Del 2000 en Adelante
El Cine Completa el Círculo
Y el Futuro de las Películas
El Siglo 21 llegó y las películas lo mostraron.
La naturaleza seguía siendo bella...
y las ciudades aún más.
En esos años, hubo muchos cambios innovadores en el cine.
Lo más sorprendente, es que el montaje disminuyó...
y el "cine lento" cobró importancia.
Pero en el fondo, el cine del Siglo 21...
siguió tratando de lo que trataban los primeros filmes.
El conflicto entre sueño y realidad.
Esta es la historia de ese conflicto.
La historia comienza aquí...
con Laurel y Hardy.
Están empujando un piano por los Alpes suizos.
Un decorado y un paisaje pintado.
Sabemos que algo irá mal, siempre ocurre.
¿Pero qué? ¿Qué va a ocurrir?
Eso es lo que se plantearon los directores...
y lo que siempre se plantean.
Se estrujaban el cerebro.
Por entonces, había alguien en el rodaje llamado el "loco".
El "loco", casi siempre borracho...
se encargaba de inventar ideas extrañas.
En este caso, el "loco" sugirió que apareciera...
un gorila.
Y aquí está.
Es tonto, pero divertido.
El "loco" estaba innovando. El gorila fue su innovación.
La historia del cine es la historia de la innovación.
La historia del gorila.
Esta es una de las películas más surrealistas de Hollywood...
La venus rubia.
Estamos en un club nocturno.
Un encuadre muy saturado.
Luz cenital suave.
El tipo de iluminación que se usaba para Marlene Dietrich.
Y entonces, la revelación.
Es Marlene Dietrich.
Se quita la máscara...
y los brillos del vestido se suavizan...
por el filtro difusor de la lente.
Hollywood en su etapa más juguetona, absurda y novedosa.
Y en este nuevo milenio, ¿qué hay de nuevo en el cine?
¿Qué novedades han surgido? ¿Cuál es el gorila?
En un principio, parece que no hay ningún gorila...
que todo sigue como siempre.
El cine comenzó con este documental en 1895.
Salida de los obreros de la fábrica, en un solo plano.
Pero la gran historia del cine del Siglo 21...
es que la realidad ha vuelto.
Primero, en forma de documentales...
con un gran éxito de taquilla.
Es la primera vez que el cine de no ficción...
tiene su propio lugar en la gran pantalla.
Y eso se debe, en parte, a lo que antes estaba aquí.
Cuando las Torres Gemelas se derrumbaron, la historia comenzó.
Los videos del 11 de septiembre...
superaron a cualquier imagen del cine de Hollywood.
El cine de ficción parecía algo casi anticuado.
La realidad resultaba mucho más dramática que el escapismo.
Esta película, Fahrenheit 9/11...
se convirtió en el documental de mayor éxito de taquilla.
Contaba la historia de dos familias, llamadas Bush y Saud.
Estas son imágenes del presidente Bush...
cuando se enteró del ataque a las Torres.
Todo lo que Michael Moore hizo fue mostrar las imágenes...
y añadir un comentario y un reloj en una esquina de la pantalla...
y este se convirtió en el momento más memorable de 2004...
sobre el poder y la indecisión.
Fahrenheit 9/11 recaudó 250 millones de dólares en taquilla.
Era algo sorprendente en la historia del cine...
porque eso es lo que esta película de ficción...
El mito de Bourne, recaudó ese mismo año.
Pero si nos fijamos en ella...
resulta muy similar a un documental.
Su director procede del documental.
Los planos podían haber sido más fijos y elegantes.
Pero el tono rudo del documental...
era algo emocionante y nuevo en el Siglo 21.
El cine de ficción se apropió de él.
Los documentales siguieron en pantalla algunos años.
Esta película, Ser y tener...
que apareció un poco antes de Fahrenheit 9/11...
era el típico film contemplativo centrado en un personaje.
El curso termina en una escuela rural...
y su profesor, el Sr. López, se jubila.
Es la última vez que verá a los niños.
La cámara está a la altura de los niños, hasta que sube...
para mostrar su tristeza.
Mientras los héroes de ficción...
tienen que luchar y batirse contra el mundo...
el Sr. López se queda ahí de pie...
y aún así, fue uno de los personajes más vívidos en pantalla en 2002.
Y el film de Douglas Gordon y Philippe Parreno...
Zidane, un retrato del Siglo 21...
también un documental...
fue uno de los más innovadores de su tiempo.
Se usó un objetivo de largo alcance para rodar un partido...
pero lo importante no era el partido...
sino una presencia hipnótica y errante.
La presencia...
del futbolista Zinedine Zidane...
se convirtió en algo mítico.
Podíamos escucharle respirar...
y ver sus pensamientos, aunque no hablara.
Sabía exactamente lo que iba a suceder.
Sabía que marcaría un gol...
Fue la primera y última vez que me ocurrió eso...
A veces, su figura es tan aislada y enorme...
que, como en una película de Antonioni, aparece dispersa...
como un cuadro puntillista de los impresionistas.
Pero no fue solo con los documentales...
que la realidad volvía al Siglo 21.
Por ejemplo, esta película...
El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford...
y su fotografía, sepia, enfoque superficial.
No se intenta adornar la imagen ni que parezca del Siglo 21...
o imagen por ordenador.
El desenfoque en la parte izquierda se hizo por ordenador.
Los sonidos se amplificaron.
Pero si la forma de fotografiar este rostro nos recuerda a algo...
es al delicado fotorrealismo de un rostro como este.
Lillian Gish, con una suave iluminación.
Parece que el círculo se cierra.
¿Y hacia dónde va el realismo tras el 11 de septiembre?
Hacia una intimidad como esta.
Los Climas, uno de los filmes más innovadores del Siglo 21.
Estamos en Turquía, con un nuevo director...
Nuri Bilge Ceylan, que rodó Los climas en formato digital.
Una habitación de hotel.
La mujer en primer plano.
El sonido de gotas de agua de fondo.
Cambiamos de plano a su marido...
el propio director Ceylan.
Un enfoque superficial y el rostro oscurecido.
Unos ojos tristes...
en un encuadre similar.
Cada plano y cada enfoque elegidos cuidadosamente.
Después, la cámara enfoca y nos muestra su frente.
No hay diálogo ni música.
¿Y este plano? ¿Qué está enfocando?
Aparece una mano. En primer plano.
La cámara está más baja que la cama.
De nuevo un enfoque misterioso.
Al buscarlo, nos da la sensación de que estamos en la cama.
En la cabecera de este triste matrimonio.
Nos recuerda a los filmes tristes de Ingmar Bergman sobre matrimonios.
Luego, una luz desnuda.
Como en una película neorrealista italiana.
Y entonces se acaba lo que fuera, sexo quizá.
Uno de los mejores usos del enfoque en el cine.
El tiempo realista se mantiene quieto.
El gorila, la idea innovadora del cine del Siglo 21...
es una idea muy antigua: Que la gente real aún importa...
que el realismo tierno es bello.
Esta sinceridad se extiende de Turquía a Rumanía...
donde emergen películas nuevas y sinceras como esta.
Bienvenidos al nuevo cine rumano.
Este es el Sr. Lazarescu.
Lo seguimos durante toda la noche, de hospital en hospital.
Todos están saturados por un accidente de autobús.
Vemos cómo va empeorando.
Ahora se está muriendo.
La mujer de naranja es una auxiliar que le acompaña toda la noche.
El director, Cristi Puiu, dijo que quería rodar...
como en la serie Urgencias.
Cámara en mano, alrededor de los personajes.
Iluminación verdosa de fluorescente.
Utiliza estas técnicas para mostrar el largo viaje hasta la muerte.
Y la dignidad humana de la auxiliar.
La muerte del Sr. Lazarescu...
es una de las obras realistas más emotivas del nuevo siglo.
Muestra que estamos todos juntos en este nuevo y aterrador siglo.
El cine argentino del nuevo siglo muestra la realidad con valentía.
Esto es La mujer sin cabeza, de Lucrecia Martel.
Verónica es una dentista acomodada.
Suena el teléfono.
Ha golpeado algo.
Los accidentes de coche suelen mostrarse con un montaje rápido.
Aquí no hay nada de eso.
Verónica estaba llorando.
Suena música de rock como contrapunto.
Intenta calmarse, la cámara no se mueve...
enfoque superficial.
Y sigue conduciendo.
Vemos lo que ha golpeado.
Un momento tenso, trágico y misterioso...
que da el tono a la película.
Entonces se detiene. Seguro que tiene una contusión.
Y como veremos luego...
esconde secretos al resto de su familia y a ella misma.
La cámara, en lugar de acompañarla, se queda dentro.
Sonido de truenos, y después lluvia.
Entonces aparece ella desenfocada, sin cabeza.
Una mujer que ha perdido la cabeza.
La soledad de Verónica se muestra de forma brillante...
en esta película hechizante y sobria.
Una de las mejores películas en Sudamérica.
En México, el cine del Siglo 21...
también muestra de forma sincera al ser humano.
En esta escena...
un primer plano de una mano oscura tomando una más clara.
Luego este ángulo...
similar a la famosa pintura renacentista del Cristo de Mantegna.
Una mujer delgada, rica, privilegiada.
El hombre es su chófer, pobre, de piel oscura, gordo.
La cámara se alza.
Música de funeral.
La sala desnuda, como en un funeral.
Pasamos a una perspectiva omnisciente o a vista de pájaro.
La brecha social entre ellos es muy profunda.
La única forma de escapar de ella es el contacto...
en este caso, el sexo.
Hace un momento se han acostado...
y la cámara hacía esto, salía hacia el mundo...
en un plano secuencia con grúa de más de tres minutos.
Vemos a unos trabajadores quitando una antena.
Un hotel Marriott para turistas y gente rica.
El trasfondo de Ciudad de México.
Las desigualdades en México son de escala épica.
El director Carlos Reygadas usa esta secuencia épica...
para dramatizar la enormidad del problema, la confrontación.
El cine completa su círculo...
para mostrar esa gran distancia entre dos personas...
incluso aunque se aferren la una a la otra.
Y si este realismo del Siglo 21 no fuera bastante...
el cine coreano le dio un toque más oscuro y una extraña brutalidad.
El resultado es el nuevo cine coreano.
Ha habido buenas películas coreanas desde 1920...
y tuvo su época dorada en los 60.
Pero solo en el año 2003...
tres películas nos mostraron un cine muy atrevido.
Esta es la película Oasis, de Lee Chang Dong.
Es una fiesta familiar.
Un hombre que acaba de salir de prisión no para de hablar...
y de decir tonterías.
Es un antisocial.
Ha traído una acompañante que no estaba invitada.
La mujer en primer término, con parálisis cerebral.
La situación es muy incómoda.
Después nos enteramos de que ella es la hija...
del hombre que presuntamente él mató.
Y cuando se conocieron, él la violó.
Y aún así, estas dos personas tienen una amistad...
quizá porque ambos son rechazados por sus familias.
El nuevo cine coreano es muy transgresor.
Y este es el final de otro film coreano de 2003.
Memories of murder de Bong Joon-ho.
A finales de los 80...
un asesino en serie mató a 10 mujeres coreanas.
Una historia real que escandalizó al país.
Este policía lleva tiempo buscando al asesino.
Para el coche y se acerca a mirar por última vez...
en la zanja donde encontraron a una de las víctimas.
Un paisaje plano y desierto...
como la famosa escena de Hitchcock en Con la muerte en los talones.
La cámara subjetiva se acerca al lugar oscuro.
Algo nos recuerda al cine de David Lynch.
El túnel parece guardar el recuerdo del asesinato.
Entonces aparece una niña.
Ella nos revela que seguramente vio al asesino.
Una conversación, rodada de forma simple.
El detective lleva toda la película esperando algo así.
Ahora que ha ocurrido, es todo tan normal...
Vuelve la mirada a la cámara.
Quizá el asesino somos nosotros.
Y aún más transgresora fue esta película, Old Boy.
Estamos en un mundo oscuro y estilizado.
Este hombre ha pasado 15 años encerrado...
sin saber por qué.
Ahora ha salido y está enfadado, es algo casi cómico.
Busca venganza.
El filme está basado en un cómic manga japonés...
y eso se nota.
El hombre ha encontrado la prisión donde estuvo encerrado.
Va a golpear al guardia con un martillo.
Como en un cómic, vemos la trayectoria del martillo.
Dentro de la prisión vemos esta estupenda secuencia de lucha.
Estamos en un pasillo de la prisión.
El muro frente a nosotros desaparece.
Parece uno de esos documentales...
donde se pueden ver a los topos en sus madrigueras.
El plano está alejado...
y hace que la escena parezca una viñeta de cómic.
El protagonista se enfrenta a 14 hombres.
No parece tener muchas posibilidades.
La cámara se mantiene a distancia...
en una Dolly, no hay cámara en mano.
Esto no es el realismo de los hermanos Lumière.
El nuevo cine coreano del 2003...
estaba haciendo lo contrario al realismo...
algo estilizado, como un sueño, casi mágico.
Como esta película...
La luna a un metro de George Méliès.
Una de las primeras películas de ciencia ficción.
Es teatral, parece claramente un sueño.
Los filmes del nuevo milenio son como sueños...
además de realistas.
El gorila, la innovación del Siglo 21 son los sueños...
además del naturalismo.
La historia del cine completa de nuevo el círculo.
En la película más famosa de EEUU sobre un sueño, El mago de Oz...
una chica va más allá del arco iris...
encuentra a personas del mundo real...
golpea sus zapatos de rubí tres veces...
y descubre que "se está mejor en casa que en ningún sitio".
En la mejor película sobre un sueño del Siglo 21, Mulholland Drive...
es como si alguien soñara el sueño de El mago de Oz.
Trata de una chica, que quiere llegar tan alto como las estrellas.
A Mulholland Drive, donde viven las estrellas.
Pero se queda dormida...
y se hunde en su propia consciencia.
Dentro de su consciencia, vemos este baile en Ontario.
Cuando era joven.
Su momento de inocencia.
La gente baila swing sobre un fondo púrpura.
Sus sombras crean ventanas digitales...
y a través de ellas, vemos otras capas.
Esta es la chica, radiante y sonriente.
Pero la chica madura, se enamora de otra chica...
y se vuelve tan celosa...
que pide a un asesino que la mate.
David Lynch rueda la escena de forma convencional.
Plano contra plano, luz natural...
planos medios cortos...
en una cafetería llamada Winkies.
Pero la chica ve al otro lado a un hombre.
Él la mira mientras ella prepara el asesinato.
Es como si él la viera cometer el crimen, en su pensamiento.
Y así, en su largo sueño...
le vemos a él, no a ella...
enfrentarse a algo monstruoso en la parte trasera de Winkies.
Cámara en mano. El sonido de un rugido.
El impacto es tan fuerte que todo queda en silencio.
El monstruo podría ser el horror del asesinato.
No se ve a ella misma enfrentándose a él...
sino al hombre que la vio haciéndolo.
Y este lugar, el Club Silencio...
también en el inconsciente de Diane...
parece Oz, en El mago de Oz.
El sueño de Diane llega a su clímax aquí.
Está temblando, porque su inconsciente se desborda.
Un mago hace aparecer luces azules y desaparece.
Parece que estamos bajo el agua.
Mulholland Drive fue innovadora porque era El mago de Oz...
sumergida en la noche oscura del cine negro...
y la madriguera de la mente de David Lynch.
Y en el nuevo milenio...
un sorprendente film sobre los sueños...
Réquiem por un sueño.
Una mirada sincera a la gente bajo los efectos de las drogas.
Una película distorsionada...
para mostrar cómo las drogas distorsionan el mundo...
como una lente de ojo de pez.
Aquí está la trampa.
Esta mujer quería salir en la tele...
así que tomó un montón de pastillas para bajar peso.
Ahora la aterroriza su propio piso.
Parpadea y flota alrededor de ella como un giroscopio.
El film de Darren Aronofsky es un sueño paranoico...
en este siglo de terror.
Si el cine del nuevo milenio es un cine realista...
o un cine sobre los sueños...
su historia es tan antigua como el propio cine.
No tiene nada de nuevo.
Pero en el nuevo siglo, el cine también combina realidad...
y fantasía de forma nueva.
La línea que los separa desaparece y los dos se acercan.
Lo vemos aquí, en Estocolmo.
Las singulares películas de Roy Andersson...
combinan el sueño y la realidad como nadie había hecho hasta ahora.
Bueno...
vengo de una familia trabajadora...
y crecí con la impresión de que la gente humilla a los demás...
y también a sí misma.
En la película de Andersson, Canciones del segundo piso...
el hombre del centro, cubierto de cenizas...
acaba de quemar su negocio.
Un tema social serio.
El color del plano es un verde apagado...
pero de repente la película se ilumina...
como una fantasía musical.
La infelicidad no se debe solo a la pobreza...
o al dinero.
También es el resultado de...
¿Dónde está la riqueza en la vida?
¿En el dinero o en la felicidad?
Y creo que hoy en día, en los últimos...
30 años, la gente está perdida.
Está perdida.
En el extraordinario final de su película...
los símbolos de la religión aparecen tirados...
en una tierra baldía lejos de la ciudad.
Hicimos una carretera de madera...
y pusimos unos paneles de madera...
a la derecha, para que diera la impresión...
de que hay una gran ciudad al fondo.
Parece el fin del mundo...
y unos minutos después, siempre en el mismo plano...
aparecen unas personas y se levantan de la tierra...
como el día del Juicio Final.
Es un tema...
que me interesa mucho...
el tema de la culpa.
La culpa personal y la culpa colectiva.
Nosotros cargamos...
con una culpa colectiva...
como representantes...
del ser humano, de la raza humana.
Nos sentimos responsables y debemos...
reconciliar ese sentimiento de culpa.
Deshacernos de él.
Creo que eso infecta...
infecta nuestra sociedad e infecta nuestra época.
Y...
por eso he tratado ese tema en mi película.
Andersson ha encontrado un estilo visual sorprendente...
para mostrar la culpa y la comedia de la vida moderna.
Colores apagados, destacan el gris y verde.
Le encantan las perspectivas alargadas...
y la pálida luz nórdica.
Un sueño lúgubre...
la cámara apenas se mueve.
No quiero que haya un solo plano en mi película...
que resulte indiferente, visualmente indiferente.
Y con ello quiero decir...
que la forma de rodar hoy en día...
contiene demasiados planos indiferentes.
Porque están hechos...
para concentrarse en una situación muy concreta.
Suele ser un asesinato o...
O... sí.
Una situación estúpida.
¿Por qué no puede una película...
tener las mismas cualidades que una pintura...
y que quedemos fascinados...
por todos y cada uno de sus planos?
Pero la relevancia de Andersson en el cine moderno...
es que combina esta exactitud...
con un gran sentido del humor.
Le encantan Laurel y Hardy.
La simplicidad de esta escena, por ejemplo.
Un plano cuadrado, simétrico.
Y son tan trágicos...
y tan divertidos a la vez.
Son dos perdedores...
que quieren sentirse aceptados por las clases medias o altas.
Y se esfuerzan tanto en conseguirlo...
para convertirse en estos...
para ser aceptados.
Pero siempre fracasan. Siempre.
No son simples bromas, también hay...
tragedia social...
y tragedia política.
Es el esfuerzo de los menos privilegiados...
para ser aceptados.
Para subir en la escala social.
Andersson consigue el "gorila", la innovación.
Financia él mismo sus películas. Un hombre solo en su estudio...
la historia del cine de un solo hombre.
Nadie había combinado nunca sueño y realidad como él.
El cine del Siglo 21 se basa en la combinación...
de mundos del pasado.
En los 60, Stanley Donen...
el director de Cantando bajo la lluvia...
dividió así la pantalla para esquivar la censura...
y que pareciera que los amantes están juntos en la cama.
Rodó con dos cámaras a la vez y combinó los planos.
Saltamos al nuevo milenio...
a esta escena de Las reglas del juego de Roger Avery.
Un sábado por la mañana, en una universidad de EEUU.
Vemos durante varios minutos...
a dos estudiantes que se levantan y van a clase.
Al igual que Donen, Avery divide la pantalla.
Pero sus personajes miran a cámara, hacia nosotros...
no el uno al otro.
Parece que estamos en medio de su coqueteo.
Entonces, ella dice: "Déjame ver tus ojos".
Y una mano le quita las gafas.
Y no es la mano de él.
Las dos cámaras se alejan y giran...
y los dos mundos se unen.
Pasamos de dentro a fuera, a ser observadores.
El movimiento de cámara se hizo por ordenador...
y las dos imágenes se unieron digitalmente.
El cine siempre intenta crear encuentros memorables.
Hay pocos tan memorables como este.
En esta película, Avatar...
los ordenadores permitieron crear nuevas síntesis...
entre realidad y fantasía en el Siglo 21.
En la vida real, él es un marine en una silla de ruedas...
y no puede andar ni correr.
Pero ahora está en una misión al planeta Pandora...
y se ha transformado en esta criatura...
que disfruta corriendo y se mueve como un bailarín.
El director James Cameron deja que la cámara fluya...
y la criatura se mueva.
Siente el suelo bajo sus pies.
Toda la secuencia está creada por ordenador...
como era de esperar...
excepto lo más importante, las expresiones faciales.
Este documental muestra cómo se rodaron los rostros...
con muchas cámaras.
El rodaje de un film de ciencia ficción parece una fábrica.
Luz brillante, ordenadores...
nada de planetas encantados.
James Cameron explica entusiasmado el proceso.
Tiene un soporte con una pequeña cámara...
que graba siempre el rostro...
en primer plano.
Aunque el personaje se mueva, corra, salte...
grite, salte un tronco, o corra a toda velocidad...
siempre vemos los gestos del rostro en primer plano.
La pantalla dividida muestra el antes y el después.
Y gracias a eso, tuvimos el Santo Grial...
El cine del Siglo 21...
consigue introducir el misterio de los sentimientos...
dentro de un universo digital y electrónico.
Pero lejos de Hollywood, en Tailandia en el nuevo siglo...
Apichatpong Weerasethakul hizo algo aún más imaginativo.
En esta escena de Tropical Malady, vemos a un soldado tailandés, Keng...
y su amigo campesino, Dong.
Dos tímidos jóvenes tailandeses...
grabados con luz natural y tomas largas...
en la languidez de un día de verano.
El paisaje al fondo parece casi una pintura.
Y entonces, hacia la mitad, la película parece detenerse.
Un fundido en negro, y la historia vuelve a empezar.
Ahora estamos en un bosque.
Se oyen los sonidos de la noche...
insectos, ranas, cigarras...
El soldado Keng iluminado por la luz de la luna.
Ve un árbol lleno de luciérnagas.
Parece la Torre Eiffel iluminada.
Su amigo Dong se ha convertido en un tigre...
y él debe cazarlo.
El director muestra el espíritu de un búfalo...
abandonando su cuerpo.
Keng se queda sin habla, fascinado...
tras presenciar la vida y la muerte, la Gaia.
El espíritu se adentra en el bosque.
El campesino se ha reencarnado en tigre...
pero la película también parece reencarnarse.
De un cuento naturalista sobre la amistad...
al cuento mítico del cazador y su presa.
Pocas veces en la historia del cine...
habíamos visto una transición tan osada.
El "loco", el gorila.
Los últimos ejemplos de cine innovador en el Siglo 21...
proceden de este hombre, Alexander Sokurov.
Esta es su película Madre e hijo...
estamos en una casa de campo en Rusia.
Una madre que muere, su hijo la acompaña.
Ella está feliz de morir en sus brazos.
La luz perlada procede de los árboles.
Hablan en susurros.
La paz es total.
Sokurov nos explica su propuesta.
La Historia siempre trata de lo que pasó.
Pero el arte trata...
de lo que podría haber pasado.
Puede que no exista...
un amor tan entregado en la vida real.
Pero el arte nos dice que podría existir.
Madre e hijo es una de las películas...
del denominado "cine lento".
Las imágenes de Sokurov son tan bellas como las de su maestro...
Andrei Tarkovsky...
pero también se inspiran en la pintura.
Quería encontrar un pintor...
que se acercara a lo que yo quería mostrar...
en Madre e hijo.
Y descubrí que los románticos alemanes del Siglo 19...
tenían muchas similitudes.
Mi favorito es el pintor...
Caspar David Friedrich.
Su obra me proporcionó la paleta de colores...
que necesitaba para la película.
Colores suaves, un poco apagados, como las acuarelas.
Incluso rodamos algunas de nuestras escenas...
en los mismos lugares...
donde él pintó sus cuadros...
las mismas localizaciones.
La pintura es un largo camino.
En el cine, queremos que todo sea rápido, muy rápido.
Pero no todo puede ser rápido.
Si se hace algo muy rápido...
lo único que queda luego es esa rapidez...
no queda nada detrás, nada.
En planos como este...
Sokurov estira en diagonal la imagen...
como si fuera de goma, para cambiar la perspectiva.
Hay un elemento psicológico...
un elemento...
relacionado con la experiencia emocional.
Cuando la imagen es compleja, el público siente...
una especie de desasosiego.
Y para lograr entenderlo...
el espectador comienza a prestar más atención...
a mirar con cuidado...
intenta acercarse a la imagen.
Y eso es lo que necesito.
Muchos críticos consideraron Madre e hijo...
una de las mejores películas de su época.
Pero entonces, Sokurov hizo esta película.
Quizá una de las más ingeniosas...
el mayor gorila de la historia del cine.
Estamos en el museo Hermitage de San Petersburgo...
al final del Siglo 19.
Son aristócratas zaristas que asisten a una fiesta.
Ahora todos bajan las escaleras, como un río.
Pero la revolución se acerca.
Este será el último de los grandes bailes.
Pronto estarán muertos.
Tenemos la sensación de que...
cuando dejen la pantalla...
los jóvenes van a estar esperando...
para cortarles la cabeza.
No pueden escapar. Van a ser masacrados.
Hubo millones de víctimas...
por las revueltas sociales.
Decenas de millones.
Así que es imposible no sentir inquietud.
Es un símbolo de la destrucción de un pueblo...
por parte de otros.
Y esto no es el Gólgota. Esa matanza no tuvo...
nada de noble ni de majestuoso.
Solo fueron destruidos. Violentamente.
Brutalmente.
Y esto es...
especialmente doloroso.
Sokurov la considera el último aliento de esa civilización.
Y así, de forma sorprendente...
rodó toda la película en un solo plano secuencia.
No hay un solo corte en la película.
La secuencia recorre 1300 metros y 33 galerías...
y rueda a 867 personas.
Caballeros, oficiales del museo, espías, grandes bailes...
y presagios de los horrores por llegar...
durante 90 minutos.
Sokurov y su equipo ensayaron durante seis meses.
El rodaje se realizó el 23 de diciembre...
con solo cuatro horas de luz.
Esto permitía solo dos tomas.
La primera tuvo que cancelarse a los cinco minutos.
Luego la segunda toma, la que vemos, se despliega.
Una tensión increíble.
La Steadycam es tan pesada que al operador...
casi se le doblan las rodillas.
Podemos ver el momento en que acaba la película.
El vaho muestra el frío que hacía.
La cámara en mano muestra a todos aliviados.
Lágrimas de alegría, algo totalmente nuevo...
en la historia del cine acaba de ocurrir.
Las cámaras de televisión captan el momento.
La cámara muestra...
a la gente emocionada, cansada, exultante.
Es un símbolo del infierno ruso.
Y ninguna civilización, cultura o arte...
pudo evitar la destrucción de millones de personas.
Ni la iglesia ortodoxa, ni la cristiana...
ni el arte, ni la educación...
nada pudo evitar...
que millones de rusos mataran a sus compatriotas.
Sokurov es uno de los cineastas más serios del Siglo 21.
Y uno de los más osados en cuanto a la forma.
Él y otros directores nos hacen pensar...
que el futuro del cine está en manos provocadoras.
EPÍLOGO
El Año 2046
Si la historia del cine ha sido una historia de innovación...
de pasión, de romper moldes...
¿cuál será su futuro?
El maestro Di Angeles...
en el estudio romano Cinecittá preparaba los decorados de Fellini.
Pero cuando él se vaya, ¿seguirá la gente rompiendo moldes?
Quizá en el año 2046 el cine será...
como la película El Origen, de Christopher Nolan.
Una innovadora película...
sobre las capas de realidad.
Pero quizá sea una metáfora...
de en lo que puede convertirse el cine.
Como en esta escena.
Leonardo di Caprio y sus amigos se despiertan en un avión.
Han estado soñando juntos.
La cámara se desliza, tonos verdes y azules.
Camas atmosféricas de música.
Están aturdidos...
un poco avergonzados por lo que acaban de compartir.
Han soñado que iban en una furgoneta...
que caía despacio de un puente...
rodado a 1000 fotogramas por segundo.
No hay sonido natural.
Dentro de él, sueñan un sueño dentro del sueño.
Ahora están en un hotel sin gravedad.
Tonos naranjas...
la cámara flota...
los actores están sujetos con cables.
Y dentro de ese sueño dentro del sueño, hay una cuarta capa.
Una batalla al estilo de James Bond en un refugio en la nieve.
Rodada con cámara en mano...
la acción es trepidante, el sonido natural.
Ahora los tonos son blancos.
Viven y mueren juntos.
Quizá así es como será el cine en 2046.
Jugaremos a vivir y morir juntos.
Nos sumergiremos en un Youtube bajo el agua.
O puede que ocurra algo terrible.
En esta escena de "¡Olvídate de mí!"...
los antiguos amantes Joel y Clementine...
corren por la Grand Central Station.
La gente empieza a desaparecer.
Les están lavando el cerebro.
Todos los recuerdos de su relación desaparecen.
El proceso se convierte en una pesadilla.
Parece un programa de televisión.
La cámara se mueve alrededor con un foco.
Su pasado, su historia desaparece.
Ella ya no tiene rostro.
Los ojos en otro rostro están al revés.
¿Y si ocurriera lo mismo con el cine?
Quizá llegue una tormenta digital o ideológica...
y el cine desaparecerá o estará prohibido.
Y será imposible verlo.
Excepto en un búnker escondido...
o una habitación como esta donde se mantienen sus tesoros...
en secreto.
Y así, los que amamos el cine...
tendremos que recordarlo, hablar de él.
Contar su historia.
De la gente que lo hacía.
De los lugares donde se hacía.
Los objetos que aparecían en él.
Incluso los lugares donde los grandes cineastas se sentaron.
O quizá el cine será parte importante de nuestras vidas.
Este es el aspecto que tenía Uagadugú, en Burkina Faso...
en 2011.
En el centro de la ciudad está...
este gran monumento al cine.
Quizá otras ciudades hagan esto.
En 2011, cineastas de todo el mundo se reunieron alrededor de él...
se tomaron de las manos...
y caminaron alrededor de él tres veces...
como tributo a los cineastas que habían muerto el año anterior.
Y a las películas.