De los Años 70 en Adelante
Innovación en la Cultura Popular
Alrededor del Mundo
Muchos de los aficionados al cine alrededor del mundo...
habrán oído hablar de los taquillazos de los 70:
Tiburón, La guerra de las galaxias, El exorcista...
las películas de Bruce Lee en Hong Kong...
y la epopeya india Sholay.
Están entre las películas de entretenimiento más famosas...
pero también fueron innovadoras.
Igual que en décadas anteriores...
de los 70 en adelante...
el mejor cine dentro de la corriente dominante hizo cosas nuevas.
Para ver cómo, empecemos aquí, en Hong Kong.
Menos de un siglo atrás, este era el aspecto de la ciudad.
Ahora es este.
Salvo Nueva York, no existe ciudad más filmada.
Durante 40 años Hong Kong fue una especie de campo de refugiados...
ciudad de paso y comodín capitalista para cineastas chinos...
que huían de Mao, del nacionalismo del Kuomintang...
de la censura o de la seriedad.
Aquí dominaban producciones de bajo coste...
que miraban mucho el dinero.
Quizá se le pueda llamar "cine del migrante".
Películas hechas por aquellos que sabían qué aceleraba el pulso...
a la gente en otros países, para ganar así dinero rápido.
Quizá esta anciana pueda recordar la primera época dorada...
del cine de Hong Kong: Los años 50.
Fue una fiebre del oro. El emperador de aquellos tiempos...
el Louis B. Mayer de Hong Kong, fue Run Run Shaw.
En 1957 vino aquí...
compró 46 acres de esta tierra a 45 centavos el pie cuadrado...
y construyó el estudio privado de cine más grande del mundo.
La Shaw Brothers empleaba...
a 1400 trabajadores en 25 departamentos.
Estos edificios eran las fábricas de sueños de Asia.
Las leyendas de los 4000 años de historia de China...
se representaron aquí.
Ver el logotipo de la Shaw Brothers...
una seda naranja fruncida en perspectiva...
acompañada de una fanfarria...
significaba ser transportado a otro mundo.
A un mundo de los años 50 como este...
femenino, rodado en estudio, muy colorido, musical...
y con perfectos árboles y ropas.
Pero entonces, este hombre de azul, King Hu, se convirtió en director...
y cambió el mundo del cine de Hong Kong...
de lo femenino a esto.
Vistas más amplias, más agresivo...
más rápido, cámaras y espadas silbantes...
Cada movimiento, calculado.
Grácil.
Un cine diseñado exquisitamente.
Si a John Ford le hubieran gustado el budismo...
el ballet y la gravedad cero...
quizá habría hecho películas como las de King Hu.
Los estilos de combate conocidos como kung-fu...
se habían apoderado del cine de Hong Kong.
Se dice que en el 500 d. C. Bodhidharma...
un monje budista de la India, llegó al templo de Shaolin en China.
Miró a una pared durante 9 años sin hablar.
Luego enseñó técnicas de respiración y meditación budistas a los monjes.
La idea cuajó. Se convirtió en un nuevo arte marcial...
transmitido de maestro a pupilo.
La lealtad y la disciplina eran indispensables.
Se extendió por toda Asia.
El templo de Shaolin fue destruido en 1674.
Los monjes supervivientes formaron sociedades secretas.
Se convirtieron en espadachines y se contaban historias sobre ellos.
Se forjaron fábulas.
Los mitos se convirtieron en leyendas épicas...
románticas o sobrenaturales.
Era de suponer que tales leyendas llegarían al cine...
como ocurrió con el mito del Salvaje Oeste en EEUU.
Así fue, y de ese modo nació el cine kung-fu.
Pero A Touch of Zen de King Hu...
no es una película kung-fu más.
Empieza pareciéndose a una cinta de acción...
ambientada en una aldea durante la dinastía Ming...
pero luego se convierte en una historia de fantasmas...
y después en una ensoñación.
La luz del Sol corta como una espada.
Suena como el acero.
Los monjes budistas levitan.
Una película sobre la sociedad...
se convierte en una sobre lo trascendental.
Era cine de acción en su grado más innovador.
La osadía de King Hu cambió la historia del cine.
La mayoría de los directores asiáticos lo reverencian.
Tigre y dragón, del director taiwanés Ang Lee...
fue un homenaje a él.
Tiene una pelea saltarina...
en un bosque de bambú tan estilizada y hermosa como esta.
King Hu volvió un poco más masculino al cine de Hong Kong de los 60...
pero en los 70 llegó él:
El dragón furioso del cine de Hong Kong.
El estilo de lucha de Bruce Lee tenía más ataques, sudor y furia.
La furia procedía de las tramas...
pero también de la vida privada de Lee.
Había sufrido el racismo y quería venganza.
Hay rabia real en el rostro de Lee.
Su cuerpo, filmado a cámara lenta...
tenía su propia clase de hiperrealismo muscular.
El director hongkonés Stanley Kwan ve el cambio hacia la masculinidad...
como parte de una tendencia mayor.
Durante los 60, la estructura...
de la economía de Hong Kong cambió.
El aumento de las industrias manufactureras y ligeras permitió...
a las mujeres asumir roles que tradicionalmente no eran suyos.
Abandonaron la vida doméstica para trabajar en fábricas.
Podían gastar dinero.
Se enriquecieron.
Estas mujeres que trabajaban en oficinas y fábricas...
siempre admiraron el glamour.
Les gustaban los musicales porque querían ser...
esas heroínas que cantaban y bailaban en las películas.
Querían formar parte de historias de amor.
Con la llegada de los 70, la economía hongkonesa despuntó.
Había un público más joven.
Si a los padres les sobraba dinero, dejaban que sus hijos...
fueran al cine a ver una película.
Así que gente más joven iba al cine.
Shaw Brothers, un estudio muy grande...
hizo películas de muchos tipos...
y, al final, destacaron películas con más músculos...
sobre camaradería masculina al estilo de las de Chang Cheh.
Esta nueva tendencia estaba relacionada...
con la disminución de la edad del público.
Pero con todo el dinamismo de las películas de Bruce Lee...
si las observamos con detenimiento...
veremos que, aunque él era rápido y furioso...
la cámara era todo lo contrario.
Grababa la acción pacientemente.
Se mantenía fuera de la pelea.
No había mucha edición en las películas hongkonesas de los 70.
Las imágenes eran estables y amplias.
Entonces, en 1986, llegó esto.
Estamos en el mundo de las triadas hongkonesas...
que dirigen el mercado negro.
Ropa de los 80...
sexo, hedonismo.
Una bulliciosa comida.
Otra historia sobre camaradería masculina, lealtad y traición.
Sin embargo, lo realmente nuevo era el estilo de la película.
Influenciado por las obras de Kurosawa y Sam Peckinpah...
el director John Woo filmaba tiroteos con varias cámaras...
algunas de ellas en movimiento...
y ralentizaba la acción.
Algunos llamaban a esto "la estética de la mirada".
Las escenas eran divididas en fragmentos.
Pronto aparecieron secuelas.
Nació un ciclo de gánsteres heroicos y amorales.
En Hollywood no pasó inadvertido un cine tan intenso...
o taquillas de esta magnitud...
así que Woo pronto estuvo en EEUU...
dirigiendo a Jean-Claude Van Damme y después, Misión imposible 2.
La imagen de Hong Kong había cambiado.
Los nuevos sistemas de edición no lineal...
y el genial ojo de John Woo fueron los responsables.
Pero echando la vista atrás...
hubo otras razones para el nuevo dinamismo de Hong Kong.
La primera es este hombre.
El maestro Yuen Woo Ping...
que empezó a hacer películas en los 70.
Observen esta escena de lucha del final de The Iron Monkey...
que dirigió y coreografió.
Los planos cambian tan rápido como en una película de John Woo...
y los ángulos de cámara son igual de numerosos.
Pero lo que pasaba delante de la cámara, la pelea...
estaba a su vez coreografiado.
Mientras que los pies de Bruce Lee se mantenían firmes en el suelo...
el maestro Yuen, cogiendo ideas de King Hu y de la Ópera de Pekín...
hacía girar a sus personajes en el aire.
Mientras luchan, deben sentir el espacio a su alrededor...
y luego decidir sobre qué poste balancearse...
o si volar hacia otro.
Para mí esto es kung-fu en su nivel más sofisticado...
porque lo que importa es sentir.
Fue difícil diseñar los movimientos...
porque había fuego en la base de los postes...
y también los actores luchaban...
saltando de uno a otro.
Así que necesitamos mucho tiempo para ensayar.
A veces usábamos cables para ayudar...
a los actores a golpear en el punto preciso.
Pocas veces uso un guion gráfico.
Mientras leo el guion, las ideas...
se forman despacio en mi mente.
No aparecen todas de golpe...
sigo pensando mientras duermo o como...
e incluso cuando voy al baño.
Me lleva mucho tiempo.
Por supuesto, la innovación de Yuen impresionó a Hollywood.
En esta ocasión...
fueron los hermanos Wachowski quienes lo llamaron.
Planeaban hacer una película llamada Matrix.
Mi labor fue completamente diferente.
Cuando el director habló conmigo...
me dijo que quería imbuir las secuencias de efectos especiales...
con técnicas de kung-fu chinas y hongkonesas...
para darles un aspecto totalmente nuevo.
Podemos ver la influencia del maestro Yuen en esta escena.
Voy a disfrutar viendo cómo muere...
Sr. Anderson.
Vemos el cine que desafía la gravedad de Hong Kong...
el uso de los pies para el combate de Bruce Lee...
y los rápidos y constantes puñetazos del kung-fu.
Encontré esta idea novedosa.
Debíamos desarrollar nuevas técnicas.
Fue una experiencia nueva para mí...
por el modo en que estaba diseñada la película.
Primero...
estudié las demos hechas por ordenador...
y a partir de ahí...
me hice una idea de los movimientos reales.
Esa es la diferencia.
Lo más difícil fue...
que ninguno de los actores sabía kung-fu...
ni siquiera sabían usar los puños.
Eso dificultó mucho las cosas.
Me llevó cuatro meses entrenarlos.
En primer lugar...
diseñé los movimientos de cada escena...
luego les enseñé a hacer cada uno de esos movimientos.
Los efectos especiales...
estaban ya todos diseñados para entonces...
así que usé cables para ayudarlos a hacer los movimientos.
El director me dice lo que quiere...
como la personalidad que debe tener cierto personaje.
Basándome en eso, diseño la acción relevante.
En Hollywood es diferente. Todo está preestablecido.
El guion gráfico está fijado y tienes que seguirlo.
Salvo que...
a veces, cuando creo que algo es mejorable...
hablo con el director y lo arreglo.
En general, tengo más libertad haciendo películas en Hong Kong.
Esa libertad me permite ser más creativo.
John Woo y el maestro Yuen fueron innovadores clave...
en el cine de Hong Kong después de los 70...
pero este hombre es más importante para la historia que aquellos dos.
Tsui Hark es el Steven Spielberg de Hong Kong.
Produjo Un mañana mejor y The Iron Monkey...
controló la edición de ambas...
y ha dirigido 44 películas.
Observen esta escena...
de su filme Érase una vez en China.
Jet Li encarna a un legendario maestro de kung-fu.
Los europeos y los americanos están invadiendo China.
La historia necesita que el personaje de Lee...
registre que el enemigo avanza por mar...
y también que conozca a la mujer occidentalizada...
que lo intrigará durante buena parte de la película.
La escena podría haberse representado de modo simple...
pero Tsui Hark pone a Lee arreglando un tejado.
Ve a la mujer porque se ha resbalado en el techo.
La observa por primera vez desde un dramático ángulo picado.
Tsui lo filma desde el ángulo contrapicado de ella.
No es un primer encuentro normal.
Pero entonces el director orquesta una bufonada.
Dos cubos de pegamento o pintura empiezan a caer.
Lee cae también...
pero a una cámara lenta propia de John Woo o Sam Peckinpah...
y girando, simplemente porque sí.
Golpea el suelo también a cámara lenta.
El cubo de pegamento remata el chiste.
Y luego el otro.
No había razón para representar una escena tan pequeña...
como si fuera un tiroteo...
con más de 25 planos, con 5 habría bastado.
Observen esta escena de Dragon Inn.
Maggie Cheung regenta una posada en el desierto.
Es molestada por Brigitte Lin.
Eres guapa.
Pelean.
Y de qué manera.
Es como si hubiera un torbellino en la habitación.
Baile y erotismo.
Gracilidad y, por supuesto, giros.
Tú también.
Tsui Hark produjo y tuvo una fuerte influencia sobre esta película.
Su hiperactividad como persona...
crea cine hiperactivo...
e innovador.
Tsui Hark hizo que el cine de Hong Kong de los 90 girase.
Muchos de sus taquillazos dieron paso a sus propias secuelas.
La propia Dragon Inn era el remake de una cinta de King Hu.
Todo iba en círculos.
Un hervidor a fuego lento...
era una imagen clave...
en las tranquilas películas asiáticas de los años 30.
En el cine de Hong Kong, el agua hervía intensamente.
Desde el cine soviético de los años 20...
el espacio cinematográfico no había estado tan fragmentado.
Ni desde los 50 las emociones habían estado tan a flor de piel.
¿Y qué fue de Shaw Brothers...
donde se inició el cine hongkonés dominante?
Este es su nuevo y enorme estudio en las colinas de Hong Kong.
Es de última generación y construido con caucho...
para insonorizarlo.
Hollywood, prepárate.
Prepárate bien.
Pero este sitio está casi vacío.
Los hongkoneses recuerdan con envidia...
los días de Bruce, cuando sus películas golpearon de lleno...
al cine del mundo.
Mientras que el cine hongkonés...
parecía volverse masculino y frenético en los 70...
el cine indio dominante...
lo que se conoce en Occidente como Bollywood, creció en escala...
pero también en inventiva.
India, con toda su luminosidad fotogénica...
sin hacer ruido había construido...
la industria cinematográfica más grande del mundo.
Epopeyas de los 60 como esta...
Mughal-E-Azam, recaudó más en taquilla...
que Sonrisas y lágrimas en Occidente.
Una bailarina entra en la sala del trono.
Es una escena centelleante llena de espejos.
Este es el príncipe heredero que se casará con ella.
El director, K. Asif, quiso hacer la película en color, pero no pudo.
Pero recientemente se le ha dado color.
Un proceso que ha sido despreciado, pero observen los resultados.
Rosa y pistacho.
Madreperla.
En la década de los 70...
los adornos de Bollywood se hicieron más grandes y más brillantes.
Solo en 1971, India produjo 433 películas.
Al menos tantas como se hicieron en EEUU ese mismo año.
El cine de entretenimiento en hindi imperante era magnético.
La última vez que la vimos, Sharmila Tagore estaba minusvalorada...
en esta refinada obra maestra de Satyajit Ray...
donde hacía ligeros movimientos de cabeza en primeros planos.
Mírenla ahora.
Tagore es la reina de Bollywood vestida de rojo brillante.
Es una elegante Elizabeth Taylor en un vertiginoso drama musical.
La película es Mausam, del gran director y letrista Gulzar...
sin el que el cine indio de los 70 es inconcebible.
El personaje de Tagore está enamorada de este médico...
interpretado por el legendario Sanjeev Kumar.
El moderno aspecto, pelo y lápiz de ojos de Tagore...
influenció a toda una generación de mujeres indias.
Pero la vida del personaje de Tagore es trágica...
y ahí es donde aparece la innovación de Gulzar.
Muestra a Tagore y Kumar en un momento romántico...
en la ladera de una montaña.
Luego, sobre la cresta de la montaña, llega un Kumar viejo...
que se ve a sí mismo más joven y más feliz.
Pasado y presente, el gozo del amor y su dolor...
todo en la misma escena.
El cine indio era el mejor...
en esos golpes magistrales de la narración.
Nuestras películas en Bombay eran diferentes.
Las canciones, por ejemplo. Se usaban mucho las canciones.
Eran parte de la narración, por así decirlo.
Y eran siempre un poquito más...
floridas.
No eran del todo realistas...
sino que era una realidad ligeramente inventada...
por así decirlo.
Eran bastante distintas. Tenían más glamour...
más vestuarios...
más acento en la belleza, más acento en la juventud.
Y eran muy generales. Había muchas generalizaciones.
No se hacía énfasis en la procedencia de los personajes...
o la época en la que se situaban.
Siempre que hacía cine hindi...
si me llevaba más...
el decir algo o hacía una pausa más larga...
en plan burlón me decían: "No es una película de Ray...
tienes que hablar un poco más rápido y más alto".
Y, por supuesto, en bengalí era todo lo contrario...
me decían: "Esto no es Bollywood".
Claro que entonces no se le llamaba Bollywood, sino cine hindi...
para el que tienes que hacer una pausa antes de reaccionar.
Así que sí, ambas formas eran muy distintas.
Si Tagore era la reina de Bollywood, no había duda de quién era el rey...
Amitabh Bachchan.
Desde los tiempos del cine mudo de Charlie Chaplin...
las películas del mundo...
no habían cubierto a un ser humano con tanta fama.
Adoro el cine. Es el único trabajo que conozco.
Llevo en el cine más de 40 años.
El 15 de febrero de 1969 firmé mi primer contrato...
y entré en la industria del cine de la India.
Han sido 40 años y más de 150 películas.
Sigo trabajando, tengo cuatro o cinco películas en perspectiva...
y espero que haya muchas más.
Disfruto con esto.
Quería expresarme a través de un medio...
que me fuera a proyectar...
a ponerme en diferentes circunstancias, situaciones...
a darme diferentes personajes que encarnar, a vestirme...
con ropa colorida...
y a darme momentos encantadores y emociones que transmitir.
Estaba interesado en actuar...
y encontré este medio lo suficientemente atractivo...
para unirme a él y poder ejercitar estos maravillosos deseos.
Este es Bachchan encarnando a un policía honesto...
en el clásico de los 70 Zanjeer.
Zooms, imágenes congeladas, primeros planos...
fragmentos dramáticos de miedo, ira y descubrimiento.
Suenan campanas.
La música retumba. Es un torbellino de escena.
Tengo la sensación de que a finales de los 60...
y principios de los 70 había un deseo de comunicar...
ideas...
de pasar más tiempo expresando esas ideas.
La palabra escrita tenía muchísima importancia...
ya se tratara de las letras de nuestras canciones...
o de los diálogos de nuestras películas.
En los 60 y los 70 se produjo...
el comienzo de una especie de agitación...
en la juventud del país.
No estaban contentos con la forma...
en que funcionaba el sistema y creían necesitar un justiciero...
o que de repente apareciera una fuerza, asumiera el mando...
y resolviera sus problemas.
Y todas eran historias...
de una persona que salía virtualmente de los barrios bajos...
y acaba luchando contra el sistema sin ayuda de nadie...
haciéndose cargo de las cosas, alzando su voz contra el sistema...
y corrigiéndolo a su manera, por decirlo así...
y convirtiéndose en un gran héroe.
Bachchan interpreta al héroe en este filme: Sholay...
el innovador coloso del cine de los 70.
Los créditos ocupan toda la pantalla como en una superproducción.
El paisaje es como de un western.
La música es como de una película de aventuras.
Sholay era todas esas cosas.
Fue la más grande película de Bollywood de su tiempo...
y una de las más influyentes de la historia del cine.
El coautor del guion fue este hombre...
Javed Akhtar, el gran poeta urdu y guionista...
que intentó capturar el espíritu de sus tiempos en su guion.
De hecho, los 70 fueron en cierto modo una época traumática.
Toda la psique tras la división...
quiero decir, tras la independencia, estaba cambiando por primera vez.
En el 47 la India se independizó.
Conseguimos la democracia...
una constitución impecable...
secularismo, libertad de expresión, etcétera.
Empezamos a creer que la prosperidad estaría...
en la siguiente página del calendario...
y todas las soluciones a la vuelta de la esquina.
Pero para cuando llegamos a los 70 nos dimos cuenta de que no era así.
En ese momento...
todo, el idealismo, se desmorona.
Cuando el idealismo se desmorona, el arte tiene problemas.
El arte sufre una especie de trauma que se refleja en la poesía...
las historias cortas, las novelas, el teatro...
Y también se refleja en el cine comercial imperante.
Se vio emerger a un hombre joven enfadado.
Este hombre era un justiciero.
Este hombre creía que "tienes que cuidar de ti mismo".
Esta clase de creencia se desarrolla...
en momentos en los que la gente corriente sentía...
que quizá las instituciones no la iban a ayudar.
Sholay capturó el espíritu de su tiempo tan bien...
que tuvo un enorme éxito en taquilla...
y fue proyectada en este cine durante siete años.
Esta escena es el núcleo dramático de la película.
La familia de un policía es brutalmente tiroteada.
Fotogramas congelados, cámara lenta.
El chirrido de un columpio.
Este trauma electriza la película e impulsa sus emociones operísticas:
La necesidad de venganza del policía.
Este es el asesino...
uno de los personajes más psicóticos del cine.
Si Sholay se parece a Los siete magníficos...
o a Hasta que llegó su hora de Sergio Leone...
es porque se inspira en ambas. Está llena de ideas...
y convenciones copiadas de otras películas.
Seguro que ha visto a niños jugar con una cuerda y un guijarro.
Atan la cuerda al guijarro y empiezan a hacerla girar...
por encima de la cabeza. Poco a poco van soltando la cuerda...
y empieza a hacer círculos cada vez más grandes.
Este guijarro es la sublevación contra la tradición...
quiere alejarse...
pero la cuerda es la tradición, la continuidad...
que lo sujeta, pero si cortas la cuerda...
el guijarro se caerá.
Si quitas el guijarro, la cuerda ya no puede llegar tan lejos.
Esta tensión entre la tradición y la sublevación...
contra la tradición...
son, en cierto modo, contradictorias, pero en definitiva...
son una síntesis.
La síntesis de la tradición y la sublevación contra la tradición...
siempre estarán juntas en cualquier buen arte.
La sublevación de Sholay...
está en sus cambios de tono innovadores y valientes.
Bachchan, que aquí va en el sidecar, hace de bandido...
que es contratado por el policía para vengar la muerte de su familia...
pero la película encuentra sitio para esta famosa escena musical.
Bachchan y su amigo cantan bajo el sol despreocupados...
en una carretera despejada.
El movimiento es constante. Se celebra la amistad.
Un minuto es un musical ligero entre amigos.
Al otro tenemos lo que parece una gran producción hollywoodiense...
para el festival del color...
con polvo púrpura en el aire y una cámara en la noria y el tiovivo.
Pero este éxtasis de pronto es borrado con una explosión.
Percusión acelerada.
Acción frenética.
Ahora miren esta escena cerca del final.
El asesino obliga a la descarada novia del compinche de Bachchan...
a bailar por la vida de su novio.
Para añadir intensidad...
hace que esparzan cristales rotos bajo sus pies.
Ningún musical de Hollywood, ni siquiera los oscuros...
como Cabaret o New York, New York de Scorsese...
se habían atrevido a rodar una escena de baile tan sombría.
Sholay mezcla a Chaplin y a Leone con los musicales de Cliff Richard...
y el cine de terror.
Lo de que en Sholay llegaran los policías...
y se hicieran cargo de todo en realidad fue una modificación.
Si hubiéramos seguido...
según la idea original del guion, habríamos tenido a Sanjeev Kumar...
que había perdido sus manos y que era Thakur...
logrando su venganza con la ayuda de estos dos individuos...
y ese era el final de la historia.
Pero al final teníamos que mostrar...
que la ley está por encima de todo y tiene que actuar.
Muchas de las películas...
reestructuraban el modo en que contaban sus historias...
o añadían algo al final para que se viera a los policías llegar...
después de que todo hubiera acabado...
después de tres horas de drama y emoción...
llegaran, se hicieran cargo y dijeran:
"Ahora están en manos de la ley".
Sé por lo que ha pasado...
pero no lo olvide, usted ha sido un oficial de policía...
y aún es un ejemplo para otros.
Sholay se ha convertido en una especie de punto de inflexión...
en una especie de hito del cine indio...
pero déjeme decirle, piense en una película...
en el mundo...
que tenga tantos personajes inolvidables.
Bueno, los hay en El padrino...
se recuerdan muchos personajes de La guerra de las galaxias...
se recuerdan ciertos personajes de Lo que el viento se llevó...
pero no al nivel de Sholay.
Sholay se estrenó en 1975, ya son 34 años.
Los grandes intérpretes, los grandes personajes...
que aparecían en una escena han sido caricaturizados...
y usados en anuncios 34 años después.
Sholay puede presumir de al menos 10 personajes inolvidables.
En cierto modo, Sholay es Bollywood...
porque, como dice Bachchan...
Solía preguntarle a mi padre...
que ya ha fallecido...
que fue a su vez un gran poeta y literato:
"¿Qué tiene el cine indio...
que lo hace tan interesante y tan emocionante?".
Y él decía: "Lo más emocionante del cine indio...
es que puedes tener justicia poética en tres horas".
A veces no obtienes justicia poética en toda una vida.
Esa es su parte más atractiva.
El cine indio ofrece justicia poética en tres horas.
Bollywood era tremendamente popular en Oriente Medio...
y en el norte de África también, pero los cineastas árabes...
no evitaban el popular cine épico de los 70.
Como ejemplo, esta película Mahoma, el mensajero de Dios...
quizá vista por tanta gente...
como cualquier otra película de la historia del cine.
Parece una epopeya bíblica convencional...
y en ciertos aspectos lo es.
Llevó cuatro meses construir los escenarios...
llenar de gente las escenas, hacer el vestuario y demás.
Pero por ejemplo, observen este plano panorámico.
Tenemos que defendernos nosotros mismos.
Tú eres el mensajero de Dios...
y aún así ellos se burlan...
y abusan de nosotros, nos saquean y no hacemos nada.
Nuestro bagaje de guerra es patético.
El actor americano Anthony Quinn habla directamente a cámara.
Sé cuánto odias la espada...
pero tenemos que combatirlos.
Luego, se marcha.
Han robado nuestras pertenencias.
Esperamos un cambio de plano para ver a la persona con la que habla...
pero no se produce.
Yo digo, por Dios, ¡recuperémoslas!
En vez de eso, la cámara se levanta y camina hacia él.
No vemos u oímos a esa persona porque el personaje de Quinn...
le está hablando al profeta Mahoma, su sobrino...
no después de que ascendiera al paraíso...
sino mientras aún está en la Tierra.
El islam no permite que se represente al profeta...
así que el más visual de los medios, el cine...
se niega a retratarlo.
Combátelos.
El cineasta Moustapha Akkad incluso deja vacíos en la pista de audio...
donde debería ir la voz de Mahoma.
Akkad rodó la película también en árabe...
con Abdallah Gheith en el papel del tío.
Akkad podría simplemente haber doblado la película al árabe...
para su público en ese idioma, pero no lo hizo.
Creía que los estilos de actuación árabe y occidental...
son tan distintos que debía hacer dos versiones.
Aquí se ve al director Akkad ir de la sala de edición...
en lengua inglesa a la de árabe.
Las imágenes del documental muestran...
que era un hombre calmado y trabajador en los 70...
y hacía varias cosas a la vez.
Akkad posteriormente produjo la famosa saga de terror Halloween.
Él y su hija fueron asesinados por Al Qaeda...
en un ataque suicida con bomba a un hotel de Jordania en 2005.
En Egipto, el director pionero Youssef Chahine...
era populista y estaba enfadado en los 70.
¿Soy el Tercer Mundo?
No, lo eres tú.
El Tercer Mundo, madre mía, llevamos aquí 7000 años...
y hemos demostrado que éramos civilizados...
hace 7000 años.
¿Estamos tan subdesarrollados?
Eso no es civilización. Civilización es...
cómo conectas con otra gente.
¿Sabes amar?
¿Sabes preocuparte por otros?
Eso es civilización.
Si aquí vas a casa de alguien muy pobre...
y no tiene nada que darte...
irá a pedirle una hogaza de pan a su vecino...
y te la ofrecerá.
En Europa puedes desmayarte y caer muerto en la calle...
y la gente simplemente pasaría de largo...
y no le importaría un pimiento.
Tenemos que saber qué significa la palabra "civilización"...
y luego podemos decir "Primer Mundo" o "Tercer Mundo".
Si aún eres un salvaje...
no me refiero a ti personalmente, me gustan los irlandeses.
No podemos esconder...
la verdad de nosotros mismos...
hemos sufrido una derrota terrible.
El filme de Chahine, The Sparrow, es un impactante relato...
de un momento terrible en la historia árabe.
El presidente egipcio, Nasser, anuncia en televisión que Egipto...
ha perdido territorio ante Israel en la Guerra de los Seis Días.
Chahine filma a sus actores siguiendo el mensaje.
Hay consternación.
...aunque...
esto requerirá...
Acerca la cámara para captar la emoción, la conmoción.
Dios mío, hemos sido derrotados y no lo sabía.
...y esfuerzo desinteresado.
Ella es Bahiya, la dueña de la casa...
donde la gente se ha reunido para ver la televisión.
He decidido dimitir irrevocablemente.
¡Yo, Bahiya, digo que no!
En el famoso final de Chahine, Bahiya sale corriendo a la calle.
Chahine la sigue delante de ella.
Se abren las ventanas.
La desesperación se desborda...
y se convierte en un sentimiento colectivo.
¡Lucharemos, lucharemos!
Moriremos para que Egipto pueda vivir.
¿Quién ha sacado a la gente a la calle?
¿No son nuestra gente?
¿Quiénes son? ¿Quiénes?
Es uno de los momentos más famosos del cine árabe.
Larga vida a Egipto.
¿A dónde vas?
Aún queríamos hacerlo parecer una victoria.
Así que quise mostrar a la gente real...
a la que salió a las calles.
Larga vida a Egipto.
Esta entrevista se hizo cinco años antes de la revolución en Egipto...
que echó del poder a Hosni Mubarak, pero Chahine parece preverlo.
Tienes que... odio la palabra...
no profetizar...
sino que tienes que predecir...
qué va a pasar...
en vista de todos los factores que observas a tu alrededor.
Especialmente económicos, en la actualidad.
La cosa está muy mal...
y la autoridad es siempre muy violenta.
Así que decidí que compraría unas varas muy duras...
preferiblemente en Irán...
y se las daría a la universidad como regalo.
Me refiero a que los estudiantes salen desarmados...
con lo que siempre los derrotan.
A veces tienes que decir que no...
de lo contrario las personas se vuelven testarudas...
y se creen semidioses como Mugabe...
o Gadafi.
O nuestra propia gente.
Las películas hongkonesas, indias y árabes...
asombraron al público de los años 70 en adelante...
pero algo pasó en el cine americano que lo cambió todo.
Una película sobre un tiburón...
recaudó 260 millones de dólares en las taquillas de EEUU.
Una película aterradora sobre una chica poseída por el demonio...
consiguió 200 millones.
Una película de ciencia ficción sobre las fuerzas del bien...
y el malvado Darth Vader...
destrozaron todos los récords obteniendo casi 500 millones.
El cine estaba en una montaña rusa.
Nunca antes había habido cifras como estas.
El exorcista, Tiburón y La guerra de las galaxias...
cambiaron el cine de EEUU y luego el del mundo.
Los productores empezaron a hacer películas sobre cosas...
que la gente soñaba con ver: El demonio, un tiburón monstruoso...
naves espaciales, dinosaurios, el hundimiento del Titanic...
Al igual que en los inicios del cine...
la promesa de sensaciones fuertes y emociones...
volvió a atraer a la gente a los cines.
Esto se llegó a conocer en Hollywood como "reclamo"...
lo que la cultura reclama ver.
Se construyeron nuevas salas...
llamadas multicines.
Había comenzado la era de los éxitos de taquilla.
Aquí tenemos El exorcista.
Estamos en un hogar de clase media creíble. La madre va bien vestida.
¿Sale, Lily?
Sí, eso creo.
Tienen asistenta.
Y entonces, el grito del mal.
Una toma con objetivo de gran angular capta la carrera de pánico.
Luego pasa esto.
La innovación del director William Friedkin...
fue abofetear al cine de terror con realismo.
El exorcista cuenta la historia de una adolescente...
poseída por el demonio.
La voz del demonio era gutural, como de fumador, y flemosa.
Friedkin contrató para hacerla...
a la brillante actriz Mercedes MacCambridge.
Y yo soy el demonio.
Ahora, por favor, suelta estas correas.
Tenía la sensación de que si podía transformarme...
en una entidad, no en una voz...
Me saca de quicio que la gente me diga:
"Tú eras la voz en El exorcista". No.
Me esforcé mucho por crear un personaje, un demonio...
a Lucifer.
Era parte de la película.
Para aumentar el realismo del sonido...
MacCambridge tragó huevos crudos, fumó cigarrillos y se emborrachó...
para hacer que su voz bronquial sonara balbuceante y emocional.
Hicieron tiras una sábana y me ataron...
las manos, las rodillas, los pies, el cuello.
Mira lo que pasa con tu voz.
Es lo que pasa cuando no eres libre.
Ahora solo puedo hacerlo sujetándome las manos detrás de mí.
¡Hijo de puta!
Es una de las más innovadoras interpretaciones vocales...
de la historia del cine...
pero Friedkin presionó mucho a otros actores también.
Abofeteó al que hacía de sacerdote bueno y acto seguido...
filmó su temblorosa respuesta.
Pero también usó técnicas tradicionales.
Afirmó: "Quiero contar una historia simple...
de principio a fin, sin memeces".
Aprendió este planteamiento, sobre todo...
del veterano director Howard Hawks.
Él salía con la hija de Hawks.
La gente hacía enormes colas para ver la película...
y poner a prueba su resistencia como harían con una montaña rusa.
Es tremenda.
Me ha conmocionado.
Asquerosa.
No llevaría a mi esposa a verla.
Me ha parecido horrorosa, tuve que salirme.
No aguantaba más.
La reacción en EEUU por lo que sabemos ha sido histérica.
Hay testimonios de desmayos entre el público...
de gente vomitándose encima, de gritos.
Lo normal en estas películas de terror...
en las que te devuelven el dinero si no aguantas toda la sesión.
Se hizo un documental en EEUU...
sobre la reacción de este público frente a El exorcista.
No era elaborado como un programa de la televisión...
era básico y artesanal, como El exorcista...
y capturó el pánico de la gente desmayándose de verdad.
"Le estoy tomando el pulso a EEUU", dijo Friedkin.
Estas palabras mataron la complejidad del nuevo Hollywood.
También podían haber sido pronunciadas por este hombre...
a quien la revista Time llamó...
"el director más influyente de la historia del cine".
Steven Spielberg había hecho películas amateur desde muy joven.
Esta película influyó en él más que el cine europeo.
Ve.
Yo te libero, Dorinda.
Voy a dejar vacante tu corazón.
Adiós.
Adiós, mi amor.
El piloto se despide de su amada...
porque lo han matado en la guerra.
Debe verla enamorarse de otro hombre.
Una famosa película romántica de Hollywood...
en un blanco y negro suave, mística, con mucho corazón...
y emociones sin reparos que conmovió al joven Spielberg.
"En verdad fui un producto del sistema", declaró más tarde.
Tiburón fue un innovador fruto del sistema.
Nos encontramos en el mar...
intentando capturar a un tiburón asesino.
La cámara está cerca del agua...
y capta el movimiento del mar.
A la izquierda, un científico extraño.
El pescador del centro es un mordaz lobo de mar.
A la derecha, el jefe de policía parece enfermo.
- ¿Quién lleva el barco? - Nadie. La marea.
Tres hombres muy distintos comparten el mismo plano...
como en Río Bravo de Howard Hawks.
Habría sido más fácil rodar en un tanque en un estudio...
pero Spielberg, como Friedkin, quería realismo.
Hizo que el científico aplastara un vaso de polietileno...
para burlarse del macho que aplasta la lata de cerveza.
En las entrevistas, Spielberg habla tan vivazmente...
como Alfred Hitchcock acerca del punto de vista y la unidad...
de sus tomas en Tiburón.
Captura la noción de que primero se te ocurre una idea visual...
luego trabajas en ella y la mejoras usando colores y lentes.
La muerte del niño pequeño y toda la paranoia, tensión y suspense...
que preceden al verdadero ataque, cuando está en el flotador...
en mi mente quería hacerla en un plano.
E intentando concebir...
en un mundo perfecto, cómo podía hacer eso en un plano sostenido.
Se me ocurrió...
tener bañistas con trajes de baño de diferentes colores caminando...
delante de la cámara...
que borrarían a Roy Scheider...
y el mismo color a la inversa, moviéndose en dirección opuesta...
haría entrar lo que estaba mirando.
Lo que, aunque no fuera un solo plano...
daría una sensación de mayor unidad...
y un punto de vista mucho más claro...
que te permitiría saber quién mira a quién...
de que todo debe de ser el punto de vista del jefe de policía.
La escena está centrada en él, en sus reacciones...
no en el niño que muere...
sino en el jefe de policía...
su miedo al agua, su principal responsabilidad...
que es proteger al público, en su miedo de que haya un tiburón...
y él sabe que está ahí...
pero la gente va a nadar de todos modos.
¿Has visto eso?
Acerca la cámara y aleja el fondo de la imagen...
para crear esta escena mareante de cambio de perspectiva visual.
Como hizo Hitchcock en Vértigo.
Esta escena de Encuentros en la tercera fase...
muestra la firma cinematográfica de Spielberg:
El sobrecogimiento y la revelación.
Plano amplio y una cámara que se acerca a las personas...
que miran algo a través del parabrisas.
Queremos ver lo mismo que ellos...
pero Spielberg no lo muestra.
Por el contrario, la tensión de la escena aumenta.
Salen del coche y los seguimos.
Entonces, la música se intensifica.
Y esta es la de Parque Jurásico.
Otra vez, el personaje observa y se quita las gafas para ver mejor.
Alan, esta especie de vermiforme lleva extinguida...
desde el periodo cretácico.
¿Qué?
Y otra vez.
Salen del coche para ver aún mejor.
Luego la cámara se eleva, igual que la música.
Es una clase magistral en puntos de vista, en el deseo de ver.
A Spielberg no le interesaba mucho con qué soñaban las élites urbanas.
Su mundo era el de los barrios residenciales...
de padres ausentes y de desvalidos que se encuentran con lo sublime.
Le sacó brillo lo mejor que pudo al cine imperante, y se convirtió...
en el director romántico más exitoso de la historia del cine.
Menos de 30 meses después de Tiburón...
La guerra de las galaxias casi dobló sus ingresos por taquilla.
La película comienza como un cuento de hadas:
"Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana...".
Las letras penetran hacia atrás en el espacio profundo.
La banda sonora, grabada en el relativamente nuevo formato...
Dolby Stereo, parece también surgir del espacio profundo.
Hacía que la sala de cine pareciera temblar.
Los modelos de naves espaciales pasaban deslizándose...
por unas lentes de un angular tan grande que también se sumergían...
en la perspectiva y se veían enormes.
Los movimientos de la cámara estaban programados por ordenador.
Luego, la película nos presenta a Luke...
que se convertirá en caballero y salvará el universo.
Estamos en el reino del mito y el diseño de la película lo evoca.
Los interiores parecen cuevas, cocinas o naves espaciales.
Hay rumores de una fuerza mística. Luke viste como un samurái.
Conocemos a dos robots...
uno pequeño y otro grande, una Extraña pareja metálica.
Vemos un mensaje proyectado ópticamente...
de una princesa que pide ayuda.
Oímos hablar de un malvado emperador...
en el que el director George Lucas veía...
al avergonzado presidente de los EEUU Richard Nixon.
Este es el argumento más absurdo que hemos oído hasta ahora...
en la historia del cine...
pero aún así la película engancha.
En parte porque recoge muchas cosas de obras precedentes.
El dúo robótico estaba inspirado...
en dos graciosos personajes de La fortaleza escondida...
de Akira Kurosawa.
Al igual que los barridos de pantalla con bordes suavizados.
Las lanzas en la película de Kurosawa...
se convirtieron en los sables de luz en la de Lucas.
Los malos se filmaron...
en una forma que recordaba...
a la película de Leni Riefenstahl El triunfo de la voluntad.
En el clímax de La guerra de las galaxias...
Luke ataca la Estrella de la muerte.
Lucas hace que la cámara se hunda hacia adelante...
como en un viaje fantasmal del cine mudo.
Hay constantes cambios de plano. La música retumba en oleadas.
Luke usa un ordenador para encontrar su objetivo...
pero entonces oye la voz de su gurú, Ben Kenobi...
que le dice que use su intuición.
Utiliza la fuerza, Luke.
Adelante, Luke.
Su fuerza es muy intensa.
Confía en mí.
Entonces Luke aparta su ordenador...
justo aquello que la película ayudó a introducir en el cine.
En ese momento el caballero...
el héroe, aprende a sentir más que a pensar.
Lo que, en cierto modo...
es lo que le pasó al cine americano de los 70.
Quizá la generación del baby boom se cansó del activismo...
del cambio, de las nuevas formas de arte...
y quería desconectar un rato.
Quizá querían empacharse con sables de luz...
con "la fuerza" y con las naves espaciales.
Los seguidores de Bruce Lee, los amantes del cine indio...
y el público árabe de los 70 en adelante...
también se enamoraron de un cine de sensaciones...
más que de contemplación.
Al final de la década, los americanos votaron a un actor...
llamado Ronald Reagan para que fuera el presidente de EEUU...
y los chinos en los 80 protestaron en la Plaza de Tiananmen.
Lo que vino después fue emocionante. Los cineastas sacaron sus pancartas.
Los 80 fueron los años de protesta del cine.