e hizo filmes más complejos y llamativos.
He visto "Vertigo" tantas veces y aun no la comprendo bien.
Y eso me encanta, es un filme muy subconsciente.
Es un enigma.
Es como si Hitchcock le hablase de forma simbólica
a su audiencia.
¿Me visto como ella?
Judy, quiero verte bella. No es lo que piensas.
¡No lo haré!
La relación de Jimmy Stewart y Kim Novak
era como la de un director y la actriz.
Hitchcock era obsesivo con la apariencia.
El peinado, las joyas. La piedrita que había escogido.
Sr. Hitchcock, dígame,
¿los actores son marionetas o usted les da libertad?
Si el director se dedica solo al trabajo cinematográfico,
entonces el actor debe estar bajo su control.
Trabajar con él era distinto al Actors Studio.
La emoción no le interesaba. Él me decía:
"No uses las manos, baja la voz
y mira a Cary Grant a los ojos".
Jack Phillips, gerente de ventas de Kingby Electronics.
No, no es verdad. Eres Roger Thornhill, lo sé.
Y te buscan en todo el país por asesinato.
No seas tan modesto.
Hitchcock fue un director notable.
Sus obras gustaban porque eran las suyas.
Y esa visión del cine de autor, se convirtió en lo normal.
No hablas de cine clásico
sin las obras de los años 30 y los 50.
Son el corazón del cine de EE. UU.
Todos los que estamos aquí,
tuvimos la influencia de estos clásicos.
¡Stella!
Son nuestra base y el cimiento de lo que vino después.
Pueden ver estos filmes una y otra vez,
y nunca dejarán de gustarles.
- No sé qué haría sin ti. - Bueno...
La historia de la fabulosa era de Hollywood ha terminado.
Si no vieron a sus actores y directores favoritos,
discúlpennos.
El tiempo es muy corto para mostrarlos a todos,
pero les estamos muy agradecidos.